"Troll Hunter", André Ovredal, 2010.

Ya han pasado unos cuantos años desde el estreno de "El proyecto de la bruja Blair", (1999), que fue la que propulsó un género que tal vez no era demasiado conocido esos años el fake o falso documental.
El falso documental ha revivido estos últimos años incluso en España. Recordamos "Rec" (2007), dirigida por Paco Plaza y Jaume Balagueró, teniendo un gran éxito tanto de público como de crítica, este viernes se estrena la tercera parte.
Y otro fake que recordamos de hace poco tiempo es "El último exorcismo" (2010), en este caso de exorcismos y falsos espiritistas, teniendo también un final un tanto abrupto y directo.
Lo curioso de los últimos fakes o los que he nombrado es que todos pertenecen al género de terror...incluyendo "Troll Hunter" del noruego André Ovredal, siendo para el su ópera prima.
"Troll Hunter" es la historia de un cazador de Trolls, como su nombre indida. El gobierno esconde la existencia de Trolls (parecidos a los de David el Gnomo, pero en grandes), y Hans (Otto Jespersen) los caza. La historia es contada a traves de la cámara de unos chicos estudiantes de una universidad noruega que se unen a Hans en la busqueda de trolls.

La idea es original y valiente. El comienzo de la película es tibio y algo frío pero con el metraje la película gana en intensidad aunque los personajes cambien de manera espontanea como el caso de que Hans les deje de repente ir con el tras los trolls.
Es un cuaderno de vitacora, Hans nos describe todo los detalles de los trolls, como se cazan, donde viven, porque el gobierno los esconde.
La peli en realidad es una crítica al gobierno, e imagino que crítica a ese paisaje destruido por las torres de electricidad, destrozando el paisaje natural y a la fauna que habita esos lares. Pero cae en verosimilitud por la manera de comportarse los personajes, esos chicos nada respetuoso (al principio si), o como pasan de la muerte de su amigo cristiano (ese detalle me dejo ko) fichando para ello a otra cámara...¿como se puede pasar tanto de una muerte?.
Se podría haber aprovechado más el aspecto dramático de la historia o en su caso usar un poco más de humor. Porque en ese sentido la película es plana y a veces se echa de menos. Imagino que los Noruegos no estaban pensando en eso.
Y otra cosa...¿porque casi todos los fakes terminan con la cámara por los suelos?.
El final es interesante y provocativo. Para fanes de los trolls.

"Intocable", Eric Toledano y Olivier Nakache, 2011.

Cada  cierto tiempo surge o aparece una comedia francesa que arrasa en su país y que suele triunfar en Europa..hace poco "Bienvenidos al norte",(2008), que también tuvo su  remake en Italia o hace ya más tiempo"Amelie" (2001), que arrasó en casi todos los países.
Ahora le tocó el turno a "Intocable" que fue la que clausuró el festival de San Sebastián. Y como dice el poster publicitario10 millones de espectadores en Francia. Muchas veces viendo estos carteles publicitarios recelas, no te lo crees. Encima la peli está basada en un hecho real para más inri, cosa que también tira para atrás.
Pero nos llevamos una sorpresa con esta película. Y es verdad que no hay nada nuevo en ella, que no es original, pero es humana e incluso realista, aunque nos sea díficil creernos los personajes.La historia es sencilla. Phlippe (gran François Cluzet) es tetrapléjico debido a un accidente con ala delta, por eso decide contratar a alguién que lo trate como a una persona normal y el elegido es Dris (Omar Sy..y como Cluzet se sale) que estaba en paro, y la peli es la relación entre Philippe y Omar, la historia de una amistad.
Una peli con un humor de buen gusto que no usa el gag fácil (aunque alguno ya visto), pero lo que llama la atención es como Dris trata a Phillipe, o como trata a Magalie o a su hija...es lo que nos llama la atención.
Mezcla humor con drama, un drama que llega a ser incluso social (pero tampoco se inmiscuye demasiado) pero que se acerca más al realismo de Danny Boon que al de Ken Loach. El drama que critica a la sociedad por tratar a todo el mundo igual, de ver que en realidad cada persona tiene un mundo detrás, y una historia diferente.
A lo largo de la película nos cuenta como es la realidad actual, con esas entrevistas de trabajo al inicio de la peli, o como Dris busca la ayuda estatal (tipo Trainspotting). Tampoco es una película que entre en el género post-crisis o crisis permanente.
Eric Toledano y Olivier Nakache forman un buen tanden ya que ellos dos también son los creadores del guión.
Aunque la historia a veces puede que sea de lágrima fácil ya que a los personajes les pasa todo tipo de desgracias, nos llevan de la mano hacia el humor u el optimismo...válido en estos tiempos. No pedimos un final desgraciado ni que le pasen cosas horrendas a los personajes, sino que queremos que esos dos personajes se hagan amigos y derroten a sus enemigos y problemas. No es una historia que deba de terminar mal.
No olvidar a los dos actores principales que lo hacen de maravilla, vamos que se salen ambos. Han obtenido premios en varios festivales como el de Tokyo. Tanto François Cluzet como Omar Sy están increibles y es lo que realmente salva la película, ya que la historia son ellos. La mirada de Philippe dentro del coche al inicio de la peli es significativa de lo mal que lo está pasando en ese momento. Por salvar algún momento de la peli, cuando Dris está afeitando a Philippe o las miradas que le lanza Dris a Magalie, todos esos momentos son de ellos. Una película necesaria y humana aunque no acabe mal.
La película es de Dris y Philippe. Y en ella entra todo.

"Thirst", Park Chan-Wook, 2009.

Para ver las pelis de Park-Chan Wook hay que pagar el peaje de entrar en su universo. Uno de los universos más personales que existen en el panorama del cine actual. Desde la trilogía de la venganza, "Sympathy for Mr Vengeance",(2002); "Old Boy", (2003), y "Sympathy for Lady Vengeance" (2005) y una de sus últimas pelis "Soy un ciborg", no ha parado de incrementar el número de seguidores de Park en todo el mundo, sobre todo debido a Festivales.
"Thirst" es 100% Park, un viaje al mundo personal del autor, donde van apareciendo poco a poco todas sus obsesiones y miedos: la fe, las relaciones personales, la familia, el sexo, el honor...en todas sus pelis siempre o casi siempre salen a flote estas obsesiones.
En esta ocasión es un sacerdote que no tiene demasiado clara cual es su papel en el mundo, o su fe, y que debido a una transfusión de sangre se convierte en un vampiro, un vampiro con todos sus poderes (los que todos sabemos). Un vampiro que con el paso del tiempo se vuelve necesitado de sangre y sediento como su título (Thirst).
Y como en las películas no faltan los romances imposibles en esta ocasión es el formado por el sacerdote-vampiro Sang-Hyeon, y la chica Tae-Jo (Kim Ok-Bin), casada con un desgraciado llamado Kang-Woo.
Y la historia es esa, el sacerdote se enamora de Tae-Jo. Y de como pueden terminar juntos en medio de una familia algo rara y extraña donde juegan al Maejong cada semana.
Pero cuando se mezcla el vampirismo con la familia o el deber, nada puede salir bien y lo podemos constatar en casi todas las películas del género vampiríco. Se convertirá en una carrera extraña, una lucha entre el bien (Sang-Hyeon)y el mal (Tae-jo), hasta el final más inesperado y romántico (todas las pelis de Park son románticas y masoquistas).
Park se inspira en la novela de Émile Zola "Thérese Requin", consiguiendo una historia pasional y autodestructiva. La estética y la forma de rodas raya el virtuosismo y este virtuosismo es el que a veces nos abstrae de la historia (pasa en muchas pelis orientales). Una historia en donde los personajes corren, andan, comen, juegan, follan y cambian de personalidad en minutos o segundos y ese cambio de personalidad es el que la historia haga que se tambaleé por segundos solo por segundos.
La puesta en escena es barroca, como la fotografía y su música, pero es excepcional recordando a cuadros de escenas familiares barrocas o a cualquier película de Berlanga o Altman. Una catarata continua de imágenes y simbolismos, ese simbolismo que llega a ser onírico y surrealista a la vez, tan importante en su cine..solamente recordar "Old Boy"..o cualquier otra película de él.
El único pero de la película es ese peaje que debemos pagar para adentrarnos en su mundo. Pero cuando entramos nos damos de lleno con su maravillos y excitante mundo.

"Confessions", Tetsuya Nakashima, 2010.

Empieza la película en un aula. Una profesora empieza a hablar a sus alumnos y estos pasan de ella como si nada. La profesora cambia el discurso y empieza a contar un asesinato, el asesinato de su hija a manos de dos alumnos de la clase. Las confesiones comienzan. Personaje tras personaje las confesiones irán tejiendo una telaraña parecida a las de Hitchcock, diferentes puntos de vista, y diferentes discursos.
La película de Tetsuya Nakashima empieza fuerte, digamos que muy fuerte, con una historia que nos puede recordar un poco a "Battle royale" al inicio, pero que se aleja poco a poco de aquella.
A y B asesinan a una niña. Dos monstruos que a su vez crean a otro monstruo, y otro ser invisible (monstruo) que convive con ellos. Un trio que se convierte en una dupla, cuatro asesinos en potencia, unos naturales otros creados, cada uno tiene una manera de pensar, una obsesión, porque la peli va de eso de obsesiones y confesiones.
Lo interesante de la peli es la crítica a la sociedad, a la educación, familia y un largo etc. Y como nos presenta todos esos problemas crecientes en la sociedad japonesa y actual, ya que Japón tiende a copiar a Occidente.
Esos móviles que funcionan como jueces, esos niños que se mueven por impulsos sin saber en realidad que es lo que quieren (son adolescentes). Niños que están solos y buscan a su madre y por ello click...se convierten en psicokillers. Y así hasta el final...los niños se convierten en asesinos y las madres en vengadoras asesinas.
La peli es interesante desde el punto de vista estético y también  bonita con esos planos videocliperos, o usando espejos (espejos en la calle), pero esos recursos a veces ralentizan la historia y más en la segunda parte de la película ya que algunos personajes no terminas de creértelos (sobre todo el niño salvaje con su madre), o el final un pelín alargado. También es una peli valiente y directa, valiente por conjugar todo tipo de situaciones. Pasa de la tristeza a la alegría en un momento, haciendo que sus alumnos bailen pop en plena clase. Describiéndonos la maldad de los niños para con sus compañeros, haciéndole putadas de todo tipo. Pero al mismo tiempos tienen miedo de todo los que le rodea.
Las madres asesinas y vengadoras dan mucho juego, hace poco pudimos ver "Mother" otra gran película sobre una madre vengadora, o recordando a John Waters con "Los asesinatos de mama"...pero está es diferente, es pura maldad, la madre solamente quiere venganza y se convierte en una viuda negra y hasta que no hace sufrir a su asesino no para (sufriendo ella misma). Ya con el detalle de la leche nos deja claro lo que está tramando.
Tetsuya Nakashima esta mal distribuido y poco conocido en España, solamente nos ha llegado su "Kamikaze Girls" (2004),.director que solamente se podrá ver en festivales y "pirateo" en internet. Nakashima adapta la novela de Kanae Minato  por si alguién la quiere leer. En el 2013 Nakashima estrenará otro film, y esperemos que la distribuyan de mejor manera que las anteriores.
"Confessions" es pura mala leche pero también es humana. Esos clicks.

"La cosa (The thing)", Matthijs Van Heijningen JR, 2011.

Cuando un relato corto llamado  "Who goes there?" de John Campbell JR tiene tres adaptaciones ya entran ganas de leerlo, cuando termine de escribir esto lo buscaré en Amazon a ver si hay suerte y lo encontramos.
Las otras dos adaptaciones son "El enigma...de otro mundo" (1951) de  Christian Nyby y "La cosa" (1982) de John Carpenter quizás una de las mejores películas de John y puede que la mejor adaptación del relato.
Parece que ultimamente está de moda fichar a un director novel nórdico para que realice un remake y en este caso le han pasado la patata caliente a Matthijs Van Heijningen JR que es su primera película.
El relato ya es conocido por todos, unos extraterrestres llegan a la tierra y el deseo de estos aliens es propagarse por toda la faz de la tierra, y para ello quieren usar a unos científicos que se encuentran en una base, en este caso una base noruega (noruegos vs americanos). Todo empieza cuando fichan a la paleontologa Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) y de repente Kate se ve en una base noruega rodeada de vikingos y del alien que empieza a hacer de las suyas, el alien es una especie de araña que realiza replicas de otros humanos creando la confusión entre todos los miembros de la base.
Casi todo es exacto a la primera, menos los héroes que en el caso de la de Carpenter el héroe era masculino JR MacReady y en la actual Kate Lloyd. El tema de no saber quien es el "malo" es un valor añadido en cualquier guión, porque puedes jugar con los personajes, la psicología y en definitiva con el suspense. Carpenter la supo dominar a base de no enseñar demasiado al alien, de jugar con la claustrofobia de la base, con unos personajes mucho mejor dibujados (Kurt Russell está soberbio), y con la excelente música de Ennio Morricone (en la nueva es de Marco Beltrami discipulo de Ennio). Pero en la nueva el alien sale demasiado, parece una araña parecida a la de los bichos que aparecen en "El cazador de sueños" (2003) de Lawrence Kasdan.
Tampoco se si la peli es una precuela o un remake. Los personajes son exactamente los mismos de la de 1982: un personaje negro, uno con barbas...pero llega el final (presumíblemente lo mejor de la película) y aparece la base rusa y el perro que aparece al inicio de la cosa de Kurt Russell. Quizás sean homenajes a esa peli y sea otra base cercana a la base rusa.
No sabemos que ocurre con nuestra heroina ya que termina con un plano dentro del camión y de ahí pasa al final.¿Es la que contagia a los de la base rusa o se escapa y termina con un final feliz?, creo que elegimos la primera opción que es la más conveniente para una película de este género.
Imagino que en época de remakes es bastante goloso para las productoras recordar un gran clásico del terror como es "La cosa", pero creo que en este caso es innecesario y más cuando es casi un calco idéntico a la inicial. Quitando algunas novedades como la del fichaje de la paleontologa o de contarnos de donde aparecen los aliens, temía un final a lo "Cowboys vs Aliens" pero menos mal que no...que se tranquiliza un poco al final.
Lo más destacable de la peli es su final y algunas secuencias de grupo (suspense). Y lo más negativo que intenta parecerse a la de Carpenter, no se porque no se fijaron un poco más en la adaptación de Christian Nyby. Habrá alguna adaptación más de "Who goes there?".

"El árbol de la vida", Terrence Malick, 2011.

Parece que Terrence Malick pasa por una segunda juventud, primero por el estreno de "El árbol de la vida" el año pasado y segundo por la cantidad de proyectos que tiene en mente dirigir o producir durante el 2012.

"El árbol de la vida" ha sido una de las películas que ha generado mayor controversia entre el público, ya que a la crítica ha gustado más, teniendo numerosas nominaciones en los Óscars y ganando la Palma de Oro en Cannes (termómetro del año cinematográfico).

Director de corta carrera en las que sobresalen "Malas tierras" que fue la película que lo convirtió en autor referente del momento y"La delgada línea roja" (1998) que le devolvió la fama perdida ya que estuvo veinte años sin dirigir desde "Días del cielo" (1978).

En "El árbol de la vida" se pueden observar y analizar las grandes obsesiones de Terrence, la familia, el porqué de la guerra, y la importancia de la religión..recurrentes en "Malas tierras" (1973), "La delgada línea roja" (1998), o su penúltima película "El nuevo mundo" (2005). 

En esta última peli de Malick, se vuelven a repetir esas obsesiones: la familia y sus problemas afectivos, el porqué de la guerra (el bien y el mal), las religiones y en su defecto porque mueren las personas (¿porque lo permite Dios?), si se lo tienen merecido, y el mal y el bien que también se observa en "La delgada línea roja"..

La película consta de tres partes bastante diferenciadas, un prólogo, desenlace y epílogo. El árbol es la metáfora de la vida, desde que naces hasta que mueres. Y el prólogo describe utilizando la voz en off deJessicca Chastain (la madre) e  imágenes de volcanes, dinosaurios, mares...(un mural), el nacimiento y muerte de un hijo de la familia.

El desenlace de la película es lo más interesante, y precisamente es porque deja un poco de lado esa voz bíblica y esas imágenes pastorales, y se centra en describirnos a los miembros de una familia un poco extraña, desde la madre que es buena en exceso, el padre un ser autoritario (Brad Pitt), y sus tres vástagos que viven inmersos en la confusión y en una educación un tanto rígida...el resultado es que uno de sus hijos se transforma en un pequeño monstruo..."todo lo que odio es lo que hago", con esta frase se describe perfectamente la psicología del personaje. 

Una de las cosas que sorprenden en el film es ese cambio o transición, la segunda parte a veces da verdadero terror, en un ambiente claustrofóbico sobre todo logrado por la fotografía, y debido a ese terror o confusión que hace que quieras saber mas de esos personajes y de esa familia.

Hasta que termina de describirnos la historia de la familia (sin contarnos casi nada), y empieza el epílogo  recurriendo de nuevo a imágenes y mundos oníricos que nos recuerdan un purgatorio, en donde todos los miembros de la familia se reencuentran.  incluido el hermano mayor (Sean Penn)  y toda la familia se perdona y parece que vuelve a vivir su vida (Penn tiene un personaje confuso).

En definitiva es una película confusa, ya que al final no sabes porque se ha suicidado o muerto el hermano, el porque de la frustración de Sean Penn (hermano mayor)...o porque la relación de marido o mujer es tan fría y distante, ¿cuando el padre se convierte en un monstruo?....Es una historia que genera muchas preguntas pero con pocas contestaciones.

Tengo dos preguntas:

1- ¿Qué busca Terrence Malick con está película?.

2- ¿Y porque tanta controversia o automarketing con esas críticas negativas?.

Son productos un tanto extraños. A ver que nos deparará los siguientes estrenos de Malick.

"30 minutos o menos", Ruben Fleischer, 2011.

Tras "Bienvenidos a Zombieland" (2009) esperaba que Ruben Fleischer repitiera y realizara una comedia fresca del mismo nivel , pero no ha sido así ya que "30 minutos o menos" es una comedia teenager del nivel de las primeras de Ashton Kutchero o "American Pie". Queda bien claro que realizar comedia hoy en día es bastante díficil.

En el empeño repite Jesse Eisenberg ("La red social"), que parece que siempre repita el mismo papel ya sea aquí que en "La red social" o "Adventureland". 

En la peli aparecen dos parejas, y no se sabe bien que pareja es la más inteligente. Una pareja formada por los ladrones forzosos y la otra por los extorsionadores con bajo indice de inteligencia...Y la trama es esa. Una pareja es forzada a robar un banco y darle luego los 100.000 dolares que les piden, y durante esa aventura ocurren todo tipo de aventuras, confusiones, diálogos surrealistas, pandilleros.

La peli como comedia surrealista podría funcionar ya que casi ninguna situación es creible, pero más bien es una comedia con gags un poco cafre, pero que le falta completar mejor alguna situación.

La pareja formada por Jesse Eisenberg (Nick el pizzero) y Aziz Ansari (creo que es lo mejor de la peli) está mejor contada que la pareja de extorsionadores Danny McBride (Dwayne) y Nick Swardson (Travis), y es porque la segunda pareja los gags o chistes son super exagerados y a veces no consiguen hacerte reir...y eso a veces hace que te desenganches de la peli. Pero señalar las apariciones en la peli de Michael Peña (Chango) y el mítico Fred Ward.

Durante toda la peli abundan los diálogos surrealistas y los gags, y sobre todo sobresalen los que mantienen Nick y Chet...por ejemplo el robo al banco, o cuando roban el coche al vecino...Pero el guión se resiente y no es tan fresco como el de "Bienvenidos a Zombieland" donde en ningún momento la tensión bajaba (no era tan comedia de gags como esta) y tenía las apariciones estelares de Woody Harrelson y Bill Murray, quizás en esta falta una aparición con más presencia.

Pero aún así no te aburres en ningún momento porque además la peli tiene acción, con persecuciones de coches, engaños, y como dije antes la aparición de Michael Peña que hace que la peli retome el interés.

En fin una peli de la que me esperaba un poquitín más...y quizás haya sido la espera, o el tardar tanto en verla.

Para fanes de las comedias surrealistas. Lo mejor Aziz Ansari. Y lo peor es que a veces al guión le falta un poco de consistencia...o un poquitin de credibilidad a las acciones.

Interesante son también los monos...que parecen salidos de "2001:Una odisea del espacio"..ah, atención también a Nick Swardson....

"Contagio", Steven Soderbergh, 2011.

Steven se atreve con todo tipo de películas y géneros, Soderbergh y Winterbottom pueden que sean dos de los directores más interesantes y eclécticos del panorama actual, y Soderbergh lo sigue demostrando con cada película que rueda ya que la pasada semana estrenó "Indomable" una peli de acción tipo Van Damme pero con chica (Gina Carano). Y como dijo tras rodar el dìptico del Che...a partir de esas dos películas voy a divertirme realizando cine..
El año pasado consiguió reunir a un elenco de actores increíble para realizar la película por excelencia de ataques virales, una peli bien realizada, con buen ritmo, suspense...hasta crítica  la sociedad actual y no se salva ni gobiernos ni empresas farmacéuticas, medios informativos.
Lo interesante de Steven Soderbergh es que no tiene un estilo y universo propio y tampoco una manera de rodar única, ya que en cada peli cambia de estilo y rueda de manera diferente comportándose  como un camaleón...y a mí me gusta los camaleones. Recordas la saga "Ocean's eleven"..."Che", "El buén alemán".
La historia empieza en Hong Kong donde surge el virus, llegando a todas las partes del mundo, y nos va relatando como llega ese virus y como se va propagando, cuales son los síntomas y cual es la reacción social de todos los estamentos de la sociedad..Según va avanzando el virus el suspense y la claustrofobia van creciendo, por momentos la película llega a parecerse a una película de zombis ya que enfermos y no enfermos se comportan de manera igual que en esas pelis o series.

La historia es contada desde diferentes puntos de vista, desde el punto de vista de las personas y familias que lo contraen, los médicos y cientificos que la tratan; los políticos y desde los medios informativos..destacando un personaje de entre todos...Alan Krunwiede(interpretado por un gran Jude Law), Alan Krunwiede es el blogero capaz de aprovecharse de todo, una persona sin casi moral; luego destacan la sacrificada doctora Erim Mears (Kate Winslet); y los cientificos con doble moral Ellis Cheevers (Laurence Fishburne). Destacando también la historia de la doctora Leonora Orantes (Marion Cotillard)..donde ya nos damos cuenta lo que es capaz de hacer el ser humano para conseguir algo o para no ayudar a los más necesitados.
Es una película coral, con muchos personajes e historias...al estilo de la novela "Guerra Mundial Z", y no está nada mal contada, ya que no se le escapa ningún detalle (muy detallista la peli)..nos mantiene en todo el momento el interés y el suspense..ya que sabe manejar bastante bien la manera de dividir la película por días.
Para mí gusto es una de las mejores películas de catástrofes virales que he visto, y también me sorprende las malas críticas que obtuvo en su momento.. Lo que sostiene la peli, es que todas las historias y personajes tienen relevancia..destacando un gran casting típico de las producciones de Soderbergh, Winslet, Paltrow, Cotillard, Gould, Matt Damon (gran personaje), Cranston...
Lo mejor de la peli es que va transcurriendo sin caer en ningún momento en la sensibleria fácil (solamente un par de veces), y el elenco de la película que es espectacular. Lo peor de la peli es que a lo mejor nos gustaría saber que pasa con todos los personajes...pero sino debería haber segunda parte de "Contagio"..en definitiva una película para pasar un mal rato y meterse en situaciones que podría ocurrir en cualquier momento. Así es el ser humano. Y tampoco olvidar la genial BSO de Cliff Martinez.


http://www.youtube.com/watch?v=UwNMGdWyjcc  trailer de la película "Contagio".

"Mientras duermes", Jaume Balagueró, 2011.

Con esta película Luis Tosar y Jaume Balagueró nos dejan bien claro que ambos son unos monstruos, uno de la interpretación (Luis Tosar) que crea un personaje verdaderamente inquietante, y el segundo Jaume Balagueró uno de los mejores directores de género de España (sino el mejor), con un universo propio y directo.
Balagueró es ahora mismo uno de los mejores directores de género de Europa, y ya desde su primera película "Los sin nombre" (1999) pisó bien fuerte entrando de lleno en el panorama del cine español, hasta llegar a la saga "Rec" (2007), todo un éxito ya que este año se estrenará "Rec 3".
"Mientras duermes" es una película muy directa, es como si te metieran un dedo en el ojo o te dieran un puñetazo en pleno estómago, ya que si lo pensamos bien cualquier persona nos puede hacer la vida imposible..en este caso sería César (Luis Tosar).
Mediante pequeños detalles nos describe a un personaje inhumano, un personaje de los más atroces que han pasado por la cartelera el año pasado. César queda en la retina de la memoria, Luis Tosar está ya en el firmamento, con esa mirada y ese saber moverse con cada personaje que interpreta, que nos deja helados durante toda el metraje.
Desde el principio nos dejan bien claro como es el personaje de César, un ser que consigue la felicidad haciendo infelices a los demás, en este caso a los inquilinos de un edificio, pero en especial a Clara (Marta Etura), que literalmente se mete en su vida, la invade, duerme con ella, y un largo etc...
Importante también es el aspecto psicológico de la peli, aunque se aleja un poco de la saga "Rec" mostrándonos la maldad del ser humano y lo que puede llegar a hacer para conseguir la felicidad. César nos recuerda a Freddie Clegg el personaje que interpreta Terence Stamp en "El coleccionista",(1965), los dos buscan la felicidad a través  del sufrimiento de otras personas, aunque de diferente manera, más ruin puede llegar a ser César.
La película empieza de manera excepcional describiéndonos al personaje de Luis Tosar, la semana va avanzando y describiéndonos el sufrimiento de Clara o como César humilla al resto de los inquilinos. Aunque también tiene algunos peros, sobre todo con algunas secuencias mal terminadas (cucarachas) o la poca verosimilitud de esconderse bajo la cama y que no te vean, por lo demás la película consigue agarrarte y no dejarte hasta el final, un final que nos recuerda debilmente al de "Seven" (1995) o "Sospechosos habituales"(1995).
Y por último dos curiosidades. La aparición del actor fetiche del director Carlos Lasarte que ya nos asustó interpretando a Santini en "Los sin nombre"(1999), o de la genial sufridora Petra Martinez (Sra Verónica) que termina de forma dramática...
La otra curiosidad es que el pasado año se estrenó una película con una trama casi identida llamada "La víctima perfecta"...que no supera a esta en calidad. Solamente esperar que estos dos monstruos se unan de nuevo.Luis y Jaume.

"La deuda", John Madden, 2010.

Dos curiosidades importantes:

1- Hubiera preferido que la película la hubiera dirigido Matthew Vaughn (guionista de la peli) en vez de John Madden, el autor de la exagerada y ñoña "Shakespeare in love".
2- ¿Como debe estar la película "Ha-Hov" de Assaf Bernstein e Ido Rosemblum en la que se ha basado la película?, los directores de la anterior son los guionistas en esta
La película consta de dos bloques o partes diferenciadas, uno el pasado y el otro el presente. Y me quedo con el pasado, mejor realizada, más suspense,más drama, en línea con las películas de espionaje de la época o pelis dramáticas  como "The reader", o incluso tocando ligeramente las pelis de cine negro.
Película dura que nos cuenta el rapto por parte del Mosad de un médico que trabajó para los Nazis en la segunda guerra mundial, tres agentes inician una misión y también una relación sentimental a tres bandas, Rachel, Stephan y David, tres personajes fuertes, complejos, y muy bien interpretados, quizás la película se salva por las interpretaciones y por la atmósfera claustrofóbica y de tensión que se crea en la parte final de cada parte.
Fortalecida por las interpretaciones de Helen Mirren (Rachel de mayor) y Jessica Chastain (Criadas y señoras) el personaje de Rachel da el equilibrio de la trama y de la película, sin olvidarnos de Tom Wilkinson (Stephan de mayor), y de todos los demás actores que dan vida a los tres personajes principales todos geniales, incluido Sam Worthingtong (David de joven).
Jesper Christensen visto en "Melancholia" da vida a Dieter Vogel, un personaje bestial, la peli también gira alrededor de él...los personajes de Rachel y Dieter dejan de lado al trío y ese es el problema, ya que se podría haber sacado más jugo de esa relación que mantienen los tres en ese apartamento tan lúgubre y oscuro.
Un trío no demasiado bien avenido, con demasiadas diferencias, con errores difícil  de solucionar, con mentiras, verdades a medias, el miedo de sentir, de odiar...son unos personajes demasiado complejos quizás para John Madden...pero podría haber sido una buena película. Una película que nos habla del miedo, del horror, y sobre todo que alguna mentiras es mejor no guardarlas para siempre. Porque es un continuo sufrimiento. Y que nos recuerda a aquellas películas de la guerra fría. No es una peli que deja indiferente.

"La mujer de negro", James Watkins, 2012.

Daniel Radcliffe quiere comenzar una nueva carrera tras dejar atrás a Harry Potter y ha empezado con una película de terror victoriana dejando a Voldemort pero reencontrándose en estos momentos con un espíritu escapado de una peli de terror Japonesa o Coreana.
La peli ha sido dirigida por James Watkins que ya dirigió "Eden Lake" (2008) también de horror, donde aparecía la nueva estrella del cine actual Michael Fassbender, y James ha adaptado la novela de Susan Hill que ya tuvo un remake para la TV en 1989.
Producida por la Hammer que ha revivido de sus cenizas hace unos añitos, la película es de suspense mezclado con el género de espiritus a lo japonés, aunque también nos recuerda a "Los otros", "El orfanato" o más recientemente la más divertida "Insidious".

Comienza igual que "Drácula" ya que Arthur Kipps (un correcto Daniel radcliffe) debe de ir a un pueblo remoto para intentar vender una mansión también perdida en una isla rodeada por las mareas...y eso es lo mejor o lo que más llama la atención de la peli, esos remotos escenarios, como la mansión, la carretera o el mismo pueblo que aumenta la angustia o el suspense de la trama. Aunque también ayuda los extraños vecinos que habitan en el pueblo, asustados por las perdidas de sus pequeños hijos en raros accidentes. Entre los vecinos se encuentra Daily (Ciaran Hinds) que lo ayuda a llegar a la mansión.
En esa mansión es donde empieza la trama y también los mejores momentos de la película, donde la mansión cobra mayor protagonismo con un terror sutil parecido a "The haunting", aunque sobran algunos sustos efectistas...(aunque alguno da miedo de verdad). Los protagonistas son las paderes, los muñecos, los sonidos...todo cobra vida dentro de la mansión, con un Daniel Radcliffe armado con una sola vela (es lo más extraño). Aunque la peli recae sobre todo porque los personajes secundarios que no están inflados, o no tienen la importancia que debería. O con personajes un tanto extraños o mal descritos como la esposa de Daily (Janet McTeer).
La peli es para fanes del susto fácil, lo pasaran pipa viéndola, pero si buscan un terror un poco más psicológica está no es la peli que podría haber sido.Aunque la realización es muy buena...en este caso falla un poco el guión que es demasiado vago.
También es interesante el final de la peli. Qué puede llegar a ser un poco ambigüo. ¿Hay vida para Harry Potter después de Harry Potter?.

"Soylent Green: Cuando el destino nos alcance", Richard Fleischer, 1973.

Entrar de nuevo en el mundo de "Soylent Green" no está nada mal, y más ahora cuando parece que muchas cosas se están haciendo realidad en la actualidad. Richard Fleischer adaptó la novela de Harry Harrison del mismo nombre, en una época en que este tipo de cine estaba muy de moda, solamente apuntar "El último hombre...vivo" de Boris Sagal donde aparecía también Charlton Heston o todo tipo de películas de catastrofes que se realizaban en esa década.
La peli transcurre en Nueva York en  un mundo superpoblado donde no hay ningún tipo de alimento y que el único alimento posible es el Soylent Green, además de existir corrupción, violencia y esa falta de alimentos. En esta situación se mueve el detective Thorn (Charlton Heston) con la ayuda de Sol Roth (un genial Edward G.Robinson). El detective Thorn debe investigar un caso de asesinato, el asesinato de William R.Simonson (Joseph Cotten, papel cortito) que termina siendo uno de los grandes millonarios de la empresa Soylent Green. Y en realidad la trama es...¿qué es el Soylent green?, ¿de donde sale?.
Es una película totalmente setentera, con pocos efectos especiales, y una realización algo austera, pero llama la atención esos diálogos que mantiene sobre todo el detective Thorn con Sol...llenos de chispa e ingenio, con bastante crítica (pocas películas vemos hoy en día con esa mordacidad) social.
Una distopia  un poco extraña, donde existen las mujeres mueble (mobiliario), en ese sentido se puede observar un machismo extremo que ahora chocaría ver en una película, donde los policías  son todos unos corruptos, donde un tarro de fresas cuesta 150 dolares...y donde Heston defiende a esas mujeres (para mí es un antihéroe total) de una manera casi maternal.
Lo único extraño es que la historia se centra solamente en Thorn, parece que no existe otra cosa, el mundo se para a sus pies. Cine negro futurista, es una trama totalmente policíaca ya que la mayor parte del metraje es sobre la investigación del asesinato de Simonson, y en esa investigación nos descubre como es Thorn y como es la sociedad en ese futuro. Durante la investigación intenta quedarse con todo lo que ve, una cuchara con un poco de fresa, un trozo de carne, una botella de Whiski. El momento más bonito de la película es el refrigerio, donde se ven comiendo juntos a Thorn y a Sol...un aviso de lo que podría ser la humanidad sin esos alimentos.
Una divertida y crítica película que llega a ser actual pero totalmente setentera. Para fanes de los 70`s.
No olvidar al genial Chuck Connors como Tab Fielding.

"Splice.Experimento mortal", Vincenzo Natali, 2009.

Después de unos cuantos años el autor de "Cube" (1997) Vincenzo Natali regresó al panorama actual con "Splice.Experimento mortal" presentada en varios festivales, ya que sus dos anteriores intentos no fueron demasiado populares "Cypher"(2002) y "Nothing" (2003).
En esta ocasión Vincenzo no se adentra en un cubo, pero se mete de lleno en otro berenjenal y ahora está más cercano a la  mente de Cronenberg sobre todo por la bioquímica y los inventos cientificos, o a series como "CSI" o la más actual "Fringe" que tratan de ese mismo tema la bioquímica o descubrimientos cientificos.
La historia es sobre una pareja de cientificos bioquímicos que quieren descubrir un híbrido para piensos animales, pero en realidad lo que quieren crear es un ADN superpotente para curar enfermedades y de paso hacerse un poco famosos, son unos científicos pop...interpretados por Adrien Brody (Clive Nicoli) y Sarah Polley (Elsa Kast). El problema o la historia comienza cuando su jefa le prohibe  que sigan con sus experimentos y Elsa por su cuenta mezcla su ADN con el híbrido...y en ese momento comienza la acción ya que el bichito que esperaban se escapa de su probeta gigante y empieza a hacer de las suyas.

Lo que al principio parecía una historia de una pareja se convierte en trio, ya que el ser crece entre la pareja, y tanto ella como él se sienten atraidos por Dren (Delphine Chanéac) que es como se llama el ser y Dren es la que al final separará también a la pareja sobre todo porque cada uno quiere a su manera a Dren, pero Dren solamente quiere una cosa de ellos y lo que quiere es sexo y procrear.

La peli tiene un comienzo bastante bueno (títulos de crédito son geniales), recordándonos al mito de Frankestein, o al de los cientificos que quieren conseguirlo todo con la ciencia. Pero la peli va perdiendo un poco de fuerza sobre todo el guión cuando Dren crece y empiezan a suceder cosas una detrás de otra (la granja,sus poderes), a cada cual más extraña y sobre todo con ese punto de Cronenberg.

De todos modos la película es fresca y tiene sus buenos momentos de serie B para pasar el rato..aunque eché de menos el suspense de "Cube". Para fanes de las cosas raras y extrañas.

"Last days", Gus Van Sant, 2005.

Gus Van Sant autor de películas como "Drugstore cowboy",(1989), "My idaho privado",(1991), o la má reciente "Mi nombre es Harvey Milk" (2008), nos recrea los últimos días o momentos de Kurt Cobain una de las figuras más importantes de la música de los años 90's.
Pero Van Sant no usa el nombre de Kurt, y al personaje le da el nombre de Blake (como William Blake), y nos cuenta la relación o no relación que tiene Blake con los otros moradores de la mansión, como Asia (Asia Argento), Luke (Lukas Haas), Scott Green (Scott Patrick Green), y otros personajes extraños como el investigador (Ricky Jae) o Donovan (Ryan Orion), que nunca sabremos el porque van en busqueda de Blake. Otras apariciones más que extrañas son las del comercial de páginas amarillas o los gémelos religiosos.
Avisar que la historia es rara, extraña, donde Blake parece que durante todo el metraje está buscando algo para seguir viviendo, siempre huyendo de las llamadas de telefono, de la gente que le busca o los miembros del grupo que lo ven como si fuera un fantasma...un mundo introspectivo, angustiante, con esos sonidos que aparecen cuando parece que Blake está pensando, o esos planos fijos descriptivos de la desolación que padece el protagonista. El lenguaje es complicado, usando los diferentes puntos de vista de los protagonistas para contar la misma secuencia, y la verdad es que te pierdes y no sabes que estas viendo. O esos planos donde Blake está tocando una canción y el plano no se mueve, solamente con suaves zooms...rayada total...una peli surrealista, conceptual al máximo. Por no hablar de la austeridad total o naturalismo de la película, durante mucho tiempo Blake está en contacto con la naturaleza que parece que le habla..en el rio, bosque.

Y lo extraño es que no aparece música de Nirvana, aparece un tema de Boyz II men un poco ñoño llamado "On bended knee", o la maravillosa "Venus in furs" de Lou Reed, o dos temas creados por el propio Michael Pitt que da vida a Blake llamado "Forus" y "Death to birth". Y al final o terminando la peli con un clásico como Hildegard Waterkamp...al describirnos la salida del espiritu de Blake del cuerpo ya muerto...La música de la película fue pensada  por Thurston Moore. Otro de los temas que aparecen en la peli es "La guerre" de The King singers".

Una película extraña, que en realidad no nos cuenta nada de lo que pudo haber ocurrido durante los últimos días del miembro del grupo de Nirvana...solamente nos describe que era una persona asocial, sumida en una depresión y destruido por la fama y las drogas, y el poco trato que tenía con el resto de la banda, describéndonos a los miembros del grupo como si fueran unos interesados...Habrá que esperar otra mejor película o leer sus memorias.

Como curiosidad la aparición de Kim Gordon, Harmony Korine que le da un punto cool y extraño a la película.

¿Qué tendrá ese florero?.

La película fue presentada en la sección oficial de Cannes.

"El perfecto anfitrión", Nick Tomnay, 2010.

"El perfecto anfitrión" es un puzzle creado por Nick Tomnay, una mezcla de géneros y de películas, pero que se hace corta ya que tiene una buena factura y una historia bastante potente. Con dos buenos actores, sobre todo el genial David Hyde Pierce (Frasier) haciendo de Warwick Wilson un personaje bastante ambigüo y meloso, y Clayne Crawford como John Taylor el ladrón patoso...y parecido al personaje de Al Pacino en "Tarde de perros".
El comienzo de la peli es potente, un ladrón que huye del escenario de un robo y que su siguiente tarea es buscar cobijo para que no le encuentre la policia...y ese cobijo lo encuentra en la casa de Warwick Wilson y ahí es donde empieza la trama, una historia en donde se mezca todo tipo de historias, desde robos a bancos, relaciones un tanto extrañas, y hasta se nos cuela una femme fatale.

Una mezcla tal que nos recuerda a imnumerables películas..desde "La trama" sobre todo por el juego entre los dos personajes centrales, pasando también por "Memento" de Nolan una de las más importantes de la década del 2000 en ese género de thriller confuso, y terminando por "Hard Candy"...

Lo mejor de la peli son los giros brutales del argumento, en segundos la trama cambia, es como una partida de poker o de ajedrez, los dos personajes empiezan una batalla psicológica y al final solo puede ganar uno.

Tiene algunas secuencias bastante buenas y originales sobre todo cuando le ponen a John la careta de mono, pero a veces puede que canse sobre todo los "amigos" de Warwick que no están demasiado bien descritos (a mí me sobran) y que algunos actores no den la talla como David..

Y para ser la primera película de Nick Tomnay (anteriormente algunos cortos) la termina bastante bien, la deja en un final abierto...aunque es verdad que el personaje del policia bueno (Nathaniel Parker pues es bastante poco creible y probable). Obviando algunas cosas, la peli es divertida, y se pasa en un plis...la recomiendo sobre todo por la interpretación de David Hyde y por la historia...si os dejáis llevar lo pasareis bien. Una pena que algunas pelis tengan tan poco marketing.
PD: Warwick es un cabroncete...

"Control", Anton Corbijn, 2007.

"Control" empieza en Macclesfield en el año 1973 presentándonos a un jovencito Ian Curtis yendo al instituto en un blanco y negro un poco preciosista para la época, "Control" es la vida de Ian desde 1973 hasta 1980 que fue el año de su muerte.
La peli está basada en la novela "Touching from a distance" de su mujer Debbie Curtis  y dirigida por Anton Corbijn autor de numerosos videos musicales entre ellos de grupos como Depeche Mode o U2 o la película "El americano" (2010).
En "Control" nos adentramos en su vida, desde como se conocieron Debbie y él, sus miedos, su enfermedad, como ingresó en el grupo Warsah para convertirlo en Joy Division, como componía sus canciones desde Transmission, She's lost control, o su relación amor-odio con David Bowie. Y también nos hace un retrato de como eran sus compañeros de grupo Hooky, Bernard Summer y Steve Morris..aunque nos quedamos con un poco con las ganas de conocerlos un poco más, ya que la peli se centra en la relación que tuvo con su mujer Debbie (Samantha Morton) y más tarde con la guapa Annik Honore (Alexandra Maria Lara). Pero se centra sobre todo en la mente de Ian Curtis, esa mente que no paraba un segundo, que escribía todo lo que sentía y lo expresaba encima de un escenario intentando olvidar a David Bowie. Incluso nos presenta al personaje de "24 four party people" el periodista y productor Tony Wilson esta vez menos excéntrico y el popular concierto de los Sex pistols que tuvo lugar en 1976 donde se conocieron los miembros del grupo.
Una peli intimista en la que van apareciendo poco a poco canciones como She's lost control, Disorder, Transmission, Love will teart us apart, con unas letras depresivas y suicidas recordándonos incluso a los Poetas suicidas...el suicidio aparece a lo largo de toda la película con forma de tendedero (una palabra un poco fea para ese acto final) hasta terminar con su vida.
La fotografía a cargo de Martin Ruhe rehuye el feismo de la época para transformarla en una belleza en blanco y negro, una belleza industrial que en realidad hace que olvides en la ciudad y época en la que vivía Ian.

Una peli que no debe perderse ningún fan de Ian Curtis o del grupo Joy Division...con unas buenas interpretaciones de Sam Riley como Ian Curtis y Samantha Morton interpretando a Debbie. Donde sus canciones explican como era su vida y lo desgraciado que llegó a ser en determinados momentos sobre todo por su enfermedad (epilepsia), pero gracias a ella podemos tenerlo un poco más cerca cada vez que la visionamos y vemos esos bailes espasmódicos que hacia en sus conciertos, esa transformación que sentía cada vez que empezaba un concierto.

Un hombre que no sabía lo que quería y que lo único que quería en realidad era vivir, pero las circunstacias y su mente se lo impidieron. Una buena película para conocer un poco más a esa increible banda que fue Joy Division.

Roman Polanski.

Estamos antes un autor que ha sobrevivido a todo tipo de desgracias, la muerte de su mujer Sharon Tate en 1968 y luego los pormenores que vivió y vive con la presunta violación a una menor en los años 70's y con todo esto su cine prevalece por encima de todo, un autor que desde 1962 con su primer largo "El cuchillo en el agua" se ha ganado un nombre propio en el cine contemporáneo de autor.
Su cine es ante todo psicológico, con personajes llevados al extremo, como se puede ver en sus primeras películas "Repulsión" (1965), "La semilla del diablo" (1968), y en obras más recientes como "El escritor" (2010), en donde prevalecen problemas o situaciones que atormentan a los personajes y no los deja ni un solo momento en toda la película (ni a los espectadores).
Polanski sobre todo ha triunfado en el género de suspense o thriller, desde los comienzos fue su género preferido, tras los títulos ya mencionados, vendría la gran "Chinatown" donde incluso se reservaba un interesante papel, "Tess" (1979) un drama con toques algo oscuros, "Frenético" (1988) un thriller angustioso en Paris con Harrison Ford, "Lunas de hiel" (1992), "La novena puerta" (1999), hasta llegar a "El escritor" (2010)...una de los grandes películas de suspense del último lustro.
Aunque también ha tenido severos batacazos como todo director como por ejemplo la comedia "Che?" (1972), "Piratas" (1986), o más recientemente "Oliver Twist" (2005) qué aunque siendo una más que correcta adaptación de la novela de Dickens no llamó tanto la atención ni a críticos ni a espectadores.
Tampoco se puede olvidar ´"El pianista" (2002), que consagró a Adrien Brody como actor y su figura como director la consagró aún más.
Y en el 2011 Roman estrenó "Un dios salvaje" adaptando una obra de teatro de Yasmine Reza, una de las películas más interesantes del pasado año pero que no ha tenido tanta repercusión como otras películas y todavía en los cines.
Aunque para mí Roman siempre será sinónimo de cine de calidad y de autor..un autor con una mirada única y un poco perversa. Uno de mis favoritos clásicos y contemporáneos.

"La piel que habito", Pedro Almodóvar, 2011.

Almodóvar es la estrella, su cine aunque no guste tiene personalidad propia, tiene un sello propio, ya realice comedia, drama, melodrama, en esta ocasión se acerca más a "Hable con ella" (2002) o "Kika" (1993), que a sus dos últimas pelis "Volver" (2006) o "Los abrazos rotos", (2009)..
Adapta la novela de Thierry Jonquet llamada "Tarántula" con la ayuda de su hermano Agustín, y todo o casi todo queda en familia con la aparición de los geniales Jose Luis Alcaine en la fotografía y del muy internacional Alberto Iglesias en la BSO; y en el vestuario de Jean Paul Gaultier (sobre todo en los monos...y diseños)..y hace poco que la película obtuvo unas cuantas nominaciones para los Goya (una pena que no fuera a los óscars). A veces me recordaba a la gran "El coleccionista" de William Wyler.
Aunque Almodóvar se adentre en el thriller cientifico, tal cual David Cronenberg, sigue teniendo los diálogos Almodovarianos, a veces sin sentido o surrealistas..y como dije antes con personalidad propia desde el inicio. La historia comienza en Toledo como si hubiera empezado en cualquier otro sitio del mundo, no es relevante pero se nos dice...una historia con referencias a cualquier doctor hiper loco, desde Frankestein, a cualquier médico actual que tenga un ego bastante importante.

Antonio Banderas es el científico Robert Ledgard que está investigando la busqueda de una piel sintética que sea más perfecta que la piel humana, y para ello "usa" a personas, esa busqueda de la perfección, y no escatima en nada para volver a tener a su mujer junto a él. Vera Cruz (nombre cinematográfico) es Elena Anaya (se sale en la peli) y es la elegida por el doctor para conseguir la piel ansiada y a la persona amada y deseada. Todo esto ocurre en una clínica, con historias familiares, con desenlaces almodovarianos, y con personajes llevados al extremo como el de Marillia (Marisa Paredes) o Roberto Álamo ( Tigre Zeca) haciendo de tigre salido. La historia está dividida en dos partes, la primera en la que nos explica el porqué de la busqueda..y el porqué se comporta de esa manera el doctor Robert (a veces un poco raro Antonio Banderas), y la segunda es la aparición en escena de Vicente (un sorprendente Jan Cornet),  la transformación, y en un flash back nos exlica lo que ocurrió en el pasado...pero ya no contaré nada más (no spoileres). Otras apariciones son los actores Eduard Fernández y Jose Luis Gómez que vuelve a repetir con Pedro.

Una peli sorprendente, que mezcla géneros, thriller, drama, y como ya dije antes nos recuerda a sus diálogos más surrealistas como los de "Volver" (2006), aunque mantiene las apariciones musicales un poco fuera de lugar, en esta ocasión Buika (en "Volver" Caetano Veloso), o el sexo exagerado aunque más que exagerado teatral....y el principio del personaje de Banderas, que va aumentando poco a poco en peso interpretativo.

Tampoco está lejos del costumbrismo de "Volver" ni de los asesinatos, que a lo largo de la filmografía de Almodóvar es algo bastante recurrente...pero el final de "La piel que habito"..está rematado a la perfección..y solamente queda decir que es un Pedro Almodóvar. Y se merecía estar en los Óscars.

"24 Hour Party People", Michael Winterbottom, 2002

Primero "24 Hour Party people" es una canción de los mítico Joy Division, y segundo una película del ecléptico director británico Michael Winterbottom, uno de los cineastas actuales más interesantes por sus diferentes puntos de vista de cualquier tema social, político o artístico...veáse "9 songs" (2004), "Wonderland", (1999) o "Código 46" (2003).
La historia gira alrededor de la música, desde el nacimiento de la New Wave haya por el año 1976 y del nacimiento de los Joy Division (antes llamados Warsaw), hasta principios de los años 90's con la llegada de nuevos tiempos. Contada desde el punto de vista del excéntrico periodista Tony Wilson (genial Steve Coogan), creador de la sala The Factory (el nombre lo coge por las fábricas de Manchester) en el año 76, y nos cuenta los avances de la empresa hasta convertirse en el Fac 51 en 1982 hasta adoptar el nombre definitvo de la Factoria y sus famosos despachos (mítica mesa).
La película nos cuenta el nacimiento de dos bandas emblemáticas de la música inglesa, la primera Joy division liderada por Ian Curtis (Sean Harris) que por su muerte anticipada cambiará de nombre en los 80's pasádose a llamar New Order igual de míticos y la segunda banda Happy Mondays en las que se encuentran los hermanos Ryder, unos pequeños locos egolatras que con la ayuda de Tony Wilson saltaran hacía la fama...entre medias usando a Martin Hannett (Andy Serkis) como eje de la historia, el famoso y genial ingeniero de sonido...que siempre estaba borracho en los estudios de grabación. Durante la peli apareceran muchos grupos desde el grupo de Tony Wilson A certain ratio, Sex Pistols, Buzzcots, The Jam, The clash...empezando la película precisamente con el concierto de los Sex Pistols en el que se presentaron 42 personas, uno de ellos era Tony Wilson, y algunos de los miembros de los grupos más importantes de la época..
Además de música, aparecen muchos temas sociales, desde la muerte de Ian Curtis en 1980, hasta la descripción de los problemas sociales que asolaban Gran Bretaña en esa época (basura, gasolina); y también aparecen los diferentes programas que realizaba Wilson en la cadena de Televisión Granada, desde tirarse de un aladelta (al principio de la pelis) hasta entrevistar a un pastor que guiaba sus cabras con un pato.

Con una realización dinámica, original, que mezcla imágenes reales con el fake, y sobre todo las imagenes de los sueños o los "viajes" alucinógenos que aparece en la peli, desde la masacre de los hermanos Ryder con las palomas, o el viaje cocainomano de Wilson y la aparición de Dios también al señor Wilson. Con un sentido del humor que a veces nos recuerda a Danny Boyle, la peli se nos hace corta, contándonos las historias de estos grupos, que quizás cada uno se merecía una película...

Y en el apartado de las canciones o musical, son muchas las que aparecen a lo largo del metraje...desde "24 hour party people" de los Joy Division, "In the city" The Jam, "No more heroes" The stranglers, "Janie Jones" The clash, "Digital" Joy Division, "Flight" A certain radio"...."Hallelujah" Happy mondays, "Belfast" Orbital...y un largo etc...una genial BSO, para el disfrute de los fanes del punk, o de post-punk y del nacimiento de la New Wave, hasta llegar a principios de los 90's con la llegada de los primeros DJ...

Una peli sobre Manchester, la música, y los grandes grupos de música que ya son parte de la historia y que siempre los tendremos en nuestra mente.

"Agua para elefantes", Francis Lawrence, 2011.

Resulta a veces curiosa la conjunción de dos profesionales para llevar a cabo una película, en este caso se han unido Richard LaGravanese que es uno de los guionistas más reputados dentro del género melodrama romántico con títulos como "Posdata: te quiero" (2007) o "Los puentes de Madison (1995); y Martin Lawrence que fue quien realizó "Soy leyenda" (2007) y anteriormente "Constantine", (2005)...pero aún más curiosa es  la unión de una pareja más bien atípica la pequeña Reese Witherspoon y el vampiro Robert Pattinson.
Pero la película basada en el libro del mismo nombre de la autora Sara Gruen, se deja ver, bien realizada, y con unos personajes secundarios bastante curiosos, sobre todo los que viven a lo largo de esos vagones y quizás nos gustaría haber sabido más sobre ellos...La historia coincide en la gran depresión de 1929, pero trancurre en 1931 cuando Jacob (Robert Pattinson) se queda absolutamente sin nada, y decide huir de su pueblo, terminando por azar o destino en un circo, el circo de los hermanos Benzelli, el circo es gobernado con mano dura por August (gran Christoph Waltz), y en el circo también conocerá a la domadora de caballos Marlene (Reese Witherspoon) quién será la que le de bastantes quebraderos de cabeza, y todos los personajes que van apareciendo poco a poco Camel (Jim Norton), Walter (Mark Povinelli), y sobre todo Rosie (Tai) que es el elefante que doma Jacob siendo casi el personaje más importante de la peli, la elefanta Rosie. La historia está contada por el mismo Jacob pero han pasado varios años (Hal Holbrook)...y termina en otro circo y por causas diferentes.

La película es un drama, donde nos cuenta la relación entre Marlene y Jacob, y quizás es lo menos importante (al menos para mí); porque lo que más me gusta de la peli, es la recreación del circo, lo que ocurre en el, o dentro del tren, las diferentes vidas, pero es una pena que no nos cuente con más detalle esas vidas, de esos personajes secundarios.También aparece un trio, un trio bastante previsible y aceptado por el autoritario y algo psicópata August,que terminará con la "paz" del circo.

Y lo bueno es que hace bastante tiempo que no se realizan películas sobre el mundo del circo, un tanto olvidado, ya nos quedan lejos las películas de este género que se rodaron en los años 50 y que en alguna ocasión barrieron en los óscars con "El mayor espectáculo del mundo" (1952).

Una peli curiosa, nada pretenciosa con buenas interpretaciones, aunque la pareja Jacob/Marlene no tengán demasiada química, para fanes del romance melodramático..lejos de esas pelis telefilmeras de los Sábados por la tarde...¡ah! el vampiro no lo hace nada mal.