"Minority Report", Steven Spielberg, 2002.

Hollywood sigue todavía con la obsesión de seguir adaptando relatos y novelas de Philip K.Dick siendo la última la más que aceptable "Destino oculto" (2011) de George Nolfi. Aunque otras no corrieron tanta suerte como "Next" (2007) en la que aparecía el gran Nicolas Cage.
Spielberg empezó el nuevo siglo con algo de miedo de perder popularidad y no seguir en la cresta de la ola. Encadenando un proyecto tras otro a principios de siglo. A la díficil y controvertida "A.I. Inteligencia artificial" (2000) con influencias de Dick y la historia de Pinocho escrita por Carlo Colldi. Le siguieron dos películas más "Minority Report"(2002) y "Atrápame si puedes" (2002), las dos dirigidas en el mismo año.
"Minority Report" es otra distopia o historia terrorífica que inventa el ser humano y que sucede en el año 2056. Porque atrapar criminales antes de que hayan cometido un asesinato no es demasiado normal ni democrático.
Para ello contrató a Tom Cruise (John Anderton) que participaría más adelante en otro proyecto con Steven, "La guerra de los mundos" (2005). Con esos dos nombres la película arrasaría en taquilla.
Una historia de policias y crimenes en el futuro. Aderezada con un poco de acción a lo Indiana Jones, sentido del humor y suspense. Se nota la mano de Spielberg en secuencias como la de los ojos que se le caen entrando en el oráculo, o la persecución de las arañas mecánicas (que parecen ratones del ordenador) de todos los humanos que viven en un edificio. Spielberg tiene mucho sentido del humor.
Durante toda la película van apareciendo personajes extraños y situaciones que parecen aún más extrañas. Es el año 2056 y todavía los muebles son normales o contemporáneos. Situaciones atemporales.
Personajes que le meten mano a John Anderton. Plantas que se mueven y que cobran vida. Saltos acrobáticos al más estilo Tarzán o a la más reciente "Indiana Jones y el reino de la Calavera de cristal" (2008).
En esta ocasión no buscan un arca perdida o un cáliz. Se busca un oráculo. Un oráculo que es humano y se llama Samantha y tiene dos hermanos gemelos. Samantha que a veces recuerda a Leelo de "El quinto elemento" (1997).
Obviando la acción que es de ciencia ficción e imposible. La película tiene bastante ritmo y es divertida. Gracias a la edición del ya habitual en las películas de Spielberg;Michael Kahn y a la genial fotografía de Janusz Kaminski que realizó la fotografía de "La lista de Schindler" (1993).
Estamos antes una película que es bastante Spielberiana aunque no trate demasiado bien al genial Dick.
Una película que no debe faltar a todos
los fanes de este genial director que parece que ultimamente es más detestado de lo habitual.

"Trance", Danny Boyle, 2013.

Desde su primer largo "Tumba abierta" (1995) Danny ha tenido siempre un cierto gusto por el thriller o suspense. "Tumba abierta" a igual que "Trance" (2013) se basa en la psicología de los personajes y sus obsesiones.
Casi siempre todos los protagonistas de sus historias son personajes que persiguen o son perseguidos por una obsesión. A Danny Boyle no le gusta moverse siempre por territorios conocidos, siempre elije un tema o género diferente. Solamente hay que recordar su anterior película "127 horas" (2010), donde la psicología también juega un papel importante.
"Trance" es un thriller puro y duro, donde nada es lo que parece. Casi siempre nos engañará y nos introducirá en su tela de araña algunas veces díficil de seguir, con historias inventadas (o no) por el trance de su principal protagonista Simon (James McAvoy).
Pertenece al género de robos imposibles, ese género que necesita un excelente guión para que funcione perfectamente. Pero en este caso Danny Boyle usa la edición como su principal arma, una edición extraña y virguera pero que mezcla las diferentes historias de una manera sutil.
El resumen de la película sería fácil y sería el de Simon dice. Simon siempre se encontrará ente la espada y la pared. O entre la guapa y sugerente Elizabeth (Rosario Dawson) y el enigmático Franck (Vincent Cassel). Un trio enganchado al trance y al arte. O en especial a un cuadro.
"Trance" también es una historia sobre ideas y obsesiones. Posesión y pensamientos reprimidos.

"Las brujas en el aire" cuadro de Goya es casi el principal protagonista de la película. Cuadro terminado en 1798. El nombre del cuadro intuye lo que será la historia. Todo está en el aire o en la hipnosis. Goya terminó con la belleza pura y empezó el realismo. James enamorado de la belleza impúdica.
"Trance" parece que sigue la moda o la fascinación de la mente humana en el cine. Por recordar dos de las más populares del último lustro como "Origen" (2010) o "Shutter island" (2010), pero "Trance" se imbuye en el trance de sus personajes. Al fin y al cabo es un canto a la libertad de pensar y hacer lo que le da la gana a cada persona, una especie de carpe diem.

"Stoker", Park Chan-Wook, 2013.

Puede que Bram Stoker fuera un ancestro de estos Stoker. Una familia algo tocada y muy cercana a Dexter Morgan, un ejemplo de familia disfuncional. Park Chan-Wook sigue estando con nosotros aunque haya dirigido lejos de Corea del Sur. Su cine y su manera de contar sigue estando presente en esta película aunque Jeong Seo-Gyeong que es su guionista preferido no estuviera presente. Y se echa de menos.
Aunque Park no haya sacrificado su manera de relatar o contar historias, con planos y continuidades de su estilo. La historia a veces es excesivamente fría y videoclipera al estilo Sofia Coppola. Es una mezcla de un relato del pleno romanticismo con las ideas locas de por ejemplo un Alfred Hitchcock o Brian de Palma.
Aunque el guión no sea un derroche de originalidad, si son originales los detalles que la rodean y envuelven. Todos esos detalles nos sirven como las miguitas que aparece en los cuentos para seguir un sendero.
Los Stoker no son una familia normal. Y eso lo sabía muy bien Richard (Dermot Mulroney) llevándose a su querídisima y dulce hija de caza. Para que India (una genial Mia Wasikowska) se alejara más tiempo del tiempo real. Pero India siempre tendrá ganas de cazar como si fuera un vampiro de Bram Stoker.
Esas ganas de cazar aumentan cuando en la historia aparece su tío Charles Stoker (Matthew Goode) otro miembro de la familia Stoker, aún menos cuerdo que los demás. Aumentan sus ganas de cazar y de tener orgasmos.
Las arañas aparecen por todas partes. Y estas se les suben por las piernas a Mia y luego a Charles por la cara. Las arañas pertenecen a la familia Stoker.
Park en esta ocasión no juega con la violencia ni con la venganza. Juega con otro sentimiento que también está muy cercano. Los celos. Y estos celos psicóticos harán que aparezca un afán de posesión muy fuerte. Tan fuerte que sobrepasa la frontera de la locura.
De nuevo estamos ante una película circular. Ese recurso tan utilizado a veces que parece que se convierta en un sueño o pesadilla.
Lo mejor de la película son pequeños detalles en los que podemos recordar al director de "Old Boy" (2003) o "Thirst" (2009). Lo peor de la película es que estamos ante un producto demasiado frío y prefabricado que ni el propio Park se cree. O lo que es peor un encargo descarado.

"La caza", Thomas Vinterberg, 2012 /"Jagten".

Cuando empieza una película con un grupo de amigos saltando al agua y pasándolo bien y Van Morrison con su Moondance sonando no imaginas que el título de la película cobrará casi vida propia transformándose poco a poco en lo que es, una caza. Una caza de brujas al estilo de la Inquisición o la edad media.
Vinterberg regresa al género donde se encuentra más cómodo. El género social/terrorífico donde nos retrata todos los males y pecados que tiene el ser humano y su sociedad. Pecado por decirlo de buena manera.
Regresa a las celebraciones y reuniones como ya hizo en su momento con la dogmática "Celebración" (1998) posiblemente la mejor película de ese dogma y uno de los mayores puñetazos que me han dado estando delante de una pantalla de cine.
Posiblemente Vinterbeg puede que sea uno de los herederos de Haneke. Con ese realismo no tan sucio o directo, pero si muy real y cercano. Historias que van cobrando vida poco a poco, historias que parecen que son de ciencia ficción pero sabes que realmente pueden pasar. Y de hecho pasan. Al final parece que lo mejor es no acercarte a un niño o desconfiar de todo el mundo.

Lucas (un gran y contenido Mads Mikkelsen, me recuerda al Dustin Hoffman de "Perros de paja") realmente vive una pesadilla. Una pesadilla que no se cree. Un hombre integro que se niega en todo momento a intentar convencer a alguién, ni a su amante Nadja (Alexandra Rapaport). Pero esa pesadilla se convierte en realidad y se convierte en una caza. Una caza terrorífica donde se ve involucrado hasta sus amigos más cercanos.
Y todo pasa en la maravillosa y cercana Navidad. Donde antes los niños y profesores parecen que se hayan escapado de "El pueblo de los malditos" (1960) y tengan ganas de linchar a alguién.
Con una realización nada preciosista Vinterberg se apoya en los maravillosos actores y en una especie de obra de teatro de tres actos. Noviembre, diciembre y Navidad. En estos meses es cuando Lucas sufre esa caza. Una locura de caza donde todos podemos sentirnos un poco identificados tanto por una parte como por otra. Vinterberg te mete el brazo hasta dentro para que te duela.

"Profesor Lazhar", Philippe Falardeau, 2011.

A veces es difícil escribir sobre una película sin destriparla. Sin contar nada de ella. Esta son de esas películas que de una manera sutil y ligera (a veces no tan ligera) describe al ser humano y como nos comportamos ante diversas situaciones. Ya sea incluso Canadá, uno de los países con mayor número de refugiados, los prejuicios siempre están ahí. A la vuelta de la esquina.
Philippe Falardeau en esta historia nos habla de muchísimas cosas: Sistemas educativos, refugiados, terrorismo, soledad...Bachir (grandísimo Mohamed Fellag) por una circunstancia se convierte en el centro de la historia. Se convierte en el profesor de unos alumnos algo desorientados y a la vez maduros entre los que se encuentra Alice (Sophie Nélisse) y Simon (Émilien Néron).
Al igual que en "La clase" (2008) una película mucho más pedagógica que esta o incluso "En la casa" (2012) donde un profesor se ve involucrado en las vidas de dos alumnos nos advierte que mejor no "tocar" demasiado a los alumnos. En esta sociedad los alumnos son autenticas bombas. Pero a Bachir le gustan los niños y no puede reprimirse.
Bachir es un refugiado, un ex-funcionario que da dictados de Balzac. Con unos niños que en ese momento son crisálidas a punto de explotar. Los niños a esa edad pueden estallar cuando menos te lo esperas. Con unas ganas tremandas de soltarlo todo.
Es muy curioso que casi todos los personajes de esta película o les falte alguien en su familia o estén totalmente solos. La soledad rodea todo. Montreal la bella no se salva del fango como dice la madura Alice.
Y más alla de los personajes o de la historia. La película es casi perfecta. Uso de la elipsis de manera magistral. Recursos que no embotan ni aletargan. Fellag con una mirada o un movimiento se encargará de decirlo todo. Con un final increíblemente bonito. La fábula ya no puede seguir, a la sociedad no le gusta las fábulas. Ni que terminen bien.
Falardeau se ha convertido en un cineasta a seguir. Con ese perfil de eterno adolescente tendrá difícil meterse en este mundo (del cine comercial) que a veces los refugiados importan muy poco o nada.
Alice y Simon están calmados. ¿Y nosotros?.

"Siete psicópatas", Martin McDonagh, 2012.

No creo que sea justo que cada vez que veamos una película que hable sobre gangster o mafias y el guión sea un poco surrealista o diferente nos acordemos de "Pulp fiction" (1994) (aunque sea casi obligatorio) y de Tarantino.
Martin dejó el listón muy alto con su primera película "Escondidos en brujas" (2008) y con sus personajes llenos de dudas. Han pasado cuatro años para que McDonagh escriba y realice su segunda película, qué perfectamente podría ser una continuación de su primera película. Otra vez esos personajes llenos de dudas y preguntas existencialistas aparecen en la historia.
"Siete psicópatas" es un ejercicio de guión. Durante toda la película juega con varias historias de psicópatas, unos inventados y otros no tan inventados. Pero esos psicópatas poco a poco irán cobrando vida, personajes que parecían fantasmas y que de repente dejan de serlo.
Desde el inicio nos deja bien claro por donde va a ir la película. Diálogos surrealistas y pulp.
Mezclar secuestros de perros, un guión y algunos locos no debe de ser nada fácil. Pero la historia no decae sino al revés, cuanto más avanza la película más locos y exagerados se van volviendo los personajes. Y más cariño le coges.
Como en "Escondidos en Brujas" (2008) parece que el principal personaje de la película Marty (Colin Farrell) tiene un imán para atraer todo tipo de problemas y psicópatas. Y más cuando debe escribir un guión y no tiene ninguna historia en mente, personaje parecido al de "Barton Fink" (1991) pero no tan sufrido como John Turturro.
No debe ser buena idea buscar psicópatas a través de un anuncio de un periódico. Pero Billy (Sam Rockwell) lo hace y a base de bien. Con ese anuncio poco a poco se van hilvanando todos esos psicópatas. Una breve historia de los mayores asesinos en serie americanos. Asesinos de asesinos a lo Bonnie and clyde (1967). También hay un breve momento para Zodiac.
Como en casi todas las películas la amistad y el amor están presente. Y en esta realmente están muy presente. Casi todo lo que hacen los personajes es por amor a alguien. Asesinan por amor y por amistad.
Al fin y al cabo "Siete psicópatas" no solamente es una película de asesinos. También es cine dentro del cine. Con grandes detalles y referencias cuando hablan del guión de Marty.
Atención a todo el casting y al gran Christopher Walken (Hans). Para fanes del cine pulp y surrealista.

"Star Trek: En la oscuridad", J.J. Abrams, 2013.

J.J. Abrams sigue "jugando" con nosotros. Desde ese comienzo espectacular en ese planeta con selvas extrañas y tribus ancestrales ya nos presenta lo que va a ser la siguiente historia de los tripulantes de la Enterprise. Aventuras y más aventuras como en la anterior "Star trek" 2009.
Si en la primera Abrams nos presentó a Kirk (Chris Pine), Spock (Zachary Quinto) y al resto de la tripulación. En esta segunda entrega nos presenta a Khan (Benedict Cumberbatch), el enemigo más poderoso que tendrán en un futuro. Un archienemigo como los que tiene Sheldon en Big bang Theory.
De hecho Sheldon casi copia la personalidad de Spock. ¿¿O es Spock quién la copia??.
A parte de estas preguntas tontas, Abrams sigue apostando por el cine de aventuras  como el de "Super 8" (2011). Si en aquella ocasión nos recordó el cine de los 80's, ese cine pro-amistad duradera e infinita. En esta, Abrams apuesta por lo mismo: Acción, giros argumentales y amistad.
Abrams sigue la ruta predeterminda por la Enterprise. Sigue sus consignas. Siguen los mismos personajes y la misma comicidad (pese a los medios no se toma en serio) de los diálogos entre Kirk y Spock o las metáforas del Doctor Bones (Karl Urban).
Pero pese al nombre. No es demasiado oscura. La oscuridad proviene de Khan. El que lleva casi todo el peso de la película. Un malo malísimo parecido a los "malos" de la Marvel. La película tiene un punto de comic y también Marveliano.
En la película seguirán apareciendo detalles y comportamientos de los personajes que en un futuro se convertirán en saludo mediático. Como en la primera en donde nos contaba porque Kirk entró a formar parte de la Enterprise o el porqué Spock se comporta de esa manera tan extraña. En esta es la continuación de los comportamientos de aquella primera película.
Esta continuación es fresca y divertida. Una película para el verano. Una saga que tendrá larga vida. Como los tripulantes de la Enterprise.
El guión sigue funcionando por encima del barroquismo de esos efectos especiales que al final llegan a saturar un poco. Los efectos especiales son el "mal" de este tipo de pelis. Pero por ahora el guión sobrevive por encima de ellos.
El siguiente paso de Abrams es "Star Wars VII".

"Animal Kingdom", David Michôd, 2010.

En el reino animal se presupone que los animales poderosos siempre vencen o se alimentan de los inferiores. Algunas veces eso no pasa.
"Animal Kingdom" es una radiografía de una familia un tanto especial. La familia Cody. Una familia con nombre de oeste americano. A esta familia le llega por causas del destino otro miembro más: J o Joshua (James Frecheville) un adolescente tranquilo, apático e incluso me atrevería a decir un poco insensible que se ve de lleno metido en los problemas de la familia Cody.
David Michôd escribe y realiza lo que es su primera película. Una de las mejores operas primas que he visto últimamente. Lastima que haya tardado tres años en verla.
Es verdad que la familia no es un tema bastante original y que se ha visto muchas veces en el cine negro. La familia es la base del poder de la mafia. Solamente hay que recordar "El Padrino" (1972) (un ejemplo que sirve siempre) o la más cercana "Uno de los nuestros"(1990) .

Pero lo interesante en "Animal Kingdom" no es precisamente eso. Lo interesante es el ambiente de opresión o claustrofobia que J sufre durante toda la película. Como Michôd cuenta la historia de la familia Cody o su desmembramiento bajo la mirada de Joshua. Una mirada impasible y que poco a poco va anotando y grabando todo lo que ocurre a su alrededor. Es como una especie de camaleón que se esconde del enemigo. Su enemigo es Pop Cody (Ben Mendelsohn).
Aquí todos se comportan de la misma manera. Policas VS Codys. Sin ningún miramiento ni pudor. Se destrozan entre ellos. Como en la serie "The wire" (2002) todo se hace por alguna causa. Y la causa soy yo y la familia. La familia pertenece al reino animal.
Llega un punto en la historia en que Joshua se desestabiliza. Hace un click. Suelta todos sus sentimientos (la primera vez que lo hace) y pierde el miedo a lo que le pueda pasar. En ese momento y con la ayuda del sargento Nathan (Guy Pearce) el reino animal se viene abajo. El ratón vence al gato.
Pero también nos relata lo fácil que es engañar al sistema. Un sistema podrido de arriba a abajo. La familia a veces también se pudre y más cuando tienes a una abuela como Janine "Smurf" Cody (Jackie Weaver) que solamente piensa en que sus hijos sobrevivan aunque tenga que hacer prácticamente de todo para que lo hagan.
Creo que gustará a todos los fanes del genero del cine Negro. Además una mirada fresca y nueva.

"El gran Gatsby", Baz Luhrmann, 2013.

Más que compararla con la novela de Fitzgerald o con la anterior versión de "El gran Gatsby" (1974) dirigida por Jack Clayton y protagonizada por el mediático Robert Redford habría que hacerlo con sus anteriores películas de su filmografía.
"El gran Gatsby" sigue siendo Baz al 100%. Excesos, barroquismo, romanticismo, epicidad y en esta encima hay que añadirle una pincelada oscura que es la primera vez que aparece en el cine de Baz. Al menos en sus largos.
Desde su primera película "El amor está en el aire" (1992) nos deja claro lo que va a ser el camino de baldosas a seguir. En todas sus películas el romanticismo está presente y un romanticismo que llega a ser masoquista en la mayoría de las ocasiones "Romeo y Julieta" (1996) o "Moulin Rouge" (2001) por ejemplo.
Puede que el mayor logro de Baz sea convertir cualquier cosa en un espectáculo de grandes dimensiones y encima popular. Solamente hay que recordar "Moulin Rouge" y en lo que lo convirtió con la ayuda de la música de Craig Armstrong y con un diseño de vestuario de Catherine Martin.
Para no repetir el pequeño fiasco que supuso "Australia" (2008). Baz no quería fallar de nuevo y de esa manera contó de nuevo con su guionista Craig Pearce (Moulin Rouge) y al mando de la música de nuevo Craig Armstrong y un elenco musical muy poderoso (Jay Z, Beyoncé, The XX y un largo etc). Jay Z es uno de los productores ejecutivos de la película. Ahí es nada.
"El gran Gatsby" está más cerca de "Moulin Rouge" que a cualquier otra película. El inicio nos recordaba a aquel "Moulin Rouge" pero un pelín más superficial y frio. Pero en cuanto la trama y los personajes se complican la superficialidad desaparece e incluso ya no te acuerdas del "Moulin Rouge" y su espectacularidad. Ha nacido Jay Gatsby (gran Leonardo DiCaprio) para buscar esa luz verde y poder atraparla.
Acierta presentándonos a los personajes de la mano de Nick Carraway (Tobey Maguire) tal y como sucedia en la novela. Carraway nos describe la hipocresía de ese momento y de esa manera de vivir. Sobre todo de todos los personajes que acompañaban a Jay. Incluida su gran amor Daisy (Carey Mulligan).
"El gran Gatsby" además de ser barroca y tener excesos visuales sobre todo su primera mitad. Es una gozada toda la recreación, sobre todo  las dos mansiones una enfrente de la otra o el paso del Eden al infierno de la industrialización, una especie de Mordor.
Luhrmann acierta en no repetir de nuevo "El gran Gatsby" de una manera clásica. La traslada y la lleva a su terreno. Una orgía visual y musical. Enfrentar dos mundos y dos familias. Los Buchanan (conservadores) y la nueva familia como individuo: Gatsby otra manera de pensar del nuevo siglo casi iniciado.
Una crítica a la manera en que se vivía en esa década. Una década bisagra entre dos guerras. No podía traer nada halagüeño. Como al final nos cuenta Carraway y del porque de su depresión. La gente. La gente que se acercaba a Gatsby era como garrapatas. Y é
l fue el único que recibió una invitación para ir a una fiesta de su compañero Gatsby.
Disfrutemos del espectáculo y dejémonos llevar por la atemporalidad y exceso de Baz.

"Bestias del sur salvaje", Benh Zeitlin, 2012.

Ahora pasan tornados por los EEUU y arrasan ciudades y estados enteros. Y la gente que habita esos lugares permanecen allí inamovibles. No quieren irse y dejar lo que consideran su hogar. Lo mismo pasó en Nueva Orleans con el Katrina en el 2005. La mayoría de las personas que vivian allí casi fueron obligados a cambiar o mudarse de ciudad.
A esta familia compuesta por un padre enfermo (Dwight Henry) y su pequeña hija (Quvenzhané Wallis) le ocurre lo mismo. No quieren abandonar ni su hogar (aún con las malas condiciones) ni a su comunidad compuesta por niñas abandonadas (solamente niñas) y personas ya maduras sin nada que perder en sus vidas. Es la comunidad Bayou donde solamente viven unas doscientas personas.
Benh Zeitlin prefiere contarnos la historia como si fuera un cuento o una fábula a través de los ojos y pensamientos de Hushpuppy. Una niña pequeña de seis años a la que le gusta sentir los latidos de los corazones ya sea su padre, un cerdo, o un cangrejo.
Un dique separa estos dos mundos. El mundo avanzado (Nueva Orleans) y su mundo a la que llaman balsa (Grand Bayou), un lugar con solo un metro de elevación sobre el nivel del mal. Casi condenada a desaparecer con el tiempo y las tormentas.
Durante la historia Zeitlin nos inunda con historias y cuentos prehistóricos. Cuentos que transpasaran la línea de la ficción a lo real. Que a veces nos recuerdan al universo de Miyazaki sobre todo a la película "La princesa Mononoke" (1997).
A su vez Zeitlin crítica el abuso del estado democrático. Crítica al estado de no poder elegir vivir como se quiera (aunque a nosotros no nos guste ese modelo de vida). De ahí ese dique que delinea dos mundos. Cualquier muro o dique supone una separación que puede llegar a ser mortal para una comunidad. Solamente debemos recordar que muros nos vienen a la cabeza para demostrarlo.
Tampoco elige la belleza para retratar ese mundo. Elige lo feo y lo sucio. Un padre autoritario al que llama a su hija tio no debe ser un mundo bello. Pero Hushpuppy y la comunidad Bayou consigue que al menos por una hora y media ese mundo sea bello y bonito.
Sobre todo hacia el final de la historia cuando la ficción y la realidad se cruzan. O cuando Hushpuppy busca esa sirena perdida junto a los demás pequeños.
Creo que merece la pena imbuirse en el mundo de Hushpuppy y leer sus pensamientos. O que ella simplemente los diga.

"De óxido y hueso", Jacques Audiard, 2012.

A Audiard le encanta establecer unas reglas. Unas reglas del juego duras aunque de juego tiene más bien poco. Describe los momentos más duros de la vida como tal ocurrió en "Un profeta" (2009), dónde nos presenta y cuenta lo que le ocurre a Malik un chaval de 19 años entrando en una cárcel.
"De óxido y hueso" es totalmente diferente a "Un profeta" en cuanto a género pero tiene en común el destino. El destino de los personajes. Y que al fin y al cabo son fábulas del siglo XXI.
En "De óxido y hueso" Stephanie y Alain se encuentran casualmente y desde ese encuentro sus vidas iran unidas de la mano. Una historia que habla de hueso y la otra que habla del óxido.
Dos historias que se entrecruzan y que nos habla de diversos problemas sociales. Desde la ya famosa "crisis" que se ceba en todos los países y donde la gente se inventa negocios o cruzan la línea de la legalidad para sacar su trozo de pastel. La inmigración o la educación son otros temas que Audiard toca.
Aunque el tema principal es la soledad y la falta de sentimientos. Deben de aprender a estar solos y sentir. Sentir algunas veces no es nada fácil en la vida.
Audiard con la ayuda de Bidegain construye unos personajes increíbles. Te llegas a meter en sus problemas y te caen bien esos personajes aunque hagan cosas que nunca haríamos.
Ayudado por una realización exquisita. Rueda de una manera muy real y social como Guédiguian. No introduce colorantes para ensalzar su sabor. Con unas cuantas secuencias increíbles como la llegada a la playa o el reencuentro con una orca Audiard nos está describiendo la importancia que tienen las cosas que hacías diariamente y que de repente te las quitan de las manos o de tu vida. Es como revivir de nuevo. Una segunda oportunidad.
Cuando las piezas están colocadas en el tablero y las piezas se reencuentran de nuevo es cuando la historia sigue otro camino. Un camino que quizás no esperábamos. Salen a relucir los miedos y los sentimientos. Cuando tienes a dos actores que con un simple movimiento o una mirada te está describiendo una situación todo es mucho más fácil. Cotillard y Schoenaerts literalmente se "comen" la pantalla, destrozan todos los mitos que tenemos de la actuación. Cotillard llega a estar sublime.
Y lo bueno de Audiard son los mensajes y lo que te quiere decir. Y con esta frase lo describe todo de un plumazo.
"En cada mano hay 27 huesos diferentes. Si te rompes un brazo o una pierna, el hueso crece de nuevo debido a la calcificación. Tu brazo o tu pierna por lo tanto, pueden llegar a ser aun más fuertes.
Pero una fractura en la mano nunca soldará del todo bién. En cada batalla y en cada golpe vas a pensar en ella. Debes de tener cuidado, porque de vez en cuando el dolor regresará. Son como pinchazos de agujas, parecidos a astillas de vidrio”.
Solamente queda disfrutarla y sufrir un poco.

"La noche más oscura", Kathryn Bigelow, 2012.

"La noche más oscura" está más cerca de ser un documental que una película. Crónica de una guerra escondida que ha durado 10 años desde su inicio el 11 de Septiembre de 2001 hasta la supuesta muerte de Osama Bin Laden el 2 de Mayo de 2011. Todo debe ser considerado como supuesto porque no tenemos ninguna prueba de que Osaba Bin Laden o OBL fuera asesinado esa noche.
Bigelow de nuevo se mete de lleno en un tema candente, una historia que no debe dejar indiferente a nadie que la visione. Al igual que ya pasó con "En tierra hostil" (2008) una película que además de mostrar lo que era la guerra de Iraq nos mostraba la parte psíquica de esos militares que se enganchaban a la adrenalina que la guerra le daba, prefiriendo desactivar bombas a cuidar de su familia.
Bigelow y Mark Boal (su guionista) nos relatan a base de ataques terroristas y hechos todo lo que ha realizado durante estos años Al Qaeda y Osama y los tantos fracasos de la CIA. Como por ejemplo los relatos llamados "Error humano" o "Los canarios", este último es el que relata el ataque a la villa de Bin Laden.
Pero va más allá de la simple narración de estos hechos. Nos cuenta todo estos años a través de la mirada de la agente especial Maya (Jessica Chastain) desde su llegada a Pakistan hasta el asesinato de OBL. Durante estos años Maya verá de todo y aprenderá de sus compañeros (Dan), los métodos de  torturas o como interrogar  a los prisioneros. La primera secuencia en donde se describe una tortura que realiza Dan (Jason Clarke) con la atenta mirada de Maya. Describe lo que es la película. Una mirada fría y distante es la que nos muestra Bigelow. Una mirada que puede ser condescendiente o no, eso ya lo decidimos nosotros al final de la película.
Durante toda la película nos vienen a la memoria aquellos nombres que los telediarios nombraban durante todos estos años. Maya los perseguía a todos. Hasta que dieron con el supuesto mensajero de OBL. Y esa noche en Abbottabad (Pakistán) terminó la persecución enfermiza de Maya hacía OBL.

Y también EEUU (Obama) dio por finalizada la guerra contra el terrorismo o contra Bin Laden. Pero como ya dije al principio todo huele mal en este asunto de la Operación Gerónimo . Y sobre todo con ese plano final descriptivo de Maya en el avión, un plano lleno de inseguridad y soledad. Me recuerda a Robert Graysmith de "Zodiac" (2007) o Mark Zuckerberg "La red social" (2010), dos personajes donde su obsesión no terminará nunca.
Es una historia interesante pero también llena de morbo. Quizás demasiada cerca de nuestra memoria visual. Y todo eso es lo que nos muestra Bigelow. Quizás demasiado frio y desangelado (no es negativo), exceptuando el último capítulo "Los canarios" donde nos demuestra su dominio del thriller o suspense. Solamente recordar "Le llaman Bodhi" (1991) o "Dias extraños" (1995).
 Me gustaría ver como es la versión paquistaní de la historia como ya pasó también con "Argo" (2012). Suele pasar con este tipo de historias. Pero Bigelow no nos deja nada claro. Somos nosotros los que decidimos creer o no.

"Small Apartments", Jonas Akerlund, 2012.

Algunas veces (me pasa de vez en cuando) me topo con películas raras o extrañas que casi nadie ha visto y me sorprenden gratamente.
En esta ocasión se trata de "Small apartments" del sueco Jonas Akerlund. Adaptando la novela de Chris Millis.
Todo ocurre en esos apartamentos pequeños y deprimentes. En esos apartamentos se cruzan la locura, la soledad y los sueños incumplidos. Personajes que parecen salidos de otros tiempos o de novelas pulp a lo Bukowski.
La trama gira alrededor del apartamento de Franklin Franklin (Matt Lucas). De hecho además de contarnos su historia, nos cuenta las historias de los apartamentos contiguos y del que está enfrente habitado por una sensual inquilina (Juno Temple). Al final todas esas historias se entrecruzaran por culpa de Franklin y un muerto (Peter Stormare) al estilo "Este muerto está muy vivo" (1989).
Humor absurdo y a veces muy negro recordándonos a la serie "Little Britain" (2003) o "Portlandia" (2011). Un humor que a veces llega a ser exagerado y ridículo. Muchas veces recordamos al director Jared Hess y a sus personajes outsider (por nombrar a uno).
Pero estos personajes raros y extraños que al inicio los vemos como unos perdedores (lo son a su manera) van birlando y esquivando esa locura para convertirse en personas, personas que siguen teniendo sueños. Sueños o recuerdos que de repente desaparecen sin esperarlo. De eso se trata la vida algunas veces.
Jonas nos confunde por la manera de describir sus personajes. Personajes que rallan la locura en unas ocasiones y otras seres totalmente cuerdos como por ejemplo Tommy Balls (Johnny Knoxville).
Franklin es un personaje extremo. Uno de esos personajes que te agarran y no te sueltan con su enorme tuba y su perro Bernard. Recordando a su hermano Bernard (James Marsden) el desencadenante de todo.
"Small apartments" es una película bizarra y en ocasiones fea. Con esos apartamentos casi terroríficos. Pero eso es lo bonito a veces. Sacar la belleza de las cosas feas. Nada ni nadie es perfecto. Una bonita historia que nos habla de la locura, de la amistad y del amor. Pero todo está difuminado por unos personajes siempre escondidos detrás de sus casas o apartamentos.
La película siempre está acompañada por la genial banda sonora de Per Gessle.
También la recomiendo porque  en ella aparecen los geniales James Caan (Mr. Allspice), Billy Cristal (Burt Wanut). En general el casting es espectacular. Rosie Perez, Amanda Plummer, Dolph Lundgren...
Para mí esta película ha sido toda una sorpresa. Vayamos todos con Franklin a Suiza a tocar la tuba.

"Iron Man 3", Shane Black, 2013.

Me llama mucho la atención cuando la ciencia ficción se confunde con la realidad. Posiblemente veámos "Iron Man 3" y nos quedemos en la superficialidad. Nos quedamos entre líneas. O no queramos ver el parecido de la realidad con la ficción.
En esta ocasión es El mandarín (gran Ben Kingsley) quien parece que se ha escapado de la realidad para meterse como si fuese Bin Laden en esta película. Y nos plantea esas preguntas que nos hacemos constantemente ¿Quiénes son terroristas?, ¿Quién está detrás de estos terroristas y de sus actos?. Solamente recordar lo que ha ocurrido recientemene en Boston para hacernos una idea de lo que puede ser o llegar a ser. O recordar la genial "Four lions", (2010).
El año pasado fue otra película de superhéroes quién comparó esa historia de ficción con la época actual "El caballero oscuro: La leyenda renace", (2012) no sé si a posta o no pero hizo una comparación cercana de como está el mundo en estos momentos. A ratos acertaba otras se quedaba en lo meramente orquestal.
Y cambiando de tema. Tony Stark sigue en forma y creo que incluso más en forma que antes. Además de no notarse en nada el cambio de director. Shane Black ("Kiss Kiss,Bang Bang") nos ofrece lo mismo que nos daba John Favreau: acción y humor a raudales. John Favreau tiene un personaje bastante divertido en esta.
Seguimos en el mundo Marvel quizás menos oscuro que el de DC. Tony Stark está aprendiendo a controlar sus miedos con la ayuda de la cada vez más guapa y menos florero Pepper Potts (Gwyneth Paltrow). Esta historia es la antesala de "Los vengadores 2" aunque estamos a la espera de la segunda entrega de "Thor" de Alan Taylor uno de los mejores realizadores de series americanos.

Siguiendo la línea argumental de las otras dos Iron Man y de "Los vengadores" (2012) Shane Black enfrenta a Iron Man a un enemigo del pasado y duro de roer como es el cientifico loco Aldrich Killiam (Guy Pearce se sale) y a su propia ansiedad generada por los recientes acontecimientos que ocurrieron en Nueva York con el famoso gusano.
Una cosa que me gusta y que no me agrada en demasia es el exceso de acción en determinadas ocasiones. Sobre todo en el muelle. Ese muelle que aparece en tantas películas como por ejemplo "Arma letal" (1987). Lo imposible se mezcla con el tebeo (que también es imposible) pero me refiero al imposible circense. Para eso es una película de super-héroes y pueden hacer cosas increibles. Ese chip hay que amputárselo desde el principio.
Otra cosa muy curiosa son las interminables referencias a otras películas. Desde "Historias de Navidad" (1983) a "Django" (1966) con Tony Stark arrastrando por la nieve a Iron Man. Y también un acercamiento demasiado juvenil a veces al cine ochentero con ese niño (Harley) jugando y bromeando con Tony.
En definitiva. Estamos ante un blockbuster sobre todo para fanes de Tony Stark (Roberty Downey Jr) ,de los conejos gigantes y de los virus extremos.

"Nameless gangster", Yun Jong-bin, 2012.

Viendo esta película casi por fuerza te viene a la mente el personaje que interpreta Al Pacino en "El precio del poder" (1983) ya que nos describe como asciende en la escala social una persona que al inicio no tiene casi importancia pero que agarrándose a políticos y a mafiosos llega a lo más alto. Pero claro en "El precio del poder" al final Montana se convierte en mafioso,  en esta Choi Ik-hyum (gran Choi Min-sik) nunca será reconocido como un gangster. Por ello esos gangster sin nombre.
Yun Jong-bin nos cuenta la ascención de un paria en la década de los 80 en Corea del Sur y más en contreto en Pusan. Un paria que trabajaba en aduanas, un funcionario que deja de serlo por trapichear y tener menos hijos en su familia que los demás funcionarios que trapichean lo mismo que él.
La vida de Chok cambia por completo y necesita subsistir. Al seguir trapicheando se encuentra con Choi Hyung-bae (Ha Jung-woo) y por asuntos de familia se convierten en socios. Aunque Choi Hyung-bae es un verdadero mafioso y Ik-hyum seguirá sin serlo y sin tener nombre.
Todo ocurre a lo largo de los años 80 al igual que en "Grupo 7" (2012) tenía una expo en el horizonte en esta es una Olimpiada. Todo vale para enriquecerse.

Esta vez el juego de la venganza no es tan importante como en otras películas coreanas. La violencia aparece a ritmo de bate y cuchillo (debido a la famosa ley anti armas que existe en Corea). Continuos enfrentamientos entre bandas. Como bien dice Choi Hyung si no peleas no somos gangster.
Con ritmo pausado vemos como va transformándose el personaje de Choi Ik , un superviviente nato que engañara a todo el mundo que tenga por delante (amigos, fiscales, mafiosos) para que su hijo pueda tener un futuro. Cosa que al final consigue.
También muy cercana a la historia de yakuzas que nos contó Kitano con su "Outrage" (2010). Al fin y al cabo las mafias existen porque la honradez no es su fuerte. Aunque los orientales quieran llevarlo por bandera no siempre se consigue.
Cine coreano en estado puro. Pero lleno de referencias al cine occidental (si la traducción es buena). Sino que se lo pregunten a Vito Corleono. ¿Verdad padrino?. Final impactante y directo.
¡Ah todo un lujo ver en pantalla juntos a Choi Min-sik y Ha Jung-woo!.

"Somos la noche", Dennis Gansel, 2010.

Parece que los vampiros nunca se cansan de buscar su amor aunque sea platónico. Y es algo que se repite en estos seres no muertos. Seres que si sienten y aman. Vampiros sin moral ni ética pero con su corazoncito (?) enamorado.
Dennis Gansel nos hace otro retrato de otro colectivo. En este caso de estas vampiras feministas. Conocido en España por sus anteriores trabajos que también describen mundos bastante terrorificos como la violencia y el nazismo como "La ola" (2008) y "Napola, escuela de élite nazi"(2004).
En este caso son tres vampiras que viven y disfrutan de su inmortalidad como quieren hasta que se cruza por su camino Lena (Karoline Herfurth) bastante parecida al principio a la delincuente cibernética Lisbeth Salander. El problema es que la  reina de las vampiras Louise (Nina Hoss) cae perdidamente enamorada de ella.
El universo de los vampiros es casi siempre igual aunque el canón de sus poderes siempre varía o cambia un poco según la mirada o la historia. Ultimamente se ve a dos clases de vampiros el vampiro involucrado para con la sociedad y su alter ego que piensa totalmente lo contrario (odia a los humanos). Se puede observar bastante con las nuevas series americanas que han puesto de moda de nuevo al vampirismo como son "True blood" (2008) y "Crónicas vampíricas" (2009), en estas series aparece las mismas cosas que nos quiere describer Gansel y persiguen sus vampiras. Olvidémonos de la saga amanecer que está más cerca de la licantropia o de "El árbol de la vida" (2011).
Por desgracia se aleja de esa realismo que aparecía en "Déjame entrar" (2008), y que por ello la ensalzó como una de las mejores películas sobre vampiros (del siglo XXI) ya que describe como son y como se tendrían que comportar estos seres olvidando ese romanticismo que a veces resulta un poco ñoño y estúpido.
Gansel nos regala una historia de vampiras (no hay vampiros), unas vampiras modernas y emancipadas y con ganas de pasarlo bien pero que en el fondo ya están hartas de su inmortalidad y de sus recuerdos. No olvidar y no poder enamorarse es una putada cuando las demás personas que están en tu vida van desapareciendo y tú sigues exactamente igual.
Con el telón de fondo de Berlin como en la genial "Hanna" (2011). Louise (Drácula) persigue a Lena (Mina) hasta convertirla en un nuevo ser. El patito feo Lisbeth se convierte en cisne Mina. Pero no todo van a ser facilidades para este cuarteto de vampiras. El amor, el pasado y los recuerdos se cruzan ante ellas.
La atracción algunas veces aparece cuando sientes que algo es muy díficil o extraño. En este caso la atracción surge entre una vampira/ladroncilla (Karoline Herfurth) y un policia (Max Riemelt).
Una historia sobre los miedos de los vampiros. Estas vampiras que no se reflejan en los cristales y que la luz las destroza. No son vampiros americanos.

"Oblivion", Joseph Kosinski, 2013.

"Oblivion" es una película realizada para y por Tom Cruise. Pero la sorpresa es que no está producida por Tom Cruise. "Oblivion" es un híbrido raro de ciencia ficción. Mezclas de distopias y sociedades futuras en una tierra totalmente destrozada.
Joseph Kosinski sigue con la ciencia ficción. Después de realizar la segunda parte de "Tron" (1982) con resultados un poco cortitos se atreve de nuevo con ella.
Jack (Tom Cruise) y Victoria (Andrea Riseborough) son la pareja que se dedican a vigilar que las plantas que sacan agua de la tierra sean atacadas por unos extraterrestres parecidos a los ewoks o personajes salidos de "Mad Max" (1979). Pero el asunto se complica cuando el curioso de Jack empieza a hacerse preguntas sobre todo lo que le rodea.
La historia empieza de manera lenta contándonos y describiéndonos como vive la pareja. Luego van apareciendo personajes y cabañas que hace que la historia cobre más acción y en ocasiones sea más inverosimil.
No sé si Kosinski vio en su momento "Moon"(2009) pero es que "Oblivion" se parece en demasia a aquella y para los que la hayan visto creo que canta demasiado aunque luego la historia vaya por otros derroteros. También realiza un pequeño homenaje a "2001: una odisea del espacio" cuando aparecen esos drones un poco cabroncetes que nos recuerda a Hal o la jefa Sally (la voz es de Melissa Leo) con mensajes cuasi religiosos que da las ordenes a esos drones.
Al inicio cuando nos describe como vive la pareja y Jack encuentra una planta nos recuerda un poco al ambiente y el mundo de "Wall-e" (2008). "Oblivion" es una mezcla de "Moon" (2009) y "Wall-E" (2008).
Podría haber sido una interesante y buena historia pero entre el ritmo cansino que le imprime Kosinski al inicio (con Tom por todos lados) y la pequeña locura en la que se convierte al final la historia decae un poco.
Tom aunque salga mucho lo hace bien en esta historia ya que le sienta bien el uniforme y además está acostumbrado a estas historias de ciencia ficción.
"Oblivion" es una película con un excelente acabado y a veces exquisita en ese sentido pero a veces se le va de la mano a Kosinski una idea que parece que está por encima de sus posibilidades. Eso sí dinero por un tubo va a dar.
Lo mejor:El ambiente de la película y lo peor algunos personajes como por ejemplo Beech (Morgan Freeman)

"Hansel y Gretel: Cazadores de brujas", Tommy Wirkola, 2013.

Nada que ver con el cuento de los hermanos Grimm. Wirkola el director de la loca "Zombis Nazis" (2009) reescribe la historia de estos hermanos que parece que se acercan un poco a un incesto light (platónico) más que a un cuento para niños.
Hansel y Gretel tras matar a una bruja y escapar de la casa de chocolate se convierten en los cazadores de brujas más populares de Alemania. Pasan quince años y la pareja regresa de nuevo a Augsburgo porque en los alrededores hay unas cuantas brujas que raptan a los niños de la ciudad.
Parece que se está poniendo de moda adaptar o reescribir viejos cuentos y leyendas (Blancanieves). Menos mal que Wirkola se aleja bastante de esos cuentos populares y se inventa una historia bastante loca y atemporal.
La historia es sencilla. Hansel (Jeremy Renner) y Gretel (guapa Gemma Aterton) regresan a Augsburgo para pararle los pies a la gran bruja negra Muriel (Famke Janssen). Ahí comenzará todo.
La película no es nada del otro mundo. Podría ser una película más de acción y de horror pero tiene cosas interesantes y frescas. Al menos no se toma en serio a sí misma y eso ya es de agradecer en este tipo de género.
"Hansel y Gretel" tiene el mismo humor loco que "Zombis Nazis" (2009) un humor que a veces es demasiado inocente pero que Wirkola sabe mezclarlo con un toque de gore que ultimamente es bastante díficil de ver en este tipo de pelis.
Puede que la película sea una auténtica coctelera porque cuando estas viéndola a ratos te viene a la mente Sam Raimi ("Arrastrame al infierno" (2009)) o las películas coreanas sobre todo por el ritmo que impone en la acción. Una película con bastante ritmo y divertida que en ningún momento decae.
El guión como la película no es excepcional pero tiene detalles muy curiosos (no los destriparé). En la historia aparecera casi de todo: Un sheriff bastante cabroncete (Peter Stormare), brujas negras y blancas, y hasta un troll. Menos mal que no son los troles que aparecen en "Troll hunter" (2010) o "David el gnomo".
Una peli bastante fresca y divertida para fanes de este tipo de películas bastante locas.
Lo mejor: Es que no se toma en serio a si misma, su humor y la sorprendente Famke Jannsen como bruja negra (Muriel). Y el aquelarre final.
Lo peor: Pues que casi no tiene ningún tipo de pretención y eso mismo hace que no haya tenido el éxito que se merecía.
Esperaré al loco de Wirkola. Aunque no sé si tendrá otra oportunidad en Hollywood. Una máquina de engullir y comer directores europeos.

"En la casa", François Ozon, 2012.

Algunas veces las relaciones son un poco extrañas o difíciles. En esta ocasión Ozon nos retrata y describe una familia de clase media a través de la mirada de un adolescente influenciado (o no) por su profesor de literatura.
Ozon todo un especialista en relaciones extrañas. Un autor que se ha ganado todo el respeto de Europa con sus películas e historias.
"En la casa" es una película que engancha. Cuando Claude Garcia (hipnótico Ernst Umhauer) entra en la casa, entras con él para quedarte en ella y ya no salir hasta el final de la historia ya que participas del voyeurismo de los personajes.
Al inicio parece que va a coger el camino de la genial película "La clase" (2008) contándonos la metodología y dificultades de los profesores de secundaria, pero no, nada de eso, la película toma otro cámino en cuanto el profesor de literatura Germain (Fabrice Luchini) aburrido de su vida y de las clases se involucra dando clases particulares al hipnótico alumno Claude Garcia.
Claude se adentra en la casa ayudado y empujado por su profesor ávido de voyeurismo.
Pero Claude en realidad no necesita la ayuda de Germain. Lo hace para si mismo pero necesita que lean lo que ven sus ojos.
"En la casa" es una película que puede llegar a ser terrorifica pero que tiene también mucho humor. Sobre todo cuando están juntos Germain y su mujer Jeanne (Kristin Scott Thomas). Ozon maneja el humor a su antojo y a veces nos recuerda al Woody Allen de antaño sobre todo en la figura de Germain.
El personaje de Claude es intenso y atractivo. Una mirada parecida a la de Tadzio. Un angel/demonio que destruye todo lo que se le pone por delante. Claude se convierte en Lolita seduciendo a la guapa y sosa Esther Artole (Emmanuelle Seigner) y a los Rafas de la familia Artole.
"En la casa" puede tener infinidad de lecturas, pero es un ejercicio perfecto de guión. Un guionazo. Con diferentes puntos de vista y miradas. Las acciones e historias se cruzan. La historia de la casa, la de Germain y la de Claude son dominadas desde el parque de clase media.
Y lo que más me gusta es esa crítica a la clase media. Esas continuas puyas (sociales y sexuales) que Ozon mete con calzador. Para que el espectador se sienta identificado con los personajes ya sea la familia Artole, Jeanne o Germain.
Kevin (Tenemos que hablar de Kevin) se dan la mano y pasean por esas calles de clase media mirándonos desafiantes. Los adolescentes tienen casi más poder que los niños de Serrador. Dan miedo.
Una de las películas más interesantes del año pasado aunque a veces parece que está un pelín forzadas algunas situaciones pero que se disfrutan de igual manera. "En la casa" termina en otra casa. Final masoquista y circular.

"Les Lyonnais", Olivier Marchal, 2011.

Amistad y delincuencia puede que vayan de la mano. O que te metan seis meses en la cárcel por robar una caja de cerezas. Ahí es donde empieza esta historia de supervivencia o mucho antes en el colegio cuando Serge Suttel (Tcheky Kario) era un jovencito y salió para defender al que sería su amigo gitano Momon Vidal (Gerard Lanvin).
Basada en la historia y novela de Momon Vidal un famoso ladrón y su banda de los años setenta que dio infinidad de golpes hasta que los cogieron en un campamento. Fue el inicio del fin del clan de los Lioneses.
A base de flash backs nos va contando Olivier Marchal como se fue creando el clan y el porqué de su aparición. Momon era una especie de Robin Hood temido y admirado por igual en la sociedad de los años 70's.
Como en casi todas las películas sobre bandas o mafias la amistad y la traición está presente en todo momento. Solamente recordar las más populares como la trilogía "El padrino" (1972) o "Erase una vez en América" (1984) para darse cuenta que la amistad era algo más. Una amistad demasiado estrecha. Muy sensual (sexual) se podría decir también.
"Les Lyonnais" al fin y al cabo nos habla de eso mismo. Amistad y traición. Pero es una oda continua al hijoputismo o al ser más cabrón. O eres cabrón o no haces nada en este mundo (o ese mundo).
Me gusta mucho más la historia de los Lioneses en el momento actual que esos flashbacks demasiado parecidos a las pelis ya mencionadas. En los lioneses actuales se masca la tensión, el thriller es palpable en todo momento.Se siente en el aire. En esas casas de campo tan gangsteriles.

Me gusta como se mueve Momon (gran Gerard Lanvin) como se comporta y las frases que escupe. Muy parecido a Don Logan de "Sexy Beast" (2000). Al fin y al cabo son igual de brutos y sexys. Creo que los mafiosos tienen ese punto de glamour que no tienen los comisarios. Los comisarios suelen ser aburridos. En esta el comisario incluso era fan de Momon de jóven.
Puede que "Les lyonnais" sea la Gomorra de Garrone y Saviano pero en Francia. Es una mezcla de Gomorranos y Snatchianos...parece que en cualquier momento van a salir algunos cerdos tras los protagonistas. Con esos campamentos gitanos tan kitchs y oscuros.
No he visto el resto de pelis de Marchal. Casi todas hablan del mundo policial "Mr.73" (2008) o "Asuntos pendientes" (2004) son otras de Marchal.
Me quedo con la pareja Gerard y Serge parecida a  Noodles y Max. Lanvin y Karyo (un poco destroyer ya). Interesante hasta el final. Traiciones a lo Julio Cesar. Pero es bonita y dura esa relación gangsteril.
Y mi secuencia preferida es la que ocurre en Marbella. Pero esa no la contaré. Parecida a alguna que ya he mencionado antes. El mundo gangsteril (cinematográfico)
está unido por finos hilos.