"La noche de las bestias", James DeMonaco, 2013/"The Purge".

Lo de hacer una purga cada año para que la comunidad se desestrese y pueda asesinar y hacer lo que quieran durante una noche me parece una de las ideas más descabelladas y originales de este año.
Ya por eso el señor James DeMonaco se merece todos mis respetos. Anteriormente había dirigido el thriller casi anodino "Staten Island" (2009).

James DeMonaco entra dentro del grupo que se está formando a realizar cine de género (americano) de una calidad bastante buena pero que casi no se estrenan o se estrenan mal y muy tarde. Es el caso de "Tú eres el siguiente", Adam Wingard (2011), película bastante interesante que ha tardado dos años en estrenarse en España. Otras pasan directamente al DVD. Como paso por ejemplo con "Stake land" (2010) de Jim Mickle o la más reciente "The battery", (2012) de Jeremy Gardner.

Película que nos habla del actual estado de la sociedad aunque ocurra en el avanzado año de 2022. Parece que viven es una distopía. Un mundo donde solo se salva la superficialidad y el dinero. Lo demás es casi secundario.

James Sandin (Ethan Hawke, metido de lleno en el género) ya estaba pensando en comprar un barco cuando la situación de la fiesta nocturna se complica. Después de algunos Macguffin bastante descarados y buenos la historia avanza hacía el thriller psicológico y angustioso.

Los miembros de la familia Sandin empiezan a sufrir los efectos de la purga. Situación que me recordo un poco a la genial "Secuestrados" (2010) de  Miguel Ángel Vivas.

La idea podría a ver sido mejor y más angustiosa si la violencia hubiera sido menos física y si más psiquica como la del inicio de la peli.

Espero que la idea de la purga no se le ocurra a ninguno de nuestros dirigentes. Aunque presumiblemente ellos serían los primeros en tener miedo. Aunque en la película parece que si pones unas flores en tu jardín los cazadores te respetan y dejan de intentar cazarte. Es un estado fascista e hipocrita. Hipocritas y envidiosos como los vecinos de la familia Sandin.

Idea original pero que al final se convierte en una película más del género aunque con apuntes bastante interesantes. Personajes que empiezan muy bien descritos y que terminan estereotipados (algo normal dentro del género) por culpa de la larga noche.

Dentro del elenco podriámos destacar además de al nombrado Ethan Hawke a la señora Sandin interpretada por Lena Heady, una actriz con muchísimos registros. Y a la guapa hija Sandin interpretada por Adelaide Kane (Zoey). Aunque la sorpresa nos la da el australiano Rhys Wakefield que interpreta al sádico de la peli.

Una historia original y que nos hace pensar pero que al final el género puede con la historia.

"The Battery", Jeremy Gardner, 2012.

Dirigida, escrita y protagonizada por Jeremy Gardner es su primera película.
No es una película más de zombies. Jeremy Gardner aprovecha la "moda" (que ya dura bastante) de "The walking dead" (2010) para colocarnos a dos personajes en un post-mundo lleno de zombies. Para ser más exactos New England.

Ben (Jeremy Gardner) y Mickey (Adam Cronheim) viven solos y rodeados de naturaleza y de vez en cuando aparece algún zombie que Ben se encarga de eliminar. Son dos personas (en apariencia) diferentes, dos ex jugadores de beisbol de la liga profesional. Uno mejor que el otro jugando al beisbol y en diferentes demarcaciones. Uno más sensible (en apariencia) que el otro.

Se pasan las horas y los días jugando al beisbol, buscando sitios seguros y escuchando música. Hace tiempo que no duermen en una cama o se limpian los dientes. Cosas que damos por hecho que siempre tendremos; cosas que sino las tuvieramos las echariamos de menos. Como por ejemplo el perfume o la ropa interior de tu pareja. Ese es Mickey, el soñador y enamoradizo. Ben es el realista en apariencia.

"The Battery" no es una película con demasiada acción y zombies. Es una película descriptiva. Dos mundos que chocan. En este caso dos personajes uno realista y el otro soñador y enamoradizo. Uno rudo (en apariencia) y el otro más sensible (en apariencia).

La primera parte de la película es la descripción de como sobreviven estos personajes. Como uno disfruta con la naturaleza y el otro escucha música con sus cascos. Como pasan las horas.

Hasta que escuchan por una radio de que hay más personas viviendo cerca de ellos. A partir de ahí  la historia cambia y se transforma en un relato a lo "The walking dead"(2010) . El humano es el principal enemigo en un post-mundo eso lo tenemos que tener claro. Mejor dormir en un tejado que encontrarte con una mantis religiosa (humana).

A partir del baile alcoholizado de Ben. La historia se complica ya que Mickey desea vivir más comodamente y dejar de ser nómadas. Y por ello la historia da un giro de 180º. En cuanto aparecen humanos (o militares que es peor) la cosa ya pintan bastos.

"The battery" es una oda a la amistad y a la naturaleza. Y a las cosas sencillas que de repente podemos perder. Esas pilas que son tan importantes para escuchar música.

Tiene algunas secuencias muy potentes. Bien realizada y valiente, creo que puede ser una de las mejores películas del genero zombie del último lustro. Y que merece mucho la pena y disfrutar de la naturaleza que rodea a estos dos personajes.

"Gravity", Alfonso Cuarón, 2013.

Tras ver "Gravity" Cuarón parece que se ha convertido en uno de los directores más importantes del panorama actual. Desde "Hijo de los hombres" (2006) Cuarón no había dirigido ningún largo.También dirigió una de las mejores pelis de la saga Potteriana "Harry Potter y el prisionero de Azkaban",(2004).
Y ahora se atreve a dirigir y escribir (con la ayuda de su hermano Jonás) una historia harto díficil de realizar. Una historia que ocurre en el espacio.

Desde el inicio de la peli nos deja bien claro que Ryan (genial Sandra Bullock) no desea estar en el espacio todo lo contrario que sus compañeros Matt (George Clooney) o Shariff (Phaldut Sharma) que disfrutan estando en el espacio exterior. Siempre agarrotada y nerviosa. Como para no estarlo.

La primera hora de la película (1:90) es sencillamente genial. No te da tregua en ningún momento. Vas sufriendo junto con Ryan todas las desgracias o aventuras que le van ocurriendo. Sufres con lo que le ocurre a los personajes. Sientes empatía porque gracias a los diálogos que mantienen vas conociéndolos. Sin esos diálogos la película debería haber sido silente o con unos diálogos más técnicos y aburridos.

La historia además de las aventuras o desgracias que le ocurren a Ryan. Va de reconocerse uno mismo y de la superación (un tema recurrente en el cine). De hecho Ryan podría haber muerto quince veces. Pero cae y se levanta  como en un videojuego.

Como en otras historias donde los personajes son perseguidos por un tiburón o por los malos de la película. En esta son perseguidos por los restos de un satélite accidentado. Cada hora y media estos restos te pueden destrozar. Una vez más un detalle de un videojuego. Estamos delante de un videojuego dramático. Un videojuego de Play station.

Otro detalle genial de la película es el uso del sonido, por ejemplo cuando se abren escotillas o el mismo silencio del espacio. Choca con la genial BSO del joven Steven Price. Melódica y épica al mismo tiempo.

Por último destaco la excelente fotografía de Emmanuel Lubezki (El árbol de la vida) que hace que nos recuerde "2001:Una odisea en el espacio" (1968) o incluso "Alien, el octavo pasajero"(1979). Esos cascos refulgentes y sucios. La luz que choca contra ellos. O incluso la visión objetiva que tiene Ryan. Lo que ve Ryan es lo que nos muestra. Una panorámica del espacio.

En fin, puede que estemos ante una de las películas del año. Tanto por temática como por realización. Aunque a mí me hubiera gustado otro final.
Añadir que Ryan está genial. Ryan podría haber conocido a Ripley y ayudarla contra esos aliens.
Y Matt escuchando música country en el espacio. Yo me hubiera dejado ir.

"Bienvenidos al fin del mundo", Edgar Wright, 2013/"The World's End".

No voy a ser original en el comienzo de la entrada. La trilogía del cornetto se ha acabado con otro sabor. Y echaremos de menos el conjunto formado por Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost.
Empezada con "Shaun of the dead" (2004) una genial parodia del género de los zombies, seguida de la hilarante "Hot fuzz" (2007) siendo mi preferida y terminándola con la muy divertida "Bienvenidos al fin del mundo".

Llegan los cinco mosqueteros (no tres) para recordar la ruta de los pubs de la ciudad donde vivian. Pero Gary King (Simon Pegg) y Andy (Nick Frost) no están solos. Está
n acompañados por Oliver (Martin Freeman), Steven (Paddy Considine) y Peter (Eddie Marsan). Geniales actores los cinco. No olvido a Sam (Rosamund Pike) otra mosquetera.

Estos cinco mosqueteros vivirán y rememorarán aventuras del pasado y las seguiran en el presente.
Divertida y con muchísimo ritmo desde el inicio. Quitando algún momento donde te dan un poco de respiro. Entre los chistes, la acción y los cameos, la historia va deslizándose sola sin querer que termine.

El nuevo sabor de la ciencia ficción no desentona con los demás. Aunque quizás es la menos original de las tres, pero si está rodada de una manera magistral como ya hizo con "Scott Pilgrim contra el mundo" (2010) y poniéndole un sentido del humor a veces demencial.

Los pubs nos recordará a la historia de "Shaun of the dead" (2004). La película huele a cerveza y a amistad. Al fin y al cabo es otra oda a la amistad desde el inicio al final de la historia.

Ojalá hubieran más sabores y más Cornettos. La película tiene un gran final, bastante digno de la trilogía y aunque no lo parezca la película es una crítica al estado actual de la sociedad. En que película se puede obviar el estado actual de la sociedad. No contaré ningún chiste ni haré spoiler pero a veces me recuerda a la gran "Guía del autoestopista galáctico" (2005) y a la serie "Spaced" (1999-2001) que para eso el guionista era el mismo. Y de las tres, es la que tiene más acción.

Como se nota que Simon Pegg le gusta escribir con Edgar. Le cede casi todo el protagonismo a él. Pero atención a Nick Frost y los demás. Están geniales. Y no olvidar los cameos o pequeñas aportaciones. Sólo queda disfrutarla. Y disfrutar de la música noventera. ¡Oh! que nostalgia.

"Sólo Dios perdona", Nicolas Winding Refn, 2013/"Only god forgives".

En "Drive" (2011) entrabas por su música, atmósfera, estilo y también por la historia de amor que surgía entre el conductor (Ryan Gosling) e Irene (Carey Mulligan).
En cambio en "Sólo Dios perdona" tardas en entrar y en esconderte en esa atmósfera que prepara el genial Nicolas. Que nos lleva a tierras aún más lejanas para proponernos un juego de venganzas y deseo.
La película es como una tela de araña de colores. Esos colores que nos atraen. El rojo, el azul: colores que se podían ver también en Drive. Colores ampliados por la música del siempre genial Cliff Martinez y la fotografía de Larry Smith.
Nada más empezar ya sientes que el ambiente de la película sera opresivo. Habitaciones, pasillos, calles, habitaciones...todo siempre escondido por algún color.
Historia de venganzas que pasan de un personaje a otro. Asesinatos y recuerdos. Julian (Ryan Gosling) parece que viene del relato de "Drive" (2011) buscando más venganza. Un personaje callado y frío. Solo un grito en toda la historia. Ese grito será recordado por sus cuerdas vócales.
Bangkok es una ciudad de western y redenciones. Pero también de combates. Combates desiguales que nos recordaran a otras películas de Winding y a "In the mood for love" (2000) de Wong Kar Wai. Julian el sufrido. Julian el que mete una mano entre los muslos de Mai (Yayaying Rhatta Phongam) su puta y amante, Julian el que se deja seducir por su madre Crystal (Kristin Scott Thomas, genial) una autentica mamma salida de "Hijos de la anarquia".
Julian sufre por todo lo que le rodea.Cualquier detalle puede dejarlo aturdido. Y más un buen puño de Chang.

Ver cantar a Chang (Vithaya Pansringarm) en el karaoke o ver como entrena con su katana nos recuerda a "Ghost Dog" (1999) de Jarmusch o a cualquier película de Lynch o Cronenberg sobre todo por el ambiente.
Lo único que puede perjudicar a "Sólo Dios perdona" es que su precedente fue "Drive" (2011). Puede verse como una continuación de aquella historia. Pensando como el conductor cruzó medio mundo para recalar en Bangkok y abrir un negocio (ya sea legal o no) y terminar como Jean-Claude Van Damme en las calles de Bangkok.
Una película que también nos recuerda al cine oriental. Sobre todo por la venganza y la violencia explicita que aparece. Una venganza que a veces puede que sea necesaria en el mundo en que vivimos. Un samurai solitario. En este caso,  el samurai, no era Julian era Chang.
Julian equivocó el juego.

"Borgman", Alex van Warmerdam, 2013.

Puede que si conociera un poco más la obra de Alex van Warmerdam sacaría muchas conclusiones sobre "Borgman".
Pero "Borgman" es una película para pensar y pensar durante la película. No es fácil verla. Te plantea preguntas (sin respuesta) durante la sesión. Una detrás de otra.
La reciente ganadora del Festival de Sitges del 2013 puede planteárnos varias preguntas. ¿Es una película fantástica?, ¿Debería concursar en Sitges?. Pues puede que si y esa son las preguntas que nos plantea Alex y las deja en el aire.
Seguramente Alex sigue la estela de autores europeos como Trier, Haneke o Lanthimos. Un cine que puede llegar a ser hiriente y en ocasiones masoquista. Alex con "Borgman" consigue lo mismo pero sin usar el masoquismo extremo. Una especie de "Funny games" (1997) en plan seducción.
Tras la seducción todas las mujeres caen rendidas ante Borgman y su "familia" asexual. Las seduce y parece que algo les hace para que sigan con él y encima confien también en su familia.
Lo que si esta claro es la crítica hacia la sociedad actual. Lo bien que vivimos en nuestros hogares del norte de Europa y lo mal que lo pasan los emigrantes o personas sin recursos de toda Europa. Pues Borgman y su familia se dedican a robar (no dire el que) y a dejar marca en esta sociedad.
La historia engancha y no deja indiferente. Usando lo casi-onirico y lo surrealista. La historia va avanzando hacía derrroteros algo extraños. Incluyendo obras de teatro (podría ser otra pregunta).

Alex basa la película en las excelentes interpretaciones de sus actores. Sobre todo las de  Hadewych Minis (Marina) y el extraño Jan Bijvoet (Camiel). A Camiel le siguen toda una "panda" de extraños personajes. Y esa es otra pregunta ¿de donde salen?, ¿Qué hacen?.
La historia está repleta de preguntas sin (casi) respuestas.
Pueden ser ángeles, demonios, vampiros, hombres-perro...cualquier cosa valdría en esta historia.
Y si nos vamos al inicio de la peli. Algo podriámos imaginarnos. Si la película tuviera alguna pregunta contestada seguramente estariámos antes una magnifica película. Aunque a veces debemos poner algo de nuestra parte o dejar nuestra imaginación actuar. De eso se trata a veces.

Palmarés Sitges 2013.

Palmarés del Festival de Sitges 2013. 

 

1) "Borgman", Alex van Warmerdam. Mejor Película.

2) "Only Lovers Left alive", Jim Jarmusch. Premio Especial del jurado.

3)"Big bad Wolves", Navot Papushado y Aharon Keshales. Mejor dirección.

4) Andy Lau mejor actor en "Blind Detective".

5)Juno Temple mejor actriz en "Magic Magic".

6) Mejor dirección Novel "Upstream color" de Shane Carruth.

7) Premio del Público para "Jodorowsky's Dune" de Frank Pavich.

8) Mejor guión para "Coherence", de James Ward Byrkit.

9) Mejor fotografía para Larry Smith por "Only god forgives".

 

Segunda parte: Sitges 2013.

Llegó el momento de dejar Sitges. De hecho ya estoy en Madrid. Una semana bastante ajetreada y divertida. Aunque el robo de mi IPAD ha empañado la semana y las visitas por la noche de mosquitos gigantes zumbando mis oidos (era algo parecido al terror) y dando palmadas al aire para poder exterminarlos. No sé de donde salían aquellos mosquitos.

Dejo a los mosquitos y empiezo con  las películas. Haré un pequeño resumen de las que he podido ver. Hasta hoy se proyectaban películas de la sección oficial. El finde es hora de maratones.

De todas las películas que he podido ver me ha llamado la atención "Sólo Dios perdona", Nicolas Winding Refn (2013), no se si por las malas críticas que recibía, la esperaba con no demasiadas ganas. Pero poco a poco el ambiente y el estilo de la película te va atrapando poco a poco. Ryan Gosling sigue con aquel papel de Drive un tanto frío que parece como si fuera una continuación de aquella. Pero la historia parecida a las historias de venganzas y redenciones coreanas y cercana al "Ghost Dog" (1999)
de Jarmusch no deja indiferente para bien o para mal.

"Cheap Thrills", E.L Katz (2013). Primera película del director. Una peli que podriámos catalogarla de post-crisis. Historias que aparecen debido a la recesión. Amigos que se encuentran y se ven inmersos en un capítulo de Alfred Hitchcock presenta. Geniales actores con muchas sorpresas. Puede que sea el premio del público.

"Borgman", Alex Van Warmerdam (2013). Puede que sea una de las películas más curiosas del festival, pero también una de las más crípticas y ambigüas. Me quedo con la genial Hadewych Minis (aunque todos están genial). Uno de los mejores guiones del Festival.

"Big bad Wolves", Aaron Keshales y Navot Papushado (2013). Uno de los thrillers más esperados del festi. Divertida y con mala leche, pero a veces hace falta ir más allá para redondear una película.
Buen thriller pero poco original en ocasiones. Buenos diálogos sobre todo los de Guy Adler.

"Machete Kills", Robert Rodriguez, (2013). A estas alturas no sé que se le puede pedir a Robert. Diversión y mucha caradura. Con un Machete (Danny Trejo) en estado de gracia pero que folla menos. Acompañado por el genial Mel Gibson y el cada vez más carismático Damian Bichir. Y muchos más apariciones estelares como las de Charlie Sheen y todas las mujeres que acompañan a Machete. Lady Gaga sobra.

"The philosophers", John Huddles (2013). Drama teenager new wave con estudiantes teenager super inteligentes. Una película que funciona como si fuera una clase de filosofía con un final no esperado (SPOILER). Con buenos actores jovenes y muy naturales. Curiosa.

"Open Grave", Gonzalo López-Gallego, (2013). Película sobre virús. Personas que se encuentran de repente en un bosque y que parecen no conocerse. Divertida y con momentos bastante conseguidos por la realización, pero puede que peque en ocasiones de tics recurrentes del subgénero virús.

"The demon´s Rook", James Sizemore, (2013). Para fanes del maquillaje. Cuando una película se basa en el maquillaje mal vamos. De lo más flojito que he visto en el festival.

"Gallows Hill", Víctor García, (2013). Otra película que peca de tics. En esta ocasión del de espiritus. Pero tiene cosas interesantes y curiosas. Aunque pueda que tenga una realización algo plana. Se deja ver y eso tampoco es demasiado bueno.

Sitges sigue en movimiento hasta el domingo. Ahora a esperar quién recibe los premios. Seguro que hay sorpresas y que ganará una que no haya visto.

Fin de semana en Sitges.

Ya casi hemos llegado al meridiano de sangre del festival. Sorpresas, decepciones y casi todo tipo de géneros y subgeneros. A los Gilliam, Grand Piano y alguna más se los llevó la marea y me quedé sin ellos y sus historias.
Pero haré una pequeña división de las películas visionadas:

La zona noble:

En esta zona incluyo cuatro películas que son cuatro verdaderas joyitas.
Empiezo por "The battery", Jeremy Gardner, (2012). Original nombre para esta película con pequeñas influencias de la serie "The walking dead". Una película de zombies pero que casi nunca aparecen. Eso si; siempre estarán presentes en la historia. Jeremy Gardner está grandioso como foulker cazador de zombies.

"We are what we are", Jim Mckie, (2013). Poderoso remake de "Somos lo que somos". Ambiente opresivo por todas partes, unos bombs que se meteran en la cabeza y querrán salir en cualquier momento. Mckie se sale y parece que ya está más maduro con una historia que no es fácil de contar.

"Magic Magic", Eugenio Silva, (2013). Esta película es de Juno Temple. Está increible en esta pesadilla psicológica que me recordaba a veces al genial Polanski. Con personajes que van cambiando durante la película. Para mí la película más impactante del Festival.

"Contracted", Eric England, (2013). Una verdadera sorpresita esta película sobre cambios radicales del cuerpo humano. Una radiografía de la sociedad. Con verdaderas sorpresas durante el camino.





Las esperadas:

"The world's end", Edgar Wright, (2013). Diversión a raudales a cargo de Wright, Frost y Pegg. LOs cinco mosqueteros no defraudaran. Solo hay un momento de bajón. Glorioso final.

"The green inferno", Eli Roth, (2013). Una parodia crítica sobre las ONGS.Además de ser un claro homenaje a "Holocausto canibal" pero muchísimo más divertida que aquella. Super gamberra y loca. una de las locuras del festival.


Las sorpresas:


"100 Bloody acres", Hermanos Cairne (2012). Humor australiano a raudales. Diversión y locura en una sorpresa sobre todo proporcionada por los actores. Humor surrealista cercano al True Blood de la HBO. Tiene momentos gloriosos.

"Blind detective", Johnnie To (2013). Menos sorpresa que la anterior. Por ahora la mejor historia romántica del festival. Grandes actores y cómicos en una película que lo da todo. Muchos géneros en una misma película. Excepcional final.

"Why don't play in Hell", Shion Sono (2013). Locurón y salvajada en una peli que es un claro homenaj al cine. Metacine por todos lados. Humor, acción,incluso un poco de drama. Sono es uno de los directores japoneses más importantes del momento.

Sitges 2013.

Este año será mi primera experiencia Sitgeriana. Me convertiré en Alex durante unos días y seguramente terminaré por buscar un poco de leche-plus para hidratar un poco mis ojos y mi mente.
El Viernes dará lluvia. O sea me tendré que llevar un chubasquero. A mí no me gustan demasiado los chubasqueros ni los paraguas, provengo de un lugar donde hace mucho viento. Y no es Madrid.
Pero la lluvia y los chubasqueros poco importan en Sitges por estas épocas. Lo que importa son las películas y no coger demasiada "cola". Esperemos que no haya demasiado retraso.
Hay un sinfin de películas y pocos pases pero si queremos terminar como Alex. Debemos aprovechar.
Vayamos al lio. Solamente decir que en Sitges se estrenará la última película de Miyazaki "The wind rises" y se estrenará cuando yo no esté, son gajes del oficio.
El Festival se divide en la sección oficial a concurso (con bastantes pelis por cierto) y muchas más secciones como Focus Asia, las Galas, Seven chances y todo tipo de maratones (zombies, asesinos y cosas bastante raritas).
Para empezar el Festival se estrenará la esperada "Grand Piano" de Eugenio Mira. En ella aparece actores como Elijah Wood y John Cusack. Un thriller en potencia.
De la sección oficial destacar que estaran directores de la talla de Jim Jarmusch (Only lovers left alive), Jarmusch se atreverá con el vampirismo. Nicolas Winding Refn (Only gods forgives);Eli Roth (The green inferno); Johnnie To (Blind detective); Shane Carruth (Upstream color) y hasta estará Brillante Mendoza. Toda una sorpresa.
Tampoco habrá que perder de vista a la película de  Alex van Warmerdan (Borgman) o la de Cliff Prowse y Derek Lee (Afflicted). Y muchas que me dejo en el tintero.
Con todo este material puedo terminar como Alex.
Es que me pongo nervioso y tendré que sacrificar películas. No tengo tiempo. Debería inventarme un espacio tiempo como el de "Fringe" o "Regreso al futuro".
En otras secciones como las galas se podrán ver películas que podremos ver pronto en salas. Pero merecen la pena. James Wang (Insidious-Chapter 2), Edgar Wright (The world's end), Terry Gilliam (The zero Theorem) o Robert Rodriguez (Machete returns).
Por último destacar también la sección Focus Asia donde se estrenarán películas de todo el continente asiático. Esperada, esperada es la de Park Hoon-Jung (New world) y otros directores que se podrán ver son Miike (con retrospectiva en el festi) y Min Kyo-Dong (Horror stories II).
Hay otras secciones como Brigadoon, Mondo macabro y ficción y no ficción fuera de concurso. Muchas películas. Espero tener suerte y ver algunas de las mejores.
También se podrá ver a Peter Greenaway, Nick Cassavettes, Jafar Panahi, Joss Whedon....
Esto es una locura. Intentaré manteneros informados por día y os contaré mis aventuras.

"JCVD", Mabrouk El Mechri, 2008.

Empieza la película con un generoso plano secuencia. Ese plano secuencia podría resumir lo que es su filmografía y también su vida.
"JCVD" son las iniciales de su nombre. Jean-Claude Van Varenberg hace de Jean-Claude Van Damme. La película se usa para contarnos la historia de JCVD. Lo que nos interesa es lo que nos cuenta él de su propia vida. Sus errores y sus deseos.
Mabrouk El Mechri nos describe un robo que unos delincuentes de tres al cuarto realizan a una sucursal de correos, viéndose involucrado Jean-Claude.Este robo está contado desde dos puntos de vista, la de él y varios personajes. Aunque luego ese robo se utiliza para contarnos la historia de Jean-Claude.
Durante la película numerosos recuerdos nos invaden. Desde los reproductores VHS, video-clubs (la trama empieza en un video-club) o esas películas donde aparecía un jovencísimo Jean-Claude Van Damme como "Contacto sangriento" (1988) o "Kickboxer" (1989).
La película tiene dos lecturas o más. La primera es un pequeño homenaje a todas esas películas ochenteras y noventeras donde aparecían Chuck Norris, Steven Seagal, Bruce Willis, John Woo y un largo etc. Podría hablarse también de un auto-homenaje o autobombo del propio JCVD. Pero la verdad es que la interpretación llega a ser increible. Llegas a creertelo. De eso se trata el cine.
La segunda lectura. Una crítica bestial a los productores de este tipo de cine. Y de como usaban a estos actores y películas para enriquecerse vilmente, como los "malos" de estas películas. Recordar el detalle del inicio de la peli de como lo tratan durante el rodaje o el genial monólogo.
Puede que Stallone este realizando "Los mercenarios" (2010) para elevar o recordar este tipo de cine. Y de paso autoparodiarse y hacerse también publicidad.
Lo que esta claro es que cuando la película termina Jean-Claude te cae mucho mejor. Como dice el mismo en la película es fácil juzgar lo que le pasa a la gente y más fácil aún juzgar a gente como él.
Ya cuando apareció Jean-Claude en "Los mercenarios 2" (2012) fue un gran subidón. Pero en esta el subidón es extra. Grande JCVD.

"Minority Report", Steven Spielberg, 2002.

Hollywood sigue todavía con la obsesión de seguir adaptando relatos y novelas de Philip K.Dick siendo la última la más que aceptable "Destino oculto" (2011) de George Nolfi. Aunque otras no corrieron tanta suerte como "Next" (2007) en la que aparecía el gran Nicolas Cage.
Spielberg empezó el nuevo siglo con algo de miedo de perder popularidad y no seguir en la cresta de la ola. Encadenando un proyecto tras otro a principios de siglo. A la díficil y controvertida "A.I. Inteligencia artificial" (2000) con influencias de Dick y la historia de Pinocho escrita por Carlo Colldi. Le siguieron dos películas más "Minority Report"(2002) y "Atrápame si puedes" (2002), las dos dirigidas en el mismo año.
"Minority Report" es otra distopia o historia terrorífica que inventa el ser humano y que sucede en el año 2056. Porque atrapar criminales antes de que hayan cometido un asesinato no es demasiado normal ni democrático.
Para ello contrató a Tom Cruise (John Anderton) que participaría más adelante en otro proyecto con Steven, "La guerra de los mundos" (2005). Con esos dos nombres la película arrasaría en taquilla.
Una historia de policias y crimenes en el futuro. Aderezada con un poco de acción a lo Indiana Jones, sentido del humor y suspense. Se nota la mano de Spielberg en secuencias como la de los ojos que se le caen entrando en el oráculo, o la persecución de las arañas mecánicas (que parecen ratones del ordenador) de todos los humanos que viven en un edificio. Spielberg tiene mucho sentido del humor.
Durante toda la película van apareciendo personajes extraños y situaciones que parecen aún más extrañas. Es el año 2056 y todavía los muebles son normales o contemporáneos. Situaciones atemporales.
Personajes que le meten mano a John Anderton. Plantas que se mueven y que cobran vida. Saltos acrobáticos al más estilo Tarzán o a la más reciente "Indiana Jones y el reino de la Calavera de cristal" (2008).
En esta ocasión no buscan un arca perdida o un cáliz. Se busca un oráculo. Un oráculo que es humano y se llama Samantha y tiene dos hermanos gemelos. Samantha que a veces recuerda a Leelo de "El quinto elemento" (1997).
Obviando la acción que es de ciencia ficción e imposible. La película tiene bastante ritmo y es divertida. Gracias a la edición del ya habitual en las películas de Spielberg;Michael Kahn y a la genial fotografía de Janusz Kaminski que realizó la fotografía de "La lista de Schindler" (1993).
Estamos antes una película que es bastante Spielberiana aunque no trate demasiado bien al genial Dick.
Una película que no debe faltar a todos
los fanes de este genial director que parece que ultimamente es más detestado de lo habitual.

"Trance", Danny Boyle, 2013.

Desde su primer largo "Tumba abierta" (1995) Danny ha tenido siempre un cierto gusto por el thriller o suspense. "Tumba abierta" a igual que "Trance" (2013) se basa en la psicología de los personajes y sus obsesiones.
Casi siempre todos los protagonistas de sus historias son personajes que persiguen o son perseguidos por una obsesión. A Danny Boyle no le gusta moverse siempre por territorios conocidos, siempre elije un tema o género diferente. Solamente hay que recordar su anterior película "127 horas" (2010), donde la psicología también juega un papel importante.
"Trance" es un thriller puro y duro, donde nada es lo que parece. Casi siempre nos engañará y nos introducirá en su tela de araña algunas veces díficil de seguir, con historias inventadas (o no) por el trance de su principal protagonista Simon (James McAvoy).
Pertenece al género de robos imposibles, ese género que necesita un excelente guión para que funcione perfectamente. Pero en este caso Danny Boyle usa la edición como su principal arma, una edición extraña y virguera pero que mezcla las diferentes historias de una manera sutil.
El resumen de la película sería fácil y sería el de Simon dice. Simon siempre se encontrará ente la espada y la pared. O entre la guapa y sugerente Elizabeth (Rosario Dawson) y el enigmático Franck (Vincent Cassel). Un trio enganchado al trance y al arte. O en especial a un cuadro.
"Trance" también es una historia sobre ideas y obsesiones. Posesión y pensamientos reprimidos.

"Las brujas en el aire" cuadro de Goya es casi el principal protagonista de la película. Cuadro terminado en 1798. El nombre del cuadro intuye lo que será la historia. Todo está en el aire o en la hipnosis. Goya terminó con la belleza pura y empezó el realismo. James enamorado de la belleza impúdica.
"Trance" parece que sigue la moda o la fascinación de la mente humana en el cine. Por recordar dos de las más populares del último lustro como "Origen" (2010) o "Shutter island" (2010), pero "Trance" se imbuye en el trance de sus personajes. Al fin y al cabo es un canto a la libertad de pensar y hacer lo que le da la gana a cada persona, una especie de carpe diem.

"Stoker", Park Chan-Wook, 2013.

Puede que Bram Stoker fuera un ancestro de estos Stoker. Una familia algo tocada y muy cercana a Dexter Morgan, un ejemplo de familia disfuncional. Park Chan-Wook sigue estando con nosotros aunque haya dirigido lejos de Corea del Sur. Su cine y su manera de contar sigue estando presente en esta película aunque Jeong Seo-Gyeong que es su guionista preferido no estuviera presente. Y se echa de menos.
Aunque Park no haya sacrificado su manera de relatar o contar historias, con planos y continuidades de su estilo. La historia a veces es excesivamente fría y videoclipera al estilo Sofia Coppola. Es una mezcla de un relato del pleno romanticismo con las ideas locas de por ejemplo un Alfred Hitchcock o Brian de Palma.
Aunque el guión no sea un derroche de originalidad, si son originales los detalles que la rodean y envuelven. Todos esos detalles nos sirven como las miguitas que aparece en los cuentos para seguir un sendero.
Los Stoker no son una familia normal. Y eso lo sabía muy bien Richard (Dermot Mulroney) llevándose a su querídisima y dulce hija de caza. Para que India (una genial Mia Wasikowska) se alejara más tiempo del tiempo real. Pero India siempre tendrá ganas de cazar como si fuera un vampiro de Bram Stoker.
Esas ganas de cazar aumentan cuando en la historia aparece su tío Charles Stoker (Matthew Goode) otro miembro de la familia Stoker, aún menos cuerdo que los demás. Aumentan sus ganas de cazar y de tener orgasmos.
Las arañas aparecen por todas partes. Y estas se les suben por las piernas a Mia y luego a Charles por la cara. Las arañas pertenecen a la familia Stoker.
Park en esta ocasión no juega con la violencia ni con la venganza. Juega con otro sentimiento que también está muy cercano. Los celos. Y estos celos psicóticos harán que aparezca un afán de posesión muy fuerte. Tan fuerte que sobrepasa la frontera de la locura.
De nuevo estamos ante una película circular. Ese recurso tan utilizado a veces que parece que se convierta en un sueño o pesadilla.
Lo mejor de la película son pequeños detalles en los que podemos recordar al director de "Old Boy" (2003) o "Thirst" (2009). Lo peor de la película es que estamos ante un producto demasiado frío y prefabricado que ni el propio Park se cree. O lo que es peor un encargo descarado.

"La caza", Thomas Vinterberg, 2012 /"Jagten".

Cuando empieza una película con un grupo de amigos saltando al agua y pasándolo bien y Van Morrison con su Moondance sonando no imaginas que el título de la película cobrará casi vida propia transformándose poco a poco en lo que es, una caza. Una caza de brujas al estilo de la Inquisición o la edad media.
Vinterberg regresa al género donde se encuentra más cómodo. El género social/terrorífico donde nos retrata todos los males y pecados que tiene el ser humano y su sociedad. Pecado por decirlo de buena manera.
Regresa a las celebraciones y reuniones como ya hizo en su momento con la dogmática "Celebración" (1998) posiblemente la mejor película de ese dogma y uno de los mayores puñetazos que me han dado estando delante de una pantalla de cine.
Posiblemente Vinterbeg puede que sea uno de los herederos de Haneke. Con ese realismo no tan sucio o directo, pero si muy real y cercano. Historias que van cobrando vida poco a poco, historias que parecen que son de ciencia ficción pero sabes que realmente pueden pasar. Y de hecho pasan. Al final parece que lo mejor es no acercarte a un niño o desconfiar de todo el mundo.

Lucas (un gran y contenido Mads Mikkelsen, me recuerda al Dustin Hoffman de "Perros de paja") realmente vive una pesadilla. Una pesadilla que no se cree. Un hombre integro que se niega en todo momento a intentar convencer a alguién, ni a su amante Nadja (Alexandra Rapaport). Pero esa pesadilla se convierte en realidad y se convierte en una caza. Una caza terrorífica donde se ve involucrado hasta sus amigos más cercanos.
Y todo pasa en la maravillosa y cercana Navidad. Donde antes los niños y profesores parecen que se hayan escapado de "El pueblo de los malditos" (1960) y tengan ganas de linchar a alguién.
Con una realización nada preciosista Vinterberg se apoya en los maravillosos actores y en una especie de obra de teatro de tres actos. Noviembre, diciembre y Navidad. En estos meses es cuando Lucas sufre esa caza. Una locura de caza donde todos podemos sentirnos un poco identificados tanto por una parte como por otra. Vinterberg te mete el brazo hasta dentro para que te duela.

"Profesor Lazhar", Philippe Falardeau, 2011.

A veces es difícil escribir sobre una película sin destriparla. Sin contar nada de ella. Esta son de esas películas que de una manera sutil y ligera (a veces no tan ligera) describe al ser humano y como nos comportamos ante diversas situaciones. Ya sea incluso Canadá, uno de los países con mayor número de refugiados, los prejuicios siempre están ahí. A la vuelta de la esquina.
Philippe Falardeau en esta historia nos habla de muchísimas cosas: Sistemas educativos, refugiados, terrorismo, soledad...Bachir (grandísimo Mohamed Fellag) por una circunstancia se convierte en el centro de la historia. Se convierte en el profesor de unos alumnos algo desorientados y a la vez maduros entre los que se encuentra Alice (Sophie Nélisse) y Simon (Émilien Néron).
Al igual que en "La clase" (2008) una película mucho más pedagógica que esta o incluso "En la casa" (2012) donde un profesor se ve involucrado en las vidas de dos alumnos nos advierte que mejor no "tocar" demasiado a los alumnos. En esta sociedad los alumnos son autenticas bombas. Pero a Bachir le gustan los niños y no puede reprimirse.
Bachir es un refugiado, un ex-funcionario que da dictados de Balzac. Con unos niños que en ese momento son crisálidas a punto de explotar. Los niños a esa edad pueden estallar cuando menos te lo esperas. Con unas ganas tremandas de soltarlo todo.
Es muy curioso que casi todos los personajes de esta película o les falte alguien en su familia o estén totalmente solos. La soledad rodea todo. Montreal la bella no se salva del fango como dice la madura Alice.
Y más alla de los personajes o de la historia. La película es casi perfecta. Uso de la elipsis de manera magistral. Recursos que no embotan ni aletargan. Fellag con una mirada o un movimiento se encargará de decirlo todo. Con un final increíblemente bonito. La fábula ya no puede seguir, a la sociedad no le gusta las fábulas. Ni que terminen bien.
Falardeau se ha convertido en un cineasta a seguir. Con ese perfil de eterno adolescente tendrá difícil meterse en este mundo (del cine comercial) que a veces los refugiados importan muy poco o nada.
Alice y Simon están calmados. ¿Y nosotros?.

"Siete psicópatas", Martin McDonagh, 2012.

No creo que sea justo que cada vez que veamos una película que hable sobre gangster o mafias y el guión sea un poco surrealista o diferente nos acordemos de "Pulp fiction" (1994) (aunque sea casi obligatorio) y de Tarantino.
Martin dejó el listón muy alto con su primera película "Escondidos en brujas" (2008) y con sus personajes llenos de dudas. Han pasado cuatro años para que McDonagh escriba y realice su segunda película, qué perfectamente podría ser una continuación de su primera película. Otra vez esos personajes llenos de dudas y preguntas existencialistas aparecen en la historia.
"Siete psicópatas" es un ejercicio de guión. Durante toda la película juega con varias historias de psicópatas, unos inventados y otros no tan inventados. Pero esos psicópatas poco a poco irán cobrando vida, personajes que parecían fantasmas y que de repente dejan de serlo.
Desde el inicio nos deja bien claro por donde va a ir la película. Diálogos surrealistas y pulp.
Mezclar secuestros de perros, un guión y algunos locos no debe de ser nada fácil. Pero la historia no decae sino al revés, cuanto más avanza la película más locos y exagerados se van volviendo los personajes. Y más cariño le coges.
Como en "Escondidos en Brujas" (2008) parece que el principal personaje de la película Marty (Colin Farrell) tiene un imán para atraer todo tipo de problemas y psicópatas. Y más cuando debe escribir un guión y no tiene ninguna historia en mente, personaje parecido al de "Barton Fink" (1991) pero no tan sufrido como John Turturro.
No debe ser buena idea buscar psicópatas a través de un anuncio de un periódico. Pero Billy (Sam Rockwell) lo hace y a base de bien. Con ese anuncio poco a poco se van hilvanando todos esos psicópatas. Una breve historia de los mayores asesinos en serie americanos. Asesinos de asesinos a lo Bonnie and clyde (1967). También hay un breve momento para Zodiac.
Como en casi todas las películas la amistad y el amor están presente. Y en esta realmente están muy presente. Casi todo lo que hacen los personajes es por amor a alguien. Asesinan por amor y por amistad.
Al fin y al cabo "Siete psicópatas" no solamente es una película de asesinos. También es cine dentro del cine. Con grandes detalles y referencias cuando hablan del guión de Marty.
Atención a todo el casting y al gran Christopher Walken (Hans). Para fanes del cine pulp y surrealista.

"Star Trek: En la oscuridad", J.J. Abrams, 2013.

J.J. Abrams sigue "jugando" con nosotros. Desde ese comienzo espectacular en ese planeta con selvas extrañas y tribus ancestrales ya nos presenta lo que va a ser la siguiente historia de los tripulantes de la Enterprise. Aventuras y más aventuras como en la anterior "Star trek" 2009.
Si en la primera Abrams nos presentó a Kirk (Chris Pine), Spock (Zachary Quinto) y al resto de la tripulación. En esta segunda entrega nos presenta a Khan (Benedict Cumberbatch), el enemigo más poderoso que tendrán en un futuro. Un archienemigo como los que tiene Sheldon en Big bang Theory.
De hecho Sheldon casi copia la personalidad de Spock. ¿¿O es Spock quién la copia??.
A parte de estas preguntas tontas, Abrams sigue apostando por el cine de aventuras  como el de "Super 8" (2011). Si en aquella ocasión nos recordó el cine de los 80's, ese cine pro-amistad duradera e infinita. En esta, Abrams apuesta por lo mismo: Acción, giros argumentales y amistad.
Abrams sigue la ruta predeterminda por la Enterprise. Sigue sus consignas. Siguen los mismos personajes y la misma comicidad (pese a los medios no se toma en serio) de los diálogos entre Kirk y Spock o las metáforas del Doctor Bones (Karl Urban).
Pero pese al nombre. No es demasiado oscura. La oscuridad proviene de Khan. El que lleva casi todo el peso de la película. Un malo malísimo parecido a los "malos" de la Marvel. La película tiene un punto de comic y también Marveliano.
En la película seguirán apareciendo detalles y comportamientos de los personajes que en un futuro se convertirán en saludo mediático. Como en la primera en donde nos contaba porque Kirk entró a formar parte de la Enterprise o el porqué Spock se comporta de esa manera tan extraña. En esta es la continuación de los comportamientos de aquella primera película.
Esta continuación es fresca y divertida. Una película para el verano. Una saga que tendrá larga vida. Como los tripulantes de la Enterprise.
El guión sigue funcionando por encima del barroquismo de esos efectos especiales que al final llegan a saturar un poco. Los efectos especiales son el "mal" de este tipo de pelis. Pero por ahora el guión sobrevive por encima de ellos.
El siguiente paso de Abrams es "Star Wars VII".

"Animal Kingdom", David Michôd, 2010.

En el reino animal se presupone que los animales poderosos siempre vencen o se alimentan de los inferiores. Algunas veces eso no pasa.
"Animal Kingdom" es una radiografía de una familia un tanto especial. La familia Cody. Una familia con nombre de oeste americano. A esta familia le llega por causas del destino otro miembro más: J o Joshua (James Frecheville) un adolescente tranquilo, apático e incluso me atrevería a decir un poco insensible que se ve de lleno metido en los problemas de la familia Cody.
David Michôd escribe y realiza lo que es su primera película. Una de las mejores operas primas que he visto últimamente. Lastima que haya tardado tres años en verla.
Es verdad que la familia no es un tema bastante original y que se ha visto muchas veces en el cine negro. La familia es la base del poder de la mafia. Solamente hay que recordar "El Padrino" (1972) (un ejemplo que sirve siempre) o la más cercana "Uno de los nuestros"(1990) .

Pero lo interesante en "Animal Kingdom" no es precisamente eso. Lo interesante es el ambiente de opresión o claustrofobia que J sufre durante toda la película. Como Michôd cuenta la historia de la familia Cody o su desmembramiento bajo la mirada de Joshua. Una mirada impasible y que poco a poco va anotando y grabando todo lo que ocurre a su alrededor. Es como una especie de camaleón que se esconde del enemigo. Su enemigo es Pop Cody (Ben Mendelsohn).
Aquí todos se comportan de la misma manera. Policas VS Codys. Sin ningún miramiento ni pudor. Se destrozan entre ellos. Como en la serie "The wire" (2002) todo se hace por alguna causa. Y la causa soy yo y la familia. La familia pertenece al reino animal.
Llega un punto en la historia en que Joshua se desestabiliza. Hace un click. Suelta todos sus sentimientos (la primera vez que lo hace) y pierde el miedo a lo que le pueda pasar. En ese momento y con la ayuda del sargento Nathan (Guy Pearce) el reino animal se viene abajo. El ratón vence al gato.
Pero también nos relata lo fácil que es engañar al sistema. Un sistema podrido de arriba a abajo. La familia a veces también se pudre y más cuando tienes a una abuela como Janine "Smurf" Cody (Jackie Weaver) que solamente piensa en que sus hijos sobrevivan aunque tenga que hacer prácticamente de todo para que lo hagan.
Creo que gustará a todos los fanes del genero del cine Negro. Además una mirada fresca y nueva.

"El gran Gatsby", Baz Luhrmann, 2013.

Más que compararla con la novela de Fitzgerald o con la anterior versión de "El gran Gatsby" (1974) dirigida por Jack Clayton y protagonizada por el mediático Robert Redford habría que hacerlo con sus anteriores películas de su filmografía.
"El gran Gatsby" sigue siendo Baz al 100%. Excesos, barroquismo, romanticismo, epicidad y en esta encima hay que añadirle una pincelada oscura que es la primera vez que aparece en el cine de Baz. Al menos en sus largos.
Desde su primera película "El amor está en el aire" (1992) nos deja claro lo que va a ser el camino de baldosas a seguir. En todas sus películas el romanticismo está presente y un romanticismo que llega a ser masoquista en la mayoría de las ocasiones "Romeo y Julieta" (1996) o "Moulin Rouge" (2001) por ejemplo.
Puede que el mayor logro de Baz sea convertir cualquier cosa en un espectáculo de grandes dimensiones y encima popular. Solamente hay que recordar "Moulin Rouge" y en lo que lo convirtió con la ayuda de la música de Craig Armstrong y con un diseño de vestuario de Catherine Martin.
Para no repetir el pequeño fiasco que supuso "Australia" (2008). Baz no quería fallar de nuevo y de esa manera contó de nuevo con su guionista Craig Pearce (Moulin Rouge) y al mando de la música de nuevo Craig Armstrong y un elenco musical muy poderoso (Jay Z, Beyoncé, The XX y un largo etc). Jay Z es uno de los productores ejecutivos de la película. Ahí es nada.
"El gran Gatsby" está más cerca de "Moulin Rouge" que a cualquier otra película. El inicio nos recordaba a aquel "Moulin Rouge" pero un pelín más superficial y frio. Pero en cuanto la trama y los personajes se complican la superficialidad desaparece e incluso ya no te acuerdas del "Moulin Rouge" y su espectacularidad. Ha nacido Jay Gatsby (gran Leonardo DiCaprio) para buscar esa luz verde y poder atraparla.
Acierta presentándonos a los personajes de la mano de Nick Carraway (Tobey Maguire) tal y como sucedia en la novela. Carraway nos describe la hipocresía de ese momento y de esa manera de vivir. Sobre todo de todos los personajes que acompañaban a Jay. Incluida su gran amor Daisy (Carey Mulligan).
"El gran Gatsby" además de ser barroca y tener excesos visuales sobre todo su primera mitad. Es una gozada toda la recreación, sobre todo  las dos mansiones una enfrente de la otra o el paso del Eden al infierno de la industrialización, una especie de Mordor.
Luhrmann acierta en no repetir de nuevo "El gran Gatsby" de una manera clásica. La traslada y la lleva a su terreno. Una orgía visual y musical. Enfrentar dos mundos y dos familias. Los Buchanan (conservadores) y la nueva familia como individuo: Gatsby otra manera de pensar del nuevo siglo casi iniciado.
Una crítica a la manera en que se vivía en esa década. Una década bisagra entre dos guerras. No podía traer nada halagüeño. Como al final nos cuenta Carraway y del porque de su depresión. La gente. La gente que se acercaba a Gatsby era como garrapatas. Y é
l fue el único que recibió una invitación para ir a una fiesta de su compañero Gatsby.
Disfrutemos del espectáculo y dejémonos llevar por la atemporalidad y exceso de Baz.