30 dic. 2012

"El hobbit: Un viaje inesperado", Peter Jackson, 2012.

Ya hace más de una década que Peter Jackson inició una de las trilogias más populares de los últimos tiempos "El señor de los anillos" basada en las novelas juveniles de J.R.R Tolkien. Y eso que en 1978 Ralph Bakshi nos regaló otra película basada en la novela de Tolkien pero era animación y el proyecto no siguió adelante.
Y todos o casi todos la esperabamos con espectación. La primera película la acogimos con ganas, y pronto se convirtió en un fenómeno de masas. Hasta que se estrenó la última película de la trilogía "El señor de los anillos: El retorno del rey" (2003) ganando nada menos que once óscars.
Nada más terminar la trilogía ya sonaba adaptar la precuela "El hobbit". Durante esos años Peter iba y venía. Hasta que le cayó el proyecto a Guillermo del Toro y todo empezó de nuevo.
Al final Del Toro no dirigió (si está en producción y guión) y la peli volvió como un boomerang hacia Peter.
Y todo comienza de nuevo. Aunque es raro que de una sola novela hagan tres películas (marketing, dinero). Pero bueno habrá más chicha. Esperemos.
"El hobbit" comienza bien. Empieza como "El señor de los anillos: La comunidad del anillo" (2001) presentándonos a Bilbo Bolson (Martin Freeman) y de nuevo a Gandalf (Ian McKellen).Luego poco a poco como si se tratara del camarote de los hermanos Marx van entrando en escena los trece enanos. Destacar a Thorin (Richard Armitage) que es el rey de los enanos. Los enanos son como los de Blancanieves porque tienen todo tipo de personalidades: Balin, Bafur, Kili y un largo etc.
Empieza la nueva aventura y en esta además de orcos, apareceran trolls (buena secuencia), trasgos, peleas entre monatañas....y un dragón todavía dormido llamado Smaug recordándonos a los dragones de "Juego de tronos".
Y así hasta el final. Todo aventura. Aunque habrá el típico receso en Rivendel (No me gusta Rivendel) cayendo el ritmo de la película. Luego recuperándola en los desfiladeros. Ahora ha esperar a la segunda.
Tampoco olvidar que "El hobbit" era un cuento infantil. Pero entre Jackson y Del Toro le han dado un aire más juvenil y a veces un pelín más oscuro (no tanto como "El retorno del rey") en ocasiones. Y como es la precuela de lo que iba a suceder en "El señor de los anillos" aparecerá el anillo y Gollum. Digamos que a Tolkien lo "forzaron" a escribir "El señor de los anillos" tras el éxito de "El hobbit". Ahora es a la inversa.
Una película para los fanes de la trilogía. Guiños, bromas, se dan la mano durante toda la película. Un humor escondido en detalles como el "Corred insensatos" de Gandalf o el inicio de la película con la presentación de los enanos.
Puede que lo peor sea esperar a otras dos películas más. Y por ser un libro corto es aún más extraño (¿cuantas sagas no han continuado?). Además los fieles están más exigentes. Las otras dos pelis son un misterio total.
Lo mejor de la peli es la ambientación siempre excelente. Un Gollum (otra vez Andy Serkys) aún más cabrito. Genial la secuencia de las adivinanzas.
Lo peor. Para mí Rivendel y  que a veces los combates agobian bastante (trasgos por doquier).
Solamente hay que meterse en el mundo de Tolkien y Jackson.
También decir que echo de menos un poco al Jackson de antaño.

27 dic. 2012

"Los miserables", Tom Hooper, 2012.

La verdad es que se podría hacer una breve historia de las adaptaciones de la novela "Los miserables" de Victor Hugo. Adaptaciones para el cine, para la televisión y musicales. En este caso hablamos de la adaptación del musical creado por Claude-Michel Schönberg (música) y Alain Boublil (guión) en 1980 y que a su vez ha tenido unas cuantas adaptaciones a lo largo de todos estos años.
En España se estrenó por primera vez en 1992 y en el 2010 llegó la otra adaptación que a su vez es la versión del 25 aniversario de "Los miserables". Todo es un bucle.
Para la ocasión se ha elegido a Tom Hooper que ya ganó varios Óscars por "El discurso del rey" (2010). Un realizador experto en este tipo de producciones y algo plano en ocasiones pero que sale airoso de este lio.
"Los miserables" es un drama, un drama historico enorme. En donde se confrontan las ideas del antiguo regimen o época medieval resumido en el personaje de Javert (Russell Crowe) y la idea del nuevo regimen o revolución en la figura de Jean Valjean (Hugh Jackman). Un pequeño resumen del estado en que vivía la sociedad francesa en el siglo XIX hasta el año 1832.
La verdad es que el musical "Los miserables" es espectacular. Desde el comienzo con esos prisioneros metiendo el barco en la esclusa, las barricadas o los cañerias de París. Y claro no olvidar la música ni las canciones que algunas ya son míticas como por ejemplo "Amo del mesón" interpretada en la película por Sacha Baron Cohen (Thénardier) y Helena Bonhan Carter (Madame Thenardier) poniendo un poco de humor en la película, o "La canción del pueblo".
La elección de los actores podía haber sido díficil pero creo que han acertado de lleno en la elección del elenco. Puede ser arriesgado contar con Russell Crowe (Javert), Hugh Jackman (Valjean) o la propia Anne Hathaway (Fantine) pero salen bastante airosos de esos primeros planos elegidos por Hooper para describir las canciones. Y Hathaway sale victoriosa.
Puede que sea una producción creada para ganar Óscars. Estrenada en Navidad, contando con muchas estrellas y encima adaptando un musical con mucho tirón. Pero va más alla de eso.
Viendo la peli podemos ver la enorme similitud de la situación por la que pasaba Europa en aquel momento y en la que vivimos ahora no tan alejada de aquella época. Solamente nos queda echarnos a la calle y construir esas barricadas.
El otro puede o pero es que es una historia que gustará más a aquellos que conocen el musical o la historia de los personajes. Sobre todo Valjean, Javert, Fantine, Marius (Eddie Redmayne), Cosette, Epònine. Cada personaje tiene una música y una historia.
Lo mejor: Además de ver cantar a todos estos actores no cantantes. Ver el plano fijo de Anne Hathaway cantando "Soñe una vida" ya vale casi una nominación para los Óscars.
Lo peor: Algunas veces se hace algo cansado por la duración de la peli y es que son muchos planos fijos y soliloquios.
Solamente hacer una pregunta ¿Cuántas nominaciones conseguirá?.



24 dic. 2012

"La delicadeza", David Foenkinos y Stéphane Foenkinos, 2011

Basada en la novela "La delicadeza" del propio director David Foenkinos.
Cómo el propio nombre indica es una historia sobre la delicadeza. La delicadeza en las personas, en como decir las cosas, en como sentir y en como comportarnos. No está demasiado bien visto hoy en día ser delicado. Una mierda a veces para los tiempos que corren.
Vamos a entrar en los tópicos. La película es sumamente francesa, refinada y tiene ese punto de humor francés vista en muchas pelis de este tipo pero no llega a ser cargante ni pesada como por ejemplo "Una dulce mentira" (2010). No es demasiado visual y a veces es un pelín austera.
Desde "Amelie" (2001) ya estamos acostumbrados a ver a Audrey Tautou en este tipo de papeles dramáticos, de chica un pelín díficil y extraña.
En esta ocasión Nathalie ( Audrey Tautou) enamorada de su chico François (Pio Marmaï) deciden casarse y comer perdices. Pero llega el drama y Nathalie se queda sola. Se queda sola ante la vida, ante el trabajo y sobre todo sola en ese salón donde horas antes estuvo con François.
Hay que empezar de nuevo en el trabajo y sobre todo en la vida. Pero Nathalie es un poco austera y ha decidido no salir demasiado y sobre todo no pensar. Hasta que un día se le cruza un sueco en su vida y todo cambia. Deberiámos ir al Ikea solos a comprar y esperar que alguién nos besara. Pero eso solamente pasa en algunas películas.
Poco a poco con el sentido del humor y con esos mismos personajes que podriámos ser cualquiera de nosotros la película nos va ganando y vamos entrando poco a poco porque de eso se trata de contar  esos sentimientos, los sentimientos de Nathalie y de Markus. Los ganados y los perdidos. En suma la vida.
Una peli que no es nada pretenciosa y que con la mirada de la Tautou el sentido del humor de François Damiens (Markus) ya nos tiene ganados.
Algunas veces me llega a recordar a la española y agridulce "Bon appétite" (2010) de David Pinillos.
Y enlazo una canción que aparece en la película que también nos recordará un poquito a muchas cosas.

https://www.youtube.com/watch?v=Wo5XSAdSqEg  Emile Simon.

16 dic. 2012

"Outrage", Takeshi Kitano, 2010.

Takeshi Kitano o Beat Takeshi no se cansa de describirnos el mundo de los yakuza. Un mundo donde el honor y la jerarquía prevalece sobre todas las cosas. Es lo más importante. El honor no se debe de perder nunca ni tampoco faltar el respeto, robar o engañar a tu superior porque sino debes de cortarte  un dedo para restablecer ese honor. Al menos por un tiempo.
Con "Outrage" Kitano sigue usando la violencia de la misma manera que en sus inicios. Quizás no trata tan bien a la muerte o no la embellece como en otras películas suyas como "Hana Bi" (1997) o "Sonatine" (1993). En esta, es menos sutil y mucho más directo. Nos muestra la violencia tal cual es y usando cualquier tipo de arma. En esto nos puede recordar a las películas coreanas. No hay escrúpulos para enseñarlo todo.
"Outrage" es la historia de un yakuza, la historia de Ôtomo. Un yakuza que siempre ha estado al mando de un jefe y que ya está un poco cansado de servir a su jefe un tanto incompetente.
La historia gira alrededor de familias, yakuzas, (Ishihara, Murase, Kâto...), policias corruptos, embajadas también corruptas. La verdad es que solamente falta Scorsese dándose una vueltecita por el set de la película.
Kitano casi nunca adorna sus películas de manera forzada. Al menos las historias que hablan sobre los yakuza. Recordemos "Brother" (2000), "Hana bi. Flores de fuego". Pero si que suele embellecerla en otro tipo de películas como "Dolls" (2002) o "Zatoichi" (2003) un poco más visuales.
Kitano parece que va ganando agilidad en el uso de la cámara, en colocarla, en usar travellings, zooms. Aunque nunca faltaran esos planos descriptivos, planos fijos describiendo la acción o la no-acción.
Tampoco esconde nada. Va al grano y cuenta lo que él quiere. Puede que no sea original en sus historias.
Terminándola como una especie de exterminio:el exterminio de un clan (algo normal en películas que hablan sobre clanes). Y con la supervivencia del más cabrón. Gana el que tiene menos escrúpulos o el que está hasta los cojones de todo y en un momento lúcido no servicial se le nubla la mente y pum.
Unos actores que parecen sacados de los yakuza. Sobre todo Murase (Renji Ishibashi). Y Beat Kitano siempre está ahí con esa cara casi inerte, describiendo lo que siente en cada momento, dolor, odio.... Detrás de esa máscara existe una sensibilidad inaudita vista por ejemplo "El verano de Kikujiro" (1999) o "At scene at the sea" (1991). Le gusta mostrar los juegos o como perder el tiempo. Ese final es digno de "El verano de Kikujiro".
Ahora a la espera de la segunda parte de "Outrage" ya estrenada.

 Con cada nueva película siempre intento probar cosas nuevas. En Outrage trabajo dentro de la estructura del género yakuza, pero me esforcé en jugar con los giros inesperados en la trama. Y también intenté buscar nuevas formas de orquestar las tácticas violentas y asesinas”.

12 dic. 2012

"Red state", Kevin Smith, 2011.

Ya hace casi veinte años que Kevin Smith triunfó con "Clerks" (1994). El año pasado "Red State" ganó el premio a la mejor película en el Festival de Sitges del 2011. Parece que algo está cambiando en su filmografía. "Red State" dirigida y escrita por el mismo.
 Quizás no sea una película original pero Kevin Smith nos demuestra que puede salir del camino establecido (el suyo y el de Bob) y probar con otro tipo de géneros. En esta ocasión mezcla algunos géneros, el de terror, acción... Pero el humor no está presente en casi ningún momento.
Esta claro que tiene muchos detalles de su filmografía como por ejemplo coger a tres chavales de una ciudad perdida de los EEUU y buscar sexo por Internet o la manera de comunicarse entre ellos.Siempre presente el sexo en la filmografía de Smith. Pero creo que esta película de Kevin todo es diferente, esta peli parece que estuviera dirigida por otro director. La manera de rodar no es tan plana como en otras ocasiones ("Mallrats"(1995) por ejemplo).Crea un ambiente diferente nunca visto en otras pelis suyas, un ambiente más gris, más oscuro. Nunca ha estado tan serio y dramático Kevin. Y eso en un director es de agradecer. Los cambios.
Y luego el tema elegido: El radicalismo religioso, el absurdo de las cadenas de mandos, el post 11 de septiembre. Una película casi apocalíptica. Esas trompetas finales que parecen salida de la cabeza de Damon Lindelof. Y ese final que a veces hemos visto en otras películas me recuerda un poco el humor ácido de los hermanos Coen o me remite al final de la película de Romero "La noche de los muertos vivientes" (1968).
Comienza presentándonos a tres chavales con ganas de tener sexo. Sexo con una prostituta. Una prostituta peligrosa como Sara (Melissa Leo). Y eso es lo que desencadena todo. Ya que en ese mismo pueblo existe una comunidad religiosa radical que persigue a los gays e incluso a las personas que tienen relaciones sexuales extramatrimoniales liderada por Abin Cooper (Michael Parks).
Y ahí es donde irán a parar Travis (Michael Arangano), Billy-Ray (Nicholas Braun) y Jarod (Kyle Gallner) a esa iglesia radical. Luego los Federales se meteran de lleno en la historia con la inestimable ayuda de Joseph Keenan (un gran John Goodman).
Tras el gran fiasco que supuso "Vaya par de polis" (2010) en donde no tuvo ninguna libertad para crear dónde se sintió como una marioneta de Hollywood y que siempre las productoras le piden que dirija otro gran éxito como el de "Clerks" (1994). Terminó un poco harto y hasta pensó en dejar el cine. Así que produjo "Red state" e hizo lo que tenía ganas.
Claro que no es una película perfecta. No es una obra maestra. Pero creo que  Kevin todavía está a medio camino de lo que realmente puede crear. Con esta película ha dado un paso adelante.
Y lo que más me ha llamado la atención es su manera de manejar a los actores. Ni uno solo está mal dirigido. Michael Parks, John Goodman...están todos que se salen.
Como curiosidad aparece Anna Gunn (madre de Travis) que aparece en la serie "Breaking bad".

4 dic. 2012

"Jeff y los suyos", Jay Duplass y Mark Duplass, 2011.

Igual vendría bien decir que no es una comedia. Al igual que la película iraní llamada "This is not a film" (2011). Esto no es una comedia.
Los hermanos Duplass se están especializando en un tipo de historias difíciles y siempre cercanas a la vida cotidiana. Familias desestructuradas, enfermedades, celos, muerte. Vamos lo que es la vida.
Ya vimos en su anterior película "Cyrus" (2010) todo eso. Incluso ampliado con un complejo de Edipo.
Y otra cosa que llama la atención en sus pelis son los actores. Al igual que en "Cyrus" (2010) veíamos a Jonah Hill, Marisa Tomei o John C. Reilly bordando su papel en esta es lo mismo pero los actores son Jason Segel (Jeff), Ed Helms (Pat) y Susan Sarandon (Sharon) haciendo papeles en los que no estabamos acostumbrado a verlos sobre todo a Ed Helms (Convención en Cedar Rapids) que siempre hace de buena persona o despistado inocente.
La historia es la de Jeff. Todo gira sobre él y su destino. Un destino parecido al de "Señales" (2002) Jeff está obsesionado con esa película y todo  depende de las casualidades o causualidades. Desde que recibe una llamada de teléfono equivocada en la cual preguntaban por un tal Kevin. Se obsesiona con ese nombre y esas letras K-E-V-I-N. Irá detrás de Kevin durante todo el tiempo.
Alrededor de Jeff van surgiendo otros personajes como su hermano Pat (Ed Helms, genial en la peli) que está obsesionado con los Porsches y su vida en pareja corre serio peligro. Jeff y Kevin intentaran ayudarlos para arreglar ese problema familiar.
Y el tercer personaje, Sharon (Susan Sarandon) es la madre de Pat y Jeff siempre pendiente de ellos pero que se siente sola desde la perdida de su marido.Trabajando siempre en la oficina en busqueda del príncipe azul.
Al final todo converge en Jeff y todo se arregla gracias a Kevin y al destino. Jeff es una buena persona traumatizada desde la muerte de su padre que busca incesantemente señales por todas partes. Al final esas señales sirven para algo.
 Cine independiente/social podría decir que es el género más cercano. Cercano a pelis como por ejemplo "Convención en Cedar Rapids" (2011) o "Win, Win" (2011). Para los que busquen historias sencillas y a la vez complejas.
Al fin y al cabo la vida es eso. Felicidad y desgracia. Los hermanos Duplass son expertos en describirnosla.

2 dic. 2012

"El exótico Hotel Marigold", John Madden, 2011.

Es raro que esta peli este dirigida por John Madden. Hace unos años le llovieron Óscars del cielo por "Shakespeare in love" (1998) y hace poquito realizó la interesante "La deuda" (2010).
En esta ocasión realiza "El exótico Hotel Marigold" (2011) y realmente parece que la hizo porque pasaba por allí en ese momento ya que es una película demasiado aséptica o impersonal.
El tema ya es archiconocido y super manido. Elegir a unas cuantas personas (parejas) para hacer que coincidan en un lugar o ciudad dónde sus historias se entrelazan. En esta ocasiónel lugar es la India y el sitio un hotel casi en ruinas. El Hotel Marigold.
Es la típica peli en donde se mezcla el humor y el drama por partes iguales. Nada nuevo. Personas con problemas de salud, económicos, incluso de identidad sexual se encontraran en este hotel hasta que se resuelven sus problemas o no. También es una histoira amable y entretenida (a veces) pero siempre que vemos una peli de este tipo te viene a la mente "Love actually" (2003).
Describir la India no debe de ser fácil porque siempre se cae en los mismos estereotipos. El caos urbano, la sociedad, la religión, las diferencias sociales. Y todo esto siempre aparece en las películas que describen la India. Durante la peli recordamos "Slumdog millonaire" (2008) más que nada porque aparece en ella Dev Patel (Sonny) y por su verborrea; "Viaje a Darjeeling" (2007) en dónde también buscaban respuestas los personajes; "La boda del Monzón" (2001) en la cual nos describían las diferencias sociales existentes en la sociedad india. Todo aparece en esta peli pero en dosis más pequeñas.
Es raro que no se haya realizado la adaptación de la novela "El dios de las pequeñas cosas" de Arundhati Roy. Esta peli tiene muchas cosas del "El dios de las pequeñas cosas" y seguramente la autora de la novela Deborah Moggach "These foolish things" se ha visto influenciada en la de Arundhati Roy (esto son imaginaciones mias).
En fin que estamos ante una película díficil de reseñar. Una peli que no pasara de ser amable pero que tiene bastante público y seguidores.
Resaltar el elenco de actores importantes ingleses. Judi Dench (Evelyn), Tom Wilkinson (Graham), Bill Nighy (Douglas), Maggie Smith (Muriel).

27 nov. 2012

"Tokio blues", Tran Anh Hung, 2010.

En la novela de Murakami "Tokio blues" el personaje llamado Toru Watanabe estando en un avión de regreso a Japón escucha la canción de los Beatles "Norwegian wood". A raiz de escuchar esa singular canción Watanabe empieza a recordar todas las cosas que le ocurrieron en su adolescencia, una adolescencia quizás demasiado madura. Y triste.
El director vietnamita Tran Anh Hung es el encargado de adaptar el best-seller mundial de Murakami. Quizás una de las novelas más adaptables de Murakami ya que no aparece el clásico universo paralelo del escritor japonés. Puede que Tran Anh Hung haya elegido la novela más afín a su cine, un cine naturalista y pausado (bastante). Con planos fijos y con pocas elipsis en su realización.
Como casi siempre ocurre. Tendemos a comparar la novela con la película. En la novela de Murakami aparecen muchísimos más personajes y detalles. En la peli Tran se centra en ese triángulo/cuadrilatero formado por Toru (Ken'ichi Matsuyama), Naoko (Rinko Kikuchi), Midori (Kiko Mizuhara) y Kizuki (Kôra). Todos los personajes se encuentran un poco perdidos y confundidos.
Todo ocurre en pocos años. Empezando en el año 67,en esa fecha empezó la revolución cultural en Japón (y en casi todo el mundo). Puede que por ello se entienda el comportamiento de los personajes un tanto cerrados en su sexualidad (Naoko), una confusión tanto política como sexual. Y Toru se encuentra en el vórtice o en el centro de todos los problemas, estando casi ajeno a esos problemas políticos (en el libro está más preocupado). No sabe que elegir ni tampoco que hacer. Ni tampoco sabe a quien querer que para eso tiene 20 añitos recién cumplidos.
La peli es bonita, bien realizada. Pero quizás peque en exagerar un poco esos personajes. Esos personajes tan cerrados y quizás limitados. O simplemente que necesitan un psiquiatra y no ir al campo a pensar que hacer. A lo largo de la película se van repetiendo las situaciones entre todos los personajes. Algunas veces es  Naoko otras Midori. Un poco circular. Un drama total. Una tragedia griega en la que nada puede terminar bien.
Como buen melómano que es Murakami. No podría faltar la buena música en la película compuesta por Jonny Greenwood (miembro del grupo Radiohead) y salpicada por música de los 60's y por supuesto no podía faltar "Norwegian wood" que acompaña a los personajes durante toda la película.
Una peli para los fanes del vietnamita Tran Anh Hung. Autor de películas como "El olor de la papaya verde" (1993) o "Cyclo" (1995).
También decir que no es una mala adaptación de la novela de Murakami. Ya que no inventa nada o añade cosas "raras". Se centra en los personajes centrales de la novela.

24 nov. 2012

"De dioses y hombres", Xavier Beauvois, 2010.

Buen título para esta película. Esta historia se encuentra en medio de los dioses (ya sea musulman o cristiano) y los hombres. Hombres que siempre estan abordados por las dudas incluso estos monjes que viven placidamente en medio del Atlas argelino.
Película que se rodó antes de que estallará la Revolución democrática árabe en los países del norte de África (Túnez, Argelia...) en el 2010. Puede que fuera una coincidencia o no. Pero la película cuenta una historia que perfectamente podría haber ocurrido durante esa fecha o que estuviera ocurriendo en estos momentos.
Beauvois nos describe casi de manera documental y muy austera (casi monacal) la vida de estos monjes en el Atlas. Qué hacen, como viven y como ayudan a la comunidad. Es una descripción exhaustiva de la vida diaria de estos monjes.
Nos va presentando a los diferentes monjes. Christian (Lambert Wilson) que es el hermano que lleva el peso de la congregación; Luc (Michael Lonsdale) que es el médico y habla  incluso de enamoramientos con una chica que trabaja ayudándolos en el campo o Christophe (Olivier Rabourdin) que es uno de los más jóvenes y fuertes del grupo pero el que tiene más dudas.
Las dudas empiezan cuando estalla un enfrentamiento entre los insurgentes o terroristas que asesinan a todo el mundo que no siga a raja tabla lo que ellos digan (dogma radical) y el ejercito del gobierno (corrupto).
En cuanto empiezan las muertes los monjes empiezan a tener dudas. Dudas naturales porque no saben si quedarse o ir a un sitio más seguro. Pero la fe vence y deciden quedarse en el monasterio ayudando a amigos y enemigos.
La historia es real y ocurrió en plenos años 90's en pleno Atlas Argelino. En ese momento el invierno era duro y frio y hasta nevó duramente. Parece mentira que la fe y un dios pueda convencer a una congregación de monjes para quedarse en pleno centro de una guerra o conflicto. Pero deciden quedarse ¿para ayudar? o ¿porque no tienen otro sitio al que ir? ¿o porque la cosa se complique deben huir?...al fin y al cabo están para ayudar al pueblo.
Todo puede cambiar en un momento. Un pueblo en donde vivían placidamente musulmanes y cristianos. Donde se ayudaban mutuamente de repente deja de ser así para pasar al terror y al miedo.
La película es dura y directa. Y como dice Christian en la carta que escribe a modo de epitafio "Aunque hayamos muerto por una causa o unos ideales, no vamos a dejar de querer este país y a esta gente porque no todos son iguales". Y cuando la música del lago de los cisnes y de su muerte suena algo fuerte tenía que pasar.
Y lo que pasó fue que la nieve los engulló. Deberiámos intentar que jamás ocurrieran cosas así.
Beauvois describe un hecho que debe ser conocido por todo el mundo.

20 nov. 2012

"Tenemos que hablar de Kevin", Lynne Ramsay, 2011.

Las vidas se resumen con las decisiones que tomamos ya sean buenas o malas decisiones. Decisiones que a veces pueden ser fallidas. Pero siempre tenemos esas opciones delante nuestra y casi siempre hay que tomar un cámino u otro. Y esta película realizada por Lynne Ramsay va de eso de las decisiones que tomamos y que la mayoría de las veces son erroneas (¿pero como saber eso?). Decisiones que se suponen que pueden ser fáciles como tener una relación de pareja, o tener una familia.
Lynne Ramsay adapta la novela de Lionel Shriver. Una novela bastante controvertida por el tema.
Al igual que el personaje de la novela de Kenzaburo Oé "Una cuestion personal"  que debía de elegir entre tener un bebé enfermo o irse de vacaciones. Eva Khatchadourian (una genial Tilda Swinton) elige tener a Kevin. Elige a Kevin antes que volver a viajar y conocer mundo. Elige tener un bebé. Pero tener un bebé a veces no es fácil de hecho casi nunca es fácil. Pero Kevin parece que está endemoniado desde su nacimiento, solamente desea hacer el mal, solamente desea joder.
Kevin engaña y chantajea a todos. Kevin parece salido de "La profecia" (1976) pero sin ser el demonio.
La mirada de los dos actores que hacen de Kevin es magistral, dan miedo. Tanto Jasper Newell (joven) como Ezra Miller dan miedo y a la vez confanza y eso es lo peor.
Una mezcla entre "La mala semilla" (1956) y "Elephant" (2003) . Nos va describiendo el universo de Eva alrededor de Kevin, todo gira alrededor de Kevin. Su vida se tuerce hacia la austeridad como la manera de rodar de Lynne. Una manera de rodar gris. Y también roja. Su vida es roja. Roja como la sangre, los tomates o la pintura que ralla las paredes grises de su casa. Una casa austera y fea.
La película está realizada con retazos. Atras y hacia delante con flash-backs sútiles. Con unas continuidades verdaderamente bonitas. La historia crece junto a Kevin.
Todos los actores están geniales. Incluyendo a John C.Reilly (vaya año del 2011 de este actor).
Lynne Ramsay creo que ha creado o adaptado una de las mejores historias del 2011.Y es sencillamente aterradora.

15 nov. 2012

"Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres", David Fincher, 2011.

La mayoría de las veces cuando nos enteramos de que se va a realizar un remake de una película que fue popular o tuvo gran éxito lo normal es casi recharzarla de inmediato. Y más cuando fue un best-seller mundial: La trilogía del señor Stieg Larsson "Millennium" y que perfectamente se podría realizar la película del conflicto de su legado.
Después de que pasaran dos años del estreno en cines de la trilogía "Millenium". David Fincher empezó la trilogía en versión americana. Pero nos llevamos una grata sorpresa con la película ya que no tiene que envidiar nada en absoluto de la original dirigida por Niels Arden Oplev.
Fincher siempre rodeado y acompañado de buenos guionistas: Eric Roth en "El curioso caso de Benjamin Button" (2008); Aaron Sorkin en "La red social" (2010) y en esta última el elegido es Steven Zaillian.
Fincher famoso por su afan de perfección realiza una intriga casi perfecta. Empezando con unos títulos poderosos y directos en la que le acompaña la también poderosa música de Trent Reztnor y Atticus Ross.
Puede que sea menos sordida y violenta que la original. Pero esta gana en detalles (muchos detalles) aunque la historia sea la misma.
Detalles que se encuentran en el uso de la música, en el uso de los sonidos y como casi siempre pasa en las pelis de Fincher en el uso de lo visual y lo intangible.
Aunque la peli sea larga e incluso más larga que la original. Usa perfectamente los tiempos para que nunca decaiga el interés del espectador. Pero claro es un remake y no hay ninguna sorpresa ya que conocemos la historia con anterioridad (si la hemos visto o leido con anterioridad).
En otra cosa que acierta el señor Fincher es en el casting. Acertando en la elección de Rooney Mara para el papel de la interesante y extraña Lisbeth Salander. En esta un poco más dulce que en la original.
Daniel Craig borda el papel de Mikael Blomkvist, aunque de tan elegante que está parece que se ha escapado de "Skyfall" (2012). Y queda por reseñar los siempre geniales Christopher Plummer (Henrik Verger) y Stellan Skarsgard (Martin Verger).
Lo bueno de Fincher es que siempre hace suyos los proyectos. Aunque sean remakes. Contando una historia dura y fuerte. Describiendo el estado actual de "nuestra" Europa en donde nada es lo que parece.
Y como bien describe los títulos de crédito. La historia engancha mezclando nazis con puertos USB y cables. Asesinatos, desfalcos y mucha miseria es lo que nos describe Larrson y Fincher.
Tampoco hay que desmerecer la original de Niels Arden ya que esta claramente bebe de la original. Solamente cambia el final y es que Fincher se preocupa por contar como Lisbeth hace sufrir por amor a Hans-Erik Vennerstrom. Un amor o amistad que al final no consigue.
Una pena que sea un remake. Un remake poderoso y honesto.Honesto como dice el hermano nazi "Soy el hombre más honesto de Suecia".

12 nov. 2012

"Woochi, el cazador de demonios", Choi Dong-Hoon, 2009.

No todo el cine coreano es violento ni cuchillos jamoneros inmensos.
En esta ocasión "Woochi, el cazador de demonios" es una película de humor y de acción para toda la familia.
Y como el nombre indica es una peli de demonios y magos. En esta historia nos podemos encontrar magos buenos y malos.Y muchos hechizos y talismanes.
Y a base de un buen guión mezcla el pasado y el presente. Como ya pudieramos ver en "Los visitantes " (1993) aquella historia en la cual dos cruzados galos se encontraban de repente en el mundo actual.
Jugando con una BSO potente y una realización con mucho ritmo. Choi Dong-Hoon juega a conjugar géneros recordándonos a veces las películas de Zhang Yimou que tan de moda se pusieron a principios de siglo como "La casa de las dagas voladoras" (2004) o "Hero" (2002), o al humor extremo con gags a lo Stephen Chow recordándonos sobre todo por la puesta en escena y la fotografía a "Kung fu sion" (2004).
Hwa-dam (Kim Yui-seok, visto en "The yellow sea") es el mago/demonio malo de la película qué querrá conseguir la flauta que despierte a los demas demonios y destruya la humanidad pero tendrá que superar al mago Seo In-Kyeong (Lim Su-yeong) teniendo la ayuda de su perro/humano que parece salido de cualquier peli de dibujos animados y de su maestro.
De hecho la película a veces parece una película de animación. Que nos recuerda a veces "Kung Fu Panda" (2008) o también la serue de animación "Las tortugas Ninja".
Y todo se lia por culpa de la flauta y una viuda. Y por un hechizo terminan en un lugar donde no querían estar los héroes y antihéroes. Un mago casi medieval en el mundo actual y extraño para ellos para salvar a una viuda guapa. Todo por amor.
Una película diferente al cine oriental que nos llega. Una peli para toda la familia y con mucho (excesivamente coreano) humor.
Y destacar que maneja perfectamente los tiempos y el guión, mezclando todo tipo de géneros en el cual tiene cabida hasta el romance folletinesco.
Loe mejor para mí sobre todo la primera hora en la que el guión es genial y a los dos actores principales Kim Yuns-seok (Hwa-dam) y Lim Su-jeong (Seo in) que están geniales.
Este año Choi Dong-hoon ha estrenado "The thieves" (2012) o "Dodookdeul"..su nombre original. A ver cuanto tarda en llegar.

5 nov. 2012

"The yellow sea", Na Hong-jin, 2010.

"The yellow sea" (2010) es la segunda peli de Na Hong-jin, una cinta cruda, violenta y que no te deja casi ningún segundo de respiro. Su primera película fue "Chugyeohja" (2008) o "The chaser".
Empieza la peli con un realismo/sucio muy intenso. Retratándonos como es y está la ciudad de Yanji, con unos indices de pobreza increibles donde casi todo el mundo se dedica a trapichear y a malvivir. Casi la única salida es delinquir. O como hace nuestro taxista Ga-num (Ha Jung-woo) jugar al Mah-jong y perder siempre.
La película se divide en cuatro episodios. Y en los cuatro episodios aparece Ga-num metiéndose en problemas. Unos problemas que se van intensificando a niveles increibles (como buen cine Coreano).
Ga-Num esta desesperado por encontrar a su mujer que ha desaparecido en Corea del sur y que además le dejado una enorme deuda . Por ello recibe la ayuda de un personaje algo misterioso llamado Myun-ga (Kim Yun-seok) pero esa ayuda la recibe realizando algo ha cambio. Matar a una persona.
Y esos cuatro episodios nos relata las aventuras y desgracias de Ga-num. La huida de china, la tensa espera (increible esa espera contando los días), la busqueda de su mujer y el final de esta extraña odisea en donde los hilos se van uniendo poco a poco.
Es 100% cine Coreano. Tiene acción, violencia, suspense y un punto de realismo social sobre todo al inicio de la película contándonos como es la ciudad de Yanji o la huida en barco hacia Corea (tráfico de humanos) grabado con un grano gris un poco oscuro lleno de polvo. Todo da miedo en esta peli incluyendo a los  policias inútiles o los cuchillos carniceros.
Puede que a veces todo este un poco exagerado, sobre todo en las huidas, o en el tratamiento tan severo y poco sutil de la violencia o ultaviolencia (poco tiene que ver con La naranja mecánica (1971)). Pero la historia engancha sobre todo porque poco a poco los personajes se colocan en el tablero. Mafias, policia, asesinos, su mujer y él. Todo o casi todo controlado por el misterioso Myun-ga.
Durante la peli Ga-Num pasa por todo tipo de situaciones. Una persona que parece que es incapaz de matar a una mosca pero que por encontrar a su mujer es capaz de hacer cualquier cosa. Se convierte en asesino y en un perseguido por la ley y las mafias, a veces nos recuerda un poco a John Rambo a un Rambo herido.
Otra vez aparece el honor o la venganza como tema recurrente en el cine coreáno o asíatico. Pero surge al final cuando el personaje ya quiere honrar su honor sea como sea. Y poco a poco van apareciendo las peleas, las huidas y esas armas improvisadas como un trozo de hueso de cordero.
"The yellow sea" termina en el mar amarillo. Esta historia solamente podía terminar de una manera. Una manera que tampoco nos podiámos imaginar. Es una película cruel, dura, directa y no para todas las miradas.
Destacar a los dos grandes protagonistas de la película tanto a Ha Jung-Woo (Ga-num) como a Kim Yun-seok (Myun-ga).
"The yellow sea" se estrenó en el pasado festival de Sitges (2011), estrenándose en España a principios del 2012.

2 nov. 2012

"La cabaña en el bosque", Drew Goddard, 2011.

Lo que no puede ser es que esta película se quede sin distribución en España. Una de las películas más divertidas del género que he visto ultimamente.
Drew Goddard firma su primera película con ayuda de Joss Whedon. Era normal que surgiera algo así cuando Drew produjo "Lost" (2004) y Joss el creador de "Buffy" (1997).
Empieza como la típica película slasher a lo "Viernes 13" (1980), "Halloween" (1978)..pero poco a poco van surgiendo las sorpresas y las variaciones dentro del género.El género en dónde hay de todo ya que también aparecen ideas del reciente cine a lo "Saw" o "El coleccionista". Pero todo realizado sin excesos al menos al inicio.
En esta película todo vale y todo entra sin casi ninguna excepción. Puede que tenga muchos tópicos del género pero queda totalmente eliminado con el paso de los minutos.
Genial comienzo a lo "Funny games" (1997) plantándonos en la cara esos pedazos de títulos de crédito. Eso es un aviso de lo que les pasara a esos inocentes (pero no tontos) protagonistas.
Cinco jóvenes se van un fin de semana a una cabaña, una cabaña a lo "Posesión infernal" (1981) de hecho creo que hay unos cuantos homenajes a la película. En esta cabaña nada es lo que parece ya que están controlados por una especie de programa televisivo parecido al programa de "Los juegos del hambre" (2012), controlados por el señor Sitterson (Richard Jenkins) y sus esbirros.
La primera parte de la película nos coloca a estos chicos con ganas de marcha y diversión en la cabaña, cruzándose por el camino al clásico zumbao (Tim De Zarn) que aparecen en casi todas las películas de terror. Cinco chicos y chicas que resumen en pocas palabras lo que es la personalidad de los personajes de las cintas de terror: la típica tonta de bote (hasta se tiñe para parecerlo), la virgen, el deportista, el guaperas, y el "fumao". Pero como dije antes, nada es lo que parece.
Una historia en la cabaña y otra en la empresa. La cabaña es "Posesión infernal" (1981) y la empresa es la metáfora de lo que son las empresas hoy en día, todo vale, nada importa para ganar dinero. Pero nada es lo que parece.
En cuanto van desapareciendo poco a poco los jóvenes, la historia cobra más acción, más suspense y más sorpresas. La historia da un giro a lo "Cube" (1997) o incluso me recuerda a un relato de George R.R Martin que aparece en el libro "Los viajes de Tuf" que se llama "La estrella de la plaga". Una especie de arca de Noe con todas las bestias de la tierra. Es la locura extrema, el divertimento puro y duro con toques de humor.
Es un puro divertimento. Pero puede que haya un exceso de locura, un exceso de bichos, aunque puede que sea un homenaje al género de terror en general.
 Lo único malo es que se acaba y parece que no seguirá (puede que sea bueno). Solamente le pedimos que estos dos sigan haciendo películas de género. Y que sigán y no dejen el camino, ese camino que va hacia la cabaña.
Lo más On: Una película sobre todo fresca y divertida donde todo vale. Y las apariciones de Richard Jenkins y Sigourney Weaver (el director). Y en general la naturalidad de los cinco elegidos entre ellos Chris Hensworth (también Thor).
Lo menos On: Un excesivo final sobre todo en la segunda parte de la peli, no da tiempo a ver todos los seres.


31 oct. 2012

"El hombre sin pasado", Lee Jeong-beom, 2010.

Ya es normal que las películas asiáticas se estrenen con dos o tres años de retraso y "El hombre sin pasado" se estrenó en España en Mayo y eso ya es un verdadero milagro.
No sé porque se sigue maltratando al cine asiático de esta manera cuando ya tiene un nicho hecho y triunfan en festivales y tienen un buen número de seguidores.
Lee Jeong-beom firma su segunda película, una película de entretenimiento al estilo coreano (es coreana) que nos mezcla el suspense y la acción policial aunque mezclándolo con una dosis extraña de cariño por una niña casi abandonada por su madre recordándonos un poco la película de "Leon" (1994) en donde aparecía una jovencita Natalie Portman.
En la historia aparece casi de todo. Tres bandos: los policias, los "malos" de la película y los perseguidos que son Cha Tae-sik (Bin Won) y la niña.
Lo que ocurre es que Cha Tae-Sik tiene un secreto oscuro que nadie sabe y por eso la han traducido como  "El hombre sin pasado" y nos puede recordar a uno de los personajes de "Encontré al diablo" (2010) el cual también se movia por la venganza o ultravenganza.
También le añaden a la historia lios policiacos, tráficos de órganos, psicopatas....toda una amalgama de personajes extraños. Eso sí, el policia siempre es un superhéroe o la persona que une todas las tramas, casi siempre hay uno en todas las pelis.
Puede que lo que no sea normal es la relación que se establece entre Cha Tae-sik y la niña, pero tampoco es anormal en el cine asiático como se puede observar por ejemplo en el cine de Kitano en las mas recientes"Confessions" (2010), "Mother" (2009)  también coreana.
La historia nos habla de la venganza algo recurrente en el cine coreano, del honor (el personaje de Thanayong Wongtrakul es genial) y luego una crítica social sobre como la mafia extorsiona a los niños y los convierten eh "hormigas" para luego sacrificarlos para donar órganos.
Y como casi siempre es habitual la realización es casi perfecta, con transiciones originales y bonitas, y con unos combates realizados casi a la perfección, sobre todo esa pelea final que nos puede recordar al mejor John Woo o a Park Chan-Wook. ¿Donde se fijaria Tarantino para filmar Kill Bill?.
Una película para fanes del cine coreano y del thriller policiaco en general. Y si os han gustado películas como "Mother" (2009) o "Encontré el diablo" (2010) está os gustará añadiendo esa dosis de cariño paternofilial como ya dije antes.
También resaltar que Cha Tae-Sik interpretado por Bin Won aparece también en la película "Mother".


26 oct. 2012

"Lo imposible", Juan Antonio Bayona, 2012.

Casi imposible era que una película española estuviera tan bien realizada y encima de este género. Harto díficil verla por estos lares. Una superproducción con letras grandes al estilo de "Titanic"(1997).
Juan Antonio Bayona se ha metido en el bote casi seguro a Hollywood con este proyecto. Y por ahora es una de las grandes triunfadoras en taquilla del 2012 en España.
Con solamente unos cuantos cortos y "El orfanato" (2007), Bayona ha pasado a ser uno de los realizadores españoles más importantes y con más proyección del último lustro.
Una película díficil de rodar por el tema, por el coste y por la realización. Y mira que le avisaron diciéndole que "yo pagaría por no hacer esta película" de lo díficil que era realizarla.
La historia es la que le ocurrió a la familia Álvarez cuando estaban de vacaciones de Navidad en Tailandia y el tsunami  arrasó todo el litoral asiático en el 2004 (como pasa el tiempo).
Nos cuenta casi a modo de diario lo que le ocurrió a la familia. Como llegan al destino, como viven esos primeros días antes de que llegue esa gigantesca ola, y todo lo que sufrieron después del tsunami.
Pero a partir de la llegada de la ola, la película se convierte en un sufrimiento continuo por lo bien que esta narrada y contada. Con una cámara que no se detiene en detalles fáciles sino que solamente nos relata la historia de esa familia. Y claro también nos cuenta a través de esa familia como sufrieron tantas personas.
Es la primera película que veo sobre el tsunami. Puede que para muchos sea una película efectista o innecesaria. Pero es un documento importante y necesario. Una película que casi se convierte en obligada visión. Y no por masoquismo, sino porque una catastrofe tan grande nos puede tocar a cualquiera.
En ella además del sufrimiento que ya podemos imaginar y ver. Podemos ver la generosidad de las personas cuando ocurre catastrofes de ese tipo, pero también vemoss el cinismo y la vulgaridad (detalle del móvil).
Cuando estamos viendo la película se nos viene a la cabeza casi de inmediato Spielberg y Cameron dos de los realizadores especialidados en este tipo de proyectoss. Detalles que nos pueden recordar incluso a "Parque jurásico" (1993) o "Salvar el soldado Ryan" (1998) por el uso del sonido...bomm, bomm....a veces el sonido pasa a ser un gran protaonista.
Tantas referencias Spielberianas que incluso podría llegar a cansar. Pero ver a Lucas (genial Tom Holland) correr por el hospital a que nos puede recordar...pues al "El imperio del sol" (1987) con un Bale super jovencito...sufriendo casi de la misma manera que Lucas buscando a su familia.
No es una película efectista o edulcorada porque no hay otra manera de contarla. No podemos saber que ocurrió realmente o como se encontraron pero es bonito usar el destino y la casualidad de esa manera. Jugar con ese destino es cruel y bonito al mismo tiempo.
Mencionar a la gran Naomi Watts (Maria) que está increible. Te llegas a creer su sufrimiento y sufres con ella durante todo su viacrucis. Y al correcto Ewan McGregor (Henry) que tiene un papel más dramático que en otras películas.
Puede que estemos antes una de las grandes taquillas del año y seguramente arrasará en los Goya.
Solo un pero y es que el final me recordó un poco a "Gladiator" (2000)....

23 oct. 2012

"Cosmópolis", David Cronenberg, 2012.

En el 2003 Don DeLillo publicó Cosmópolis. Un libro que "fue considerado como una incisiva exploración de los daños morales del 11-S" y encima se convirtió en profético ya que el libro nos cuenta la situación de como está el sistema económico mundial y social en estos momentos a través del multimillonario Eric Packer.
Y en el encargado de adaptar la novela al cine ha sido David Cronenberg. Ya venía de adaptar una obra de teatro de Christopher Hampton "Un método peligroso".
Nunca ha sido tan peligroso cruzar una ciudad en limusina para cortarse el pelo. Eric Packer (Robert Pattinson) lo hace el mismo día en que el presidente de los EEUU visita la ciudad. Un multimillonario que quiere tenerlo todo. Un jóven multimillonario rodeado de personas dotadas con el mismo don que él, ganar dinero, o conseguirlo. Durante el pequeño viaje por la ciudad se va encontrando o citando en la limusina con sus empleados,amantes, e incluso con su doctor. Y durante todo el trayecto lo acompaña su jefe de seguridad Torval (Kevind Durand) que le va informando de lo que sucede durante toda la historia.
Puede que no veámos tan fácilmente en esta película el mundo de Cronenberg. Pero lo cierto es que está presente casi en todo momento. El sexo deambula durante toda la película alrededor de Packer con esos encuentros sexuales con Didi Fancher (Juliette Binoche), o los intentos frustrados  de tener sexo con su mujer Elise Shifrin (Sarah Gordon) o esa genial secuencia en la que el doctor le hace una proctología delante de la sudorosa Jane Melman (Emily Hampshire).
En esta no hay violencia tan explicita como en "Crash"(1996), o "eXistenZ" (1999), pero si que se puede sentir la violencia alrededor de la limusina y ellos viajar como sin nada, como si lloviera ya que a ellos le da igual. Ese tipo de violencia es peor.
El guión es del propio David Cronenberg y puede que esas voces o comportamientos de los personajes haga que la historia sea más dura o díficil de ver (para un público no tan acostumbrado). Es una obra de teatro dentro de una limusina en un espacio reducido y claustrofóbico donde los personajes hablan, follan, beben y sufren por la caída de la moneda china el yuan. Es lo que mueve la película, el yuan.
Estamos ante el estado actual de la economía o lo que podrá ser el mundo en poco tiempo. Nos describe como son los multimillonarios. Sin escrupulos, capaces de comprarse para si mismo una capilla realizada por el mismisimo Rothko.
No es una bajada a los infiernos. Pero si una busqueda de una redención o de un automutilamiento por llevar esa clase de vida. Al final se mutilará y eso es otra característica del cine de Cronenberg, el mutilamiento de cualquier tipo y eso se puede observar también en su última película "Un método peligroso" (2011).
Hasta el final de la película van apareciendo personajes alrededor de Eric Packer. El último en aparecer es Benno Levin (Paul Giamatti, siempre genial) recrea un personaje extraño que solamente quiere vengarse de Packer. Puede que sea uno de los diálogos más interesantes de la película. Y si se juntan todos los diálogos de los personajes que han subido a la limusina, tenemos un resumen de lo que ha sido y es el mundo en estos momentos.
Puede que Cronenberg no haya realizado una película perfecta pero presumiblente sea una de las películas más interesantes que se han estrenado ultimamente.

20 oct. 2012

"Looper", Rian Johnson, 2012.

Desde que vi "Brick"(2005) ya tenía ganas de volver a ver una nueva peli de Rian Johnson. Se hizo esperar hasta llegar este gran proyecto de ciencia-ficción. Anteriormente estrenó una peli que no tuvo demasiado repercusión "The brothers Bloom" (2008) y algunos capítulos para la serie Breaking bad (2008).
Y llega "Looper" (2012) escrita y dirigida por el mismo. Con cosas buenas y otras no tan buenas.
El comienzo de "Looper" es pura adrenalina. Nos mete de lleno en la historia, los personajes van entrando con naturalidad, la historia prosigue con una realización exquisita. Tal vez demasiado televisiva comparándola con "Brick" esa historia detectivesca con femme fatale incluida y en plena high scholl americana.
Los loopers son asesinos de asesinos del futuro. En un futuro en el que ya se ha inventado la máquina del tiempo. Y de eso va la peli de viajes en el tiempo y de asesinatos. Aunque la historia se complica más cuando aparecen sus mismos yos en la historia. 
Siempre que aparecen viajes en el tiempo el guión debe de ser muy cuidadoso o casi perfecto para que los fallos no se noten o canten demasiado. Y en este caso el guión es perfecto, jugando y mezclando los viajes y las vidas de ambos Joes; el joven (Joseph Gordon Levitt) y el mayor (Bruce Willis).
A veces podemos compararla a "Origen" (2010) o a la más cercana "Código fuente" (2011) dos películas que basan su guión en sueños sobre sueños o de multitud de puntos de vistas de un mismo momento (1 hora). Y que todas son de ciencia-ficción y un poco adrenalíticas.
Pero toda esa adrenalina, toda esa perfección se va viniendo un poco abajo en cuanto la peli avanza. El guión sigue siendo bueno pero la historia decae se suaviza quizás en demasia con la entrada de Sara (Emily Blunt). La historia en este momento es más íntima pero sin ser tan emocionate como antes.
Y posiblemente el remate es cuando el hijo de Sara se convierte en un x-men (SPOILER). En ese momento la película da un giro o un derrape. Frenando en seco y poniendo un tope.
Como es lógico la historia ocurre en un futuro no demasiado lejano. Describiendo una sociedad negra, oscura, corrupta y llena de vagabundos y yonkis. Una visión parecida a la de "Soylent Green" (1973)"...o la más reciente "In time"(2011).
Rian Johnson acierta en la realización, en la atmosfera, a veces cercana al cine oriental sobre todo como muestra la violencia. Certificando que será un buen director. Pero desaprovecha un poco las tramas secundarias que a lo mejor podrían darle más juego como las de Abe (Jeff Daniels) o Kid Blue (Noah Segan)...o incluso el viejo Old.
Una buena y divertida película, demasiado televisiva, olvidando que las películas duran más de una hora. Pero de la cual esperaba un poco más.
Lo más On: La secuencia en la que se encuentran los dos Joes. Ese momento es genial. La primera hora es para quitarse el sombrero. La exquisita realización, con planos increibles y continuidades espectaculares. Y
por último mecionar al gran Paul Dano (Seth) con una breve aparición.
Lo menos On: La segunda parte de la historia decae en interés. Y lo poco aprovechado que están algunos personajes por ejemplo el de Paul Dano.

16 oct. 2012

"Un dios salvaje", Roman Polanski, 2011.

"Un Dios salvaje" o "Carnage" puede ser  una radiografía bastante exacta de lo que es la actual sociedad en la que vivimos. Una sociedad aburguesada, con complejos (y sin)  que es incapaz de mirar más alla de su ombligo o como dice uno de los personajes "mirar más de dos manzanas de lo que ocurre en su comunidad".
Polanski adapta "Carnage"  la genial obra de teatro de Yasmine Reza. Puede que por ello le salga una obra cuasi perfecta. Sobre todo por los geniales diálogos de todos los personajes.
A lo mejor Roman se esta dejando llevar y solamente se dedique a realizar "encargos" pero vaya encargos: "Oliver Twist" (2005), la genial "El escritor" (2010) y esta última "Un dios salvaje" (2011).
"Un dios salvaje" empieza con un plano descriptivo de dos niños enzarzados en una discusión y terminando de una manera trágica. Un plano fijo en donde aparece un parque de la ciudad de Nueva York (y Roman sin poder ir allí) y una pandilla. La película terminará con ese mismo plano fijo pero de manera muy diferente a la que nos esperabamos todos.
Esos niños son los protagonistas de la película. Y la única causa para que dos matrimonios desconocidos empiecen unas discusiones que pueden ser cómicas, dramáticas, viscerales, hipocritas, etilicas...
Un par de matrimonios: los Longstreet y los Cowan que nos recordaran a las dos parejas que aparecen en "¿Quién teme a Virgina Woolf?" (1966) sobre todo cuando aparece el whisky. Y puede que los mejores momentos.
Y por Ethan y Zachary los cuatro pasaran uno de los peores días de sus vidas. En donde aflorará lo peor de cada uno. Sus manías, sus odios, sus verdades, sus ideas. Su vida puede que se vaya al garete por esa fatalidad.
Una pareja los Cowan con un nivel económico superior (parece) al de los Longstreet no podrán salir del piso hasta que todo termine o se intente arreglar. Parecen estar metidos en la iglesia de "El ángel exterminador" (1962) sin poder salir de esas cuatro paredes aunque quieran. Cuatro paredes claustrofóbicas.
La verdad que la película es neutra. No parece estar realizada por Polanski. Pero a veces eso también es importante. El autor parece invisible acompañando a los geniales actores en todo momento. Unos actores que estan en estado de gracia, sin ellos la película no sería lo mismo y seguramente sin Roman igual.
Seguramente Polanski la realizó porque tiene mucha mala leche y sarcasmo. Esa mala leche que se puede observar en casi todas sus películas casi siempre con finales que nos llegan a dejar boquiabiertos. Aunque la película parezca no ser de Roman, creo que esta presente en cada momento (menos en Nueva York).
La historia de la peli es una discusión de dos parejas sobre un tema doméstico/educativo. Y las discusiones florecen porque ninguna de las dos quiere ceder. Ahora solamente queda entrar en esas casa no tan oscura como la de "La semilla del diablo"(1968).
Lo más On: Los cuatro actores estan de Óscar. Jodie Foster, Kate Winslet, Christopher Waltz y John C.Reilly están geniales. Y el genial guión.
Lo menos On: Puede que a lo mejor no se note demasiado la "mano" de Polanski. Pero también es bueno realizar cosas "diferentes".
Atención al Hamster y a todos los detalles de los diálogos.

13 oct. 2012

"Frankenweenie", Tim Burton, 2012.

Ya hace casi 30 años que Tim Burton nos dejó su visión particular sobre el mito de Frankenstein realizando "Frankenweenie" (1984) uno de sus primeros cortos junto al de  "Vince" (1982)  que ayudaron a Burton a realizar largos y crear uno de los universos personales más importantes de los 80's y 90's.
Ahora nos llega este "remake" con truco. Es la misma historia  pero con más detalles y realizada sin actores humanos sino con el sistema stop-motion que le ha dado tan buenos resultados a Tim Burton produciendo "Pesadilla antes de Navidad" (1993) o realizando "La novia cadaver"(2005).
En esta nueva revisión puede que Tim haya perdido aquella inocencia que se puede respirar en ese corto del 84.Pero Burton sigue siendo fiel a su idea.La idea de poder revivir a una mascota y recordar al mito de Frankenstein.
Sigue presente todo el universo Burton. Los personajes van apareciendo y poco a poco el mundo de Tim va apareciendo ante nosotros. Desde el homenaje a Vincent Price (uno de los amores de Tim), a Christopher Lee y a la Hammer, a Ed Wood y al cine de ciencia-ficción (el inicio de ambas pelis), o esas comunidades vecinales que nos recuerda a "Eduardo Manostijeras" (1990), y los propios personajes que podrían aparecer en "Sleepy Hollow" (1999), "Big fish" (2003)o incluso "Bitelchus" (1988).
Puede que sea una pelicula que la saboreen más lo fanes de Tim Burton. Ya que sigue la estetica gótica de anteriores películas como por ejemplo "La novia cadaver" (2005), o "Sweeney Todd" (2007) por poner un par de ejemplos más cercanos.
Aunque el universo de esta ultima película es más amplio ya que aparecen más personajes y bichos. Estos personajes pueden ser diferentes espejos de Burton a lo largo de su carrera, y los bichos revividos que aparecen son diferentes homenajes al cine de ciencia ficción y de horror.
Estos nuevos personajes no aportan nada nuevo a la trama principal de Frankenweenie pero si que divierten y además pone el punto de humor que a lo mejor le faltaría a la historia sin estos.
Los personajes de la primera peli protagonizados por  una joven Shelley Duvall (Susan Frankenstein) y David Stern (Ben Frankenstein) que por cierto eran mucho menos inocentes en la original  que en la actual pero que ahora cuenta con las voces de Catherine O'hara y Martin Short. Otras apariciones son las del profesor Rzykroski que está interpretado por Martin Landau (Ed Wood) siendo un claro homenaje a Vincent Price, o la aparición de Wynona Ryder (Eduardo Manostijeras) dando voz a Elsa Van Helsing (otro homenaje), y la aparición de Christopher Lee.
La película en sí es un gran homenaje a su cine y al cine de ficción y de horror.
Y esperemos que tras los últimos fracasos de crítica, Frankenweenie de alas al nuevo cine de Burton y que su universo siga agrandándose.
Lo más On: El nivel técnico de la películas llega a niveles increibles siendo casi perfecta. En general todos los apartados de producción son increibles, fotografía, música (Danny Elfman). Y la aparición de los nuevos personajes es un plus (Weird girl). Además de seguir siendo muy fiel a la idea original.
Lo menos On: Pues que se comparará con la primera película. Añadiendo la avalancha de remakes que se realizan ultimamente. El también remekeó este año "Sombras tenebrosas" (2012) sin tener tampoco demasiado éxito.
La sombra de Disney también es alargada. Solamente habrá que esperar a ver  como reacciona la crítica y el público.

2 oct. 2012

"Misión imposible: Protocolo fantasma", Brad Bird, 2011.

Ya ha llovido desde que Dan Roberts creará "Misión imposible" en 1966 y tenía sentido en ese momento ya que todavía estaba reciente la crisis de Cuba, la muerte de Kennedy, y sobre todo el enfrentamiento E.E.U.U vs U.R.S.S. Y un personaje llamado James Bond que todavía da y dará que hablar hoy en día.
Y en los 90's fue el señor Brian de Palma quien rescató la serie y metió en el proyecto a Tom Cruise o Cruise metió en el proyecto al señor De Palma con unos resultados más bien sosillos, resaltando más que nada la música de Lalo Schifrin (la de la peli es de Elfman) y alguna que otra secuencia con suspense.
Y con los años el testigo pasó de Brian a John Woo considerado por entonces uno de los mejores directores de acción del momento. Ya en "M.I-2" (2000) Ethan Hunt se va convirtiendo poco a poco en un superhéroe. Ya que lo hace todo bien y no recibe ni un solo rasguño y ni siquiera se inmuta. Ethan Hunt se va endiosando poco a poco.
Y a la tercera llegó la vencida. El señor Cruise ya cogió la sartén por el mango y se lo quedó. Se quedó todo. Para ello ficho a J.J Abrams popular en esos momentos por la serie "Perdidos" y realizó "Mission imposible III" (2006) firmando otro episodio en donde Hunt es un superhéroe de nuevo.
Y ya cuando todo el mundo creía que Hunt iba a ser olvidado o postergado renace de nuevo de las llamas.
En esta ocasión Cruise recibe la ayuda de J.J Abrams y fichan a uno de los mejores realizadores de animación del momento el señor Brad Bird. Creador de "Ratatouille" (2007) o "Los increibles" (2004) las dos para PIXAR.
No sé porque se fichó a Brad..a lo mejor para dar mayor agilidad a las escenas de acción o a todas las sesiones que tuvieron que hacer con la tela verde o pintura verde.
Pero puede que sea la más divertida de las cuatro. Aunque Cruise se enfrente de nuevo a un villano hipernormal, en este caso es Kurt Hendrichs (Michael Nyqvist) que quiere terminar con el mundo de nuevo. Algo que siempre quieren realizar todos los villanos que aparecen en esta saga.
La película tiene un comienzo prometedor con esa escapada de la cárcel con una canción de fondo. Este detalle me recordó a "El gran halcón" (1991) en la que unos ladrones se cronometraban escuchando canciones.
Poco a poco la trama se va formando y a su vez perdiendo fuerza (algo muy normal ultimamente). Y otra misión que cumplir. Para esta misión viajará por todo el mundo como si fuera Willy Fog y tendrá ayuda de algunos agentes entre ellos Jeremy Renner (Brandt), Simon Pegg (Benji) y Paula Patton (Jane...esta no me gusta demasiado),formando un equipo algo extraño.
Durante la película asistimos a números circenses de Cruise: como escalar un edificio, o escapar de una cárcel a base de mamporros a lo Old boy (menos violento).
Señalar el intento de robo de los archivos en el Kremlin. Esa secuencia esta muy bien rodada además de crear bastante suspense, para mí lo mejor de la película.
Por lo demás la película que entra dentro del género/imposible es un escaparate para que Cruise/Hunt se luzcan. Y casi toda la saga ha sido eso. Hunt/Cruise al cuadrado. Aunque en esta por momentos lo pasas bien.
Lo más On: Alguna secuencia muy bien rodada. Y la señorita Léa Seydoux.
Lo menos On: Es más de lo mismo. Acción imposible y Tom Cruise. Encima no salen otras estrellas, aunque en esta aparece el agente de Bourne Jeremy Renner.

27 sept. 2012

"Serenity", Joss Whedon, 2005.

Ver "Serenity" después de que Joss Whedon haya realizado "Los vengadores" (2012) puede tener sus cosas positivas y negativas. Positivas: porque puedes darte cuenta que ya rodaba de una manera fluida, deslizándose la cámara por todos los recovecos de la sala, del pasillo o de la nave en donde se encuentre en ese momento. Porque su sentido del humor era el mismo que ahora. Aunque ahora la verdad domine mejor ambos aspectos.
Negativas: pues que debe ser dificil reconocer todo el mundo o universo de Whedon si no se han visto con anterioridad sus series. Creador de "Buffy, cazavampiros" (1997); "Angel" (1999) y "Firefly" (2002).
Serenity es como un doble capítulo de una serie. Una gran presentación o un gran final según se mire.
La historia comienza presentándonos a River (Summer Glau) y River es un arma creada por los "malos" con poderes supernaturales y sobrehumanos. Un arma humana de alto riesgo que se ha escapado y ahora es perseguido por sus captores. River es salvada primero por su hermano Simon (Sean Maher) y luego por Mal (Nathan Fillion) y la tripulación de la Serenity.
La historia es una continua huida de River y el descubrimiento de porque la quieren matar. Una gran aventura interestelar.
Puede que "Serenity" reavivara las ganas de realizar películas de ciencia ficción con heroinas. Solamente recordar "Aeon Flux"(2005) o incluso las nuevas pelis de Residents Evils....aunque no tuvieron la misma suerte que "Serenity".
Quizás esta peli tenga muchísimos fans por su serie "Firefly" (2002) una serie con una sola temporada y que gustó bastante a cierto público. Por eso dije que podía ser un principio o un final. Pero más bien funciona como una pre-cuela porque nos cuenta de donde sale River y River ya se dejaba ver en Firefly.
Con un comienzo bastante divertido y con esa cámara siempre moviéndose de manera ágil nos sumerge en el mundo de la Serenity como si fuera cualquier nave que ya conocieramos con anterioridad. Salida de "La guerra de las galaxias" (1977), "Star Trek" (1966) o incluso "Pitch Black" (2000). Una peli de ciencia-ficción sin nave no es nada.
Además es divertida, y con bastante sentido del humor sobre todo a través de Mal (Nathan Fillion) y de Wash (Adam Todyk) personajes que nos pueden recordar a la guia del autoestopista galáctico (al libro).
Influencias por todas partes, desde un duelo como si fuera el salvaje oeste, enemigos parecidos a zombies intergalacticos, un virus letal, y un malo que se sale por todas partes: un genial Chiwetel Ejiofor (El operativo).
Lo que también resulta curioso es la moral de la película o lo que nos quiere contar. No diré nada porque contando eso podría restarle interés a la película y a la historia. Pero dejense llevar por una aventura que a veces se parece un poco a nuestra humanidad.
En definitiva una película divertida que dio por finiquitada una serie que contuvo solamente una temporada y que dejó una horda de fanes por todo el mundo.
Lo más On: El malo malísimo Chinewetel Ejiofor y la agilidad de Whedon en la puesta en escena. Y la continuidad que tiene con la serie.
Lo menos On: Algunas veces los actores no dan demasiado la talla. Debía de ser fiel a la serie. Pero con la aparición de Adam Baldwin (Jayne) uno ya se puede quedar tranquilo.
Ahora a esperar "Los vengadores 2"..aunque este año haya estrenado ya "Much ado about nothing" (2012).

23 sept. 2012

"La pesca del salmón en Yemen", Lasse Halströn, 2011.

Es verdad que Lasse Halström está especializado en películas refinadas, clásicas, muy bien terminadas pero que son excesivamente empalagosas y casi siempre predeciblemente románticas.
El director sueco que saltó a la fama por "Mi vida como un perro" (1985) y que por esta peli Hollywood lo fichó y lo convirtió en un director de encargos. Solamente salvaría "¿A quién ama Gilbert Grape?" (1993) y "Las normas de la casa de la sidra" (1999).Pero a partir de "Chocolat" (2000), una película que no entiendo como puede gustar, este director solamente ha realizado películas suaves y románticas/noñas por ejemplo "Querido John" (2010).
Lasse adapta la novela de Paul Torday de el mismo nombre "La pesca del salmón en Yemen".
Y de eso va la peli de intentar pescar salmones en Yemen. Una idea loca y bastante utópica. Pero al final los salmones y la pesca están de más ya que lo que realmente importa es la relación también un poco utópica entre un doctor de biología el doctor Jones (Ewan McGregor) bastante cercano a Sheldon Cooper y una asesora que trabaja para un jeque arabe (Emily Blunt).
La historia comienza bien y con ritmo. Buena presentación de los personajes y con un sentido del humor muy inglés. Kristin Scott Thomas está genial en el papel de jefa de prensa del primer ministro, puede que este personaje nos recuerde un pelín al primer capítulo de la serie "Black Mirror" sobre todo por el poder que ejerce la prensa en estos momentos. Capaz de inventarse cualquier cosa para conseguir un fin. Malos tiempos para el periodismo.
La historia avanza, se van conociendo los personajes, los salmones cada vez estan más cerca de Yemen. Pero llega un momento (la aparición del jeque) en que la historia se estanca, la utopia sigue adelante y el interés decae y la historia se convierte en un romance que parecía imposible entre el doctor Jones y Harriet.
Lo que podía haber sido una historia crítica de la prensa y de los trapicheos que realizan los gobiernos para conseguir lo que sea se convierte solamente en una historia de amor. En fin una comedia/romántica más que podría haber sido mucho más interesante desde el punto de vista político (da más juego).
Lo más On: La señora Kristin Scott Thomas que se come a todo ser que se le pone por delante. Y la primera media hora de la película.
Lo más Off: El personaje de Ewan McGregor. Lo prefiero haciendo de malo como en "Indomable" (2011) o en thrillers como "El escritor" (2010)...las comedias no le sientan bien a Ewan. Y que la historia decae increiblemente.
La verdad es que no espero más del señor Lasse pero si de Ewan. ¡Qué deje las comedias!

19 sept. 2012

"Sucker Punch", Zack Snyder, 2011.

Zack Snyder con esta película nos ha regalado un videojuego. Pero en este videojuego  no podemos participar ni  jugar. Solamente mirar.
A lo mejor todavía estamos aletargados por ver "Watchmen" (2009) o pensando en "Amanecer de los muertos" (2004) o en la superdivertida "300" (2006) que rompió moldes en su momento pero puede que esa estética a lo "Sin city" (2005) ya este pasada de moda. "300" (2006) por cierto es otro videojuego.
"Sucker Punch" es una película a lo Zack Snyder. A Zack le gusta arriesgar y ha dado el todo por el todo. Creando una película de acción y heroinas. Por cierto mucha acción pero no demasiada mala leche. Y esto es raro en el autor de "Amanecer de los muertos". Se echa de menos esa mala leche.
Viendo la peli lo pasas bien. Lo pasas bien al principio viendo o pensando que va a ocurrir con Babydoll (la guapa Emily Browning) y a donde la llevan: a  ese psiquiátrico tenebroso, acompañado por su padrastro pedófilo. Lo pasas bien viendo esos combates a lo "Kill Bill" (2003) o imaginando que es un videojuego. Y  lo pasas bien imaginando que estamos ante un "Shutter island" (2010) pero en pequeñito.
Todo lo que aparece en la peli vale, todo lo que aparece entre acto y acto en los decansos de los bailes y combates. Ese es el guión y la historia. Porque lo demás son bailes o combates de Babydoll y las heroinas contra nazis, monstruos, robots, dragones...Y esos continuos parones es lo que satura y nos cansa. Esa saturación de escenas y combates.
Digamos que es una película de heroínas y de superheroínas al igual que ya hizo con "Watchmen",  Zack convierte en héroes a gente normal y corriente en este caso a cinco chicas que estan internadas en un psiquiátrico a punto de ser lobotomizadas por mad men.
Lo que realmente importa de la historia es..¿Qué estamos viendo?, ¿Qué ocurre?, ¿Porqué pasa esto?....mezcla realidad con ficción, historia real con sueños. Nos está diciendo que el poder que tenemos es superior a cualquier fuerza o violencia y que con ese poder podemos hacer cualquier cosa que queramos y deseemos...y realmente de eso va la película. El deseo de poder cambiar algo.Podemos hacer lo que queramos y lo que nos de la gana.
La historia es divertida, con una estética muy de los 2000 y bastante steampunk (dirigibles por doquier)..mezclando videojuegos, con Kill Bill...pero realmente los escenarios están muy conseguidos por la banda sonora de la película y por la estética gótica y oscura. Contando con un malo que a lo mejor no asusta demasiado el blandito Blue Jones (Oscar Isaac)
Realmente desde "Watchmen" estoy esperando alguna sorpresa de Zack. No lo consiguió con"Ga'hoole" (2010) una simpática y a veces oscura película de animación sobre lechuzas. Y ya con Sucker pues como dije antes se queda en un videojuego divertido.
Lo más On: Me quedo con el final, y con algunas secuencias de acción muy bien rodadas sobre todo la primera detodas el combate a lo Kill Bill. Ah y la aparición de todas las chicas con la aparición estelar de Jena Malone. Y el grande grande Scott Glenn.
Lo más off: La reiterativa repetición de las escenas de acción y un guión a veces un poco simplón (llave, fuego..) aunque este termina con mucho tino.
El año que viene Zack estrena "El hombre de acero"....¡tachán!






























17 sept. 2012

"Like crazy", Drake Doremus, 2011.

Película no estrenada en España. Una película que obtuvo el Premio Especial del jurado en la pasada edición del Festival de Sundance y que Felicity Jones ganó el premio de mejor actriz por su interpretación como Anna.
Llamándose "Like crazy" o "Como locos" es muy díficil que vaya a conseguir distribuidora por el ya saturado circuito de comedias/dramas románticas de jovenes actores a lo Zach Efron como por ejemplo "Cuando te encuentre",2012 y títulos por el estilo.
"Like Crazy" de Drake Doremus es una película muy íntima. Donde dos jovenes se conocen cuando estan a punto de graduarse. Anna (Felicity Jones está genial) y Jacob (Anton Yelchin) empiezan un romance cuasiadolescente. Pero no todo es tan fácil. Ella es inglesa y debe regresar con su familia y abandonar Los Angeles.
Ahí es cuando empiezan los problemas (visados) y el drama. Está contado de una manera muy íntima como dije antes y muy contenida. A base de miradas,llamadas de telefonos, y unas elipsis muy conseguidas nos va describiendo los estados de ánimo de los dos jovenes (muy maduros).
Para mí ha sido una sorpresa. Una peli que está mucho más cerca de "Once" (2006) o de "Love story" (1970) que de esas ñoñerias que se ven cada dos por tres sin ninguna gracia y que todos sabemos como van a terminar.
Esta sin embargo a lo mejor no aporta nada nuevo, no es una historia original (es lo que tiene el género romántico), pero los actores están tan bien que la historia cobra vida y sentido. Mostramos empatía por ellos, nos preocupamos, nos metemos en sus vidas porque esas cosas también nos han pasado a nosotros (para bien o para mal).
Además esta rodada con un gusto exquisito. A veces un pelín videoclipero a lo Isabel Coixet pero para nada ñoño. Nunca juega con la sensibleria de los personajes y eso es díficil de conseguir. Todos los personajes se comportan de manera muy natural...hasta los padres. A veces me recordaba a la gran "Matrimonio de conveniencia" (1990) de Peter Weir.
Ya era hora de encontrarnos una peli de este tipo tan bien contada.La recomiendo para los fans del género romántico y de las historias bien escritas. Solo pongo un ejemplo si os gustó "Solo un beso" de Ken Loach (2004) os gustará esta.
Lo más on: Las buenísimas interpretaciones de Felicity Jones como Anna y Anton Yelchin (visto en Stark Trek) como Jacob. Y la breve interpretación de Jennifer Lawrence.
Lo más off: El tema que a lo mejor no llama nada la atención y el nombre de la peli. Aunque el nombre tiene sentido cuando la vemos. ¡Os la recomiendo!

12 sept. 2012

"American Pie: El reencuentro", John Hurwitz y Hayden Schlossberg, 2012

Quizás no es una película que llame la atención para verla y ni tan siquiera para escribir una reseña.
Pero es interesante ver como pasa el tiempo también para estos personajes y actores que aparecieron por primera vez en 1999. En 1999 tuvo un notable éxito pero no sé si fue por la canción American pie de Don Mclean o por las mamarrachadas que hacian con la tarta.
Ya no está al mando Chris Weitz quien fue el creador de la primera American Pie. Pero siguen todos los protagonistas Jim Levenstein (Jason Biggs), Oz (Chris Klein), Kevin (Thomas Ian Nicholas)...y todavía queda la esencia y recuerdos de aquella.
La película es como aquel "Reencuentro" (1983) de Kasdan pero no tan serio ni tan dramático por supuesto. Pero en esta "American Pie: El reencuentro" toca casi todos los puntos que aparece en aquella peli. Nos cuenta los problemas sexuales de las parejas, sus vidas inconclusas, sus vidas grises y monotonas.
Si, es una película de situación de muchísimos gags que a veces funcionan y otras veces dan vergüenza ajena...pero a veces te llega a tocar y te llega. Por no mencionar dos o tres secuencias que te hacen sentir verdadero pánico y bochorno.
Puede que tampoco sea una época para estas comedias de situación. Pero imagino que aprovechando el tirón de los Resacones pues se han atrevido a realizar (imagino) la última incursión en las vidas de estos personajes.
Es una película demasiado loca y sus gags a veces se quedan colgando en el aire como si nada. Pero la mayoría de los gags que funcionan son aquellos que son comparados con el pasado. Por ejemplo en los gags que aparecen móviles o internet, ya que en 1999 todavía estaba muy límitado el uso de ambas cosas y da muchísimo juego.
Puede que "American Pie" (1999) fuera el "Porky's" (1982)de la decada de los 2000....pero es curioso que este tipo de películas han pasado a mejor vida. Ahora se ven otro tipo de comedias, más cercana a las series de tv, o del tipo de la factoria Apatow.
Jason Biggs y sus compañeros deberan buscar curro en otro sitio porque parece que la saga "American Pie" ha sido finiquitada. Aunque la idea en realidad se parezca a la de "Antes del amanecer" (1995) de Linklater...a lo mejor nos regalaran otro encuentro cuando pasen otros diez años.
Lo más On: Es ver de nuevo a esos actores y personajes pasados  más de diez años. Algunos gags son muy buenos...ah no olvidar a Eugeny Levy que siempre está genial.
Lo más Off: Pues que a veces no tiene demasiado éxito sus gags. Y una realización un poco sosa en determinados momentos. ¿Qué le ha pasado a Mena Suvari?...

6 sept. 2012

"Devil inside", William Brent Bell, 2012.

Otra peli parecida a "El exorcista",(1973). ¿Y van?,no sé cuantas van. Pero en los últimos años se han realizado varias pelis sobre el asunto de los exorcismos y sus demonios. Y ninguna aporta nada. Quizás la mejor es "La posesión de Emma Evans" (2010) saliéndose de todos los tópicos del género.
"Devil inside" de William Brent Bell cae en todos los tópicos del género. No sé si enumerarlos. Un ejemplo o varios: el demonio habla todos los idiomas y es mal hablado...¿ah? y se dobla la espalda hasta límites insospechados. Esto creo que sale en todas.
La trama no es demasiado díficil es como casi todas las pelis del género. La madre de Isabelle (Suzan Crowley) está internada en un psiquátrico. Para ser más exactos en un hospital del vaticano y allí lleva 20 años encerrada por haber matado a tres personas (dos sacerdotes y una monja) durante un exhorcismo en 1989 en los EEUU. Pasan los años, e Isabelle (Fernanda Andrade) que es la hija de Maria Rossi quiere saber que pasó con la madre. Y decididamente va a Roma a enterarse que le pasa a su madre endemoniada. Y aqui empieza todo. Ya podéis imaginar que pasará entre la madre y la hija.
La peli encima está narrada de forma subjetiva. Es como si fuera un documental, insertando entrevistas y comentarios de la chica y de sus compañeros. Nos recuerda a "Paranormal activity" (2007) otra vez o a "El último exorcismo" (2010). Lo que ocurre es que esta manera de rodar si no se hace bien es un poco esclava. ¿Qué se hace?, ¿se pasa de rodar de repente de forma subjetiva a objetiva? como en "Rec 3" (2012).
Tampoco es negativo todo. La peli tiene momentos tensos y bien logrados. Sobre todo el segundo exorcismo o el encuentro entre Isabella y su madre. Esos momentos están muy bien conseguidos por la tensión conseguida por la actriz (Suzan Crowley) que interpreta a  Maria Rossi. También hay algún detalle muy duro y chungo que es díficil ver en pantalla (no lo diré por los spoileres) hacía el final de la película.
Los personajes también pueden resultar tópicos o muy generales. Creo que no se salva ninguno. La lucha entre el bien y el mal. El sacerdote "bueno" y el "malo". Algo que a lo mejor está muy manido. Y eso que los actores no lo hacen nada mal.
Aunque voy a destacar el final. El final sorprende y me gusta que termine de esa manera las películas. Pero es un descalabro total aunque se salve ese final a lo gonzo.
Total que todavía estamos esperando la gran película sobre demonios y exorcismos.
Aunque sé que es díficil. Dentro de nada se estrena "The Possession (El origen del mal"...a ver que nos deparará.

2 sept. 2012

"Brave (Indomable)", Mark Andrews y Brenda Chapman, 2012.

Quizás estemos asistiendo a la disneización de Pixar. Poco a poco Pixar se empapa de las ideas de Disney. Una princesa, una bruja..son alicientes suficientes para recordar a todas las princesas pasadas y presentes de Disney.
Aunque "Brave" mantiene todavía el toque Pixar sobre todo por el humor. Un humor que nos recuerda la  pelicula de Mel Gibson "Braveheart" (1995) . Aunque no está tan presente como en "Up" (2009) o "Wall-E" (2008).
El toque Pixar debe estar presente casi por fuerza ya que está producida por John Lasseter (Toy story), Andrew Stanton (Wall-E) y Pete Docter (Up) los cabezas pensantes de Pixar. Aunque esta este dirigida por Mark Andrews y Brenda Chapman que es la que escribió también el argumento de la película.
"Brave" es una estupenda película de animación. Además de llegar a niveles increibles en el apartado técnico, como el pelo de Merida, la lluvia, los interiores del castillo. Al principio de la película no podía apartar la vista del pelo rojo de la pequeña Merida..es una adicción.
La historia divierte y engancha. Aunque sea una historia donde no aparece nada nuevo ni original. Todo lo que aparece ya lo hemos visto en las películas de Disney. Pero tiene algo que divierte, algo diferente que te engancha al igual que nos engancharon con "Wall-E" (2008) o más recientemente con la maravillosa "Toy story 3" (2010).
Existe un suspense que hacía tiempo no vivía en una película de animación . Con un ritmo endiablado a veces, con un sentido del humor bastante pixeriano a veces (sobre todo con los invitados)...y con un mensaje bastante atrayente para padres e hijos.
Tampoco faltan las influencias de oriente como esos fuegos fatuos o bosques que parecen salidos de las películas de Miyazaki. Falta solamente que apareciera el espiritu del bosque de "La princesa Mononoke" (1997).
Y otras me recuerda también a "Como entrenar a un dragón" (2010), por esos bosques y costas donde el prota entrenaba al dragón, en esta ocasión es un oso el que "entrena" Medina y termina luchando contra el superoso de la película.
Muchas cosas positivas tiene la película. Pero lo que a lo mejor puede "msoquear" un poco es esa conversión del cine de Pixar hacia Disney. Puede que en esta ocasión les haya salido bien, porque es la primera pelicula que hace Pixar de temática parecida a las de Disney. Y porque "Pixar" debe de encontrar en breve un personaje nuevo que no sea de una saga como "Toy story" o "Cars".
Pero como dije antes es una película donde aparecen princesas, brujas, reinas, hechizos....!y no aburre!. Deben de tener mérito.
Me encantan los tres gemelos convertidos en oseznos (spoiler) o ese encuentro con la bruja en el bosque. Momento Blancanieves total. Y por supuesto el final antes del final...esa enorme pelea entre osos incriblemente rodada.
También es verdad que ver el pelo de Merida se convierte en una adicción.
Como curiosidad todos los actores que han elegido son ingleses o escoceses. De esa manera el acento es menos forzado. Entre los actores estan Kelly McDonald (os acordáis de Trainspotting???), Emma Thompson (Elinor), Billy Connolly....
¡Ah! ¡quiero más Meridas o princesas de este tipo!.
PD: ¡Casi no me enteré de las dos cancioncitas que nos endosan!

27 ago. 2012

"Los descendientes", Alexander Payne, 2011.

El cine de Alexander Payne se puede describir con el primer plano con el que comienza la película. El primer plano de Elizabeth King (Patricia Hastie) rebosando alegría y felicidad y que poco después la vemos postrada en el hospital después de un terrible accidente. Las desgracias de los personajes, el destino y su humor negro son unas de las señas más destacables dentro del cine de Alexander. Su mirada es ambigüa, cruel. Pero a la vez nunca pierde el respeto a sus personajes ni a sus vidas.
Su cine es triste, melancolico, con personas frustradas o que constantemente estan buscando algo para mejorar o dar sentido a sus vidas. Solamente hay que recordar a Paul Giamatti en "Entre copas"(2004), o al Schmidt de "A proposito de Schmidt" (2002) interpretado por Jack Nicholson, personajes directos, tristes, pero a su vez con esperanzas y con un humor muy negro.
En esta ocasión Alexander ha elegido a George Clooney para interpretar a Matt King. Un personaje que solamente vivía por y para el trabajo, sin pensar en ningún momento en su familia. Y despierta de su mundo cuando le ocurre algo que le afecta de manera cruel. En seguida ese problema se convierte en una gran bola de nieve, ocurriendo una desgracia detrás de otra. En este momento Matt King nos recuerda al personaje que interpretó Mattew Broderick en "Election", (1999), que parece que no saldrán vivos de sus respectivas experiencias.
Todo ocurre en Hawai. Pero Payne nos retrata con una fabulosa fotografia la parte triste y depresiva de Hawai. Toda ciudad tiene su parte depresiva. Aparecen sus playas pero no de la manera que nos podemos imaginar normalmente. En esta ocasión la playa es oscura, triste, casi sin luz...pero a la vez atrayente y de una belleza no demasiado urbana.
Con la desgracia a punto de ocurrir. La familia King se une para buscar la "verdad" antes de que todo se vaya al traste. La peli se convierte en una road movie familiar del tipo "Pequeña Miss Sunshine" (2006).
Payne toca puntos claves. La muerte, la soledad, la eutanasia (recuerda a "Las invasiones bárbaras" (2003)),  los problemas familiares. No se queda en ningun problema, pero nos describe bastante bien lo que se puede llegar a sentir con la muerte de un ser querido y cercano. Al principio no te enteras de nada. Solo es furia y enfado.
Tuvo bastante éxito en festivales y obtuvo nominaciones en los pasados Óscars. Ganando el de mejor guión adaptado, adaptando la novela de Kaui Hart Hemmings. Otras nominaciones fueron fotografia, edición y la nominación al gran George Clooney por la creación de Matt King.
Alexander siempre dirige magistralmente a sus actores y se ve reflejado en todas sus películas. En esta ocasión sobresalen las niñas de Matt King: Shailene Woodley (Alexandra) la adolescente y la pequeña Amara Miller en el papel de Scottie King. Tampoco olvidar la genial interpretación de Robert Forster (Scott) o el olvidado Beau Bridges.
Lo mejor de la peli. Alexander Payne sabe moverse entre dos aguas (pocos lo hacen bien) va del humor al drama en cuestión de segundos; usando los  gestos y movimientos de los interpretes o el humor casi siempre negro y presente. Nunca es ñoño, pero tampoco tiene mal gusto y como dije antes siempre respetando a sus personajes. Tocándote la fibra sensible de manera natural, porque creo que su cine es natural como la vida misma.
Me gusta Payne y su humor negro. George está que se sale. Gran carrera la de él y al fondo la lluvia suave y la música hawaina.

25 ago. 2012

"El legado de Bourne", Tony Gilroy, 2012.

Bourne o Matt Damon dejan paso a otro proyecto cientifico. En este caso es Aaron Cross (Jeremy Renner) otro proyecto experimental del estado americano, la creación de superagentes sin moral que patrullan por todos los focos peligrosos del mundo como Corea del Norte, Pakistan.
Entrenados y drogados como ratas de laboratorio estos superagentes deben de permanecer de por vida sin moral, como si fueran T-1000 salidos de "Terminator" (1984).  Con moral se vuelven débiles y dejan de servir. Así que hay que eliminarlos. Lo malo es que la CIA se cruza con agentes como Bourne o Cross y la cosa se complica bastante.
"El legado de Bourne" sigue la estela de las anteriores, casi la misma linea argumental y de hecho al inicio ocurre en el mismo tiempo que "El ultimatum de Bourne" (2007).
Las otras pelis de la saga fueron aumentando en tensión, suspense y acción a medida que se va acercando el final de Bourne. Doug Liman (Caza a la espía) pasó el testigo a Paul Greengrass (United 93) y este a su vez se lo ha pasado al guionista de toda la saga Tony Gilroy (Michael Clayton).
Tony Gilroy nos deja una primera hora y media excepcional, describiéndonos al nuevo héroe o superhéroe Aaron Cross y contándonos que es lo que han hecho con él y con sus compañeros de hornada.Buenos momentos de suspense, mezclando tramas e historias pararelas con la de Bourne. Por momentos podiamos estar viendo a James Bond o un Ethan Hunt.
Pero en cuanto desaparece totalmente del mapa Bourne o Aaron se enamora de Marta Shearing (Rachel Weisz) y se van a Manila la película entra en un estado de shock, un cortocircuito general que solamente nos deja una maravilla de persecución por las calles de Manila. Terminando de una manera plácida e incoherente. No concuerda con todo lo que han sufrido los personajes durante la peli. Final abierto o cerrado. Prefiero lo segundo.
Lo que más me gusta de la peli son las pastillas azules y verdes tipo Matrix, la tensión que se crea en la cabaña con Oscar Isaac (invitado), y sus juegos con la política actual. Lo negativo es que a veces se olvidan de personajes centrales como Eric Byer (Edward Norton) y que metan con calzador el típico romance cinematográfico. ¿Porque sale Albert Finney en los títulos de crédito?. No olvidar a Stacy Keach (genial), Scott Glenn o David Strathairn típicos actores en películas del género político-acción.
Como curiosidad. Al igual que James Bond fue creado por Ian Fleming. Bourne fue creado por Robert Ludlum. Y que ya en 1988 se realizó una serie para la TV del caso Bourne interpretada por Richard Chamberlain.
Lo que esta claro es que Bond, Ethan Hunt y Bourne siguen en el podium de los agentes superespeciales.