"El origen de los guardianes", Peter Ramsey, 2012.

Esta peli es como ver "Los vengadores" (2012) de Marvel donde se reunían todos los super héroes para vencer al malvado Loki. Pero en esta se reunen los guardianes para vencer al "coco" o a sombra.
Puede que no sea original  la historia o el mensaje ya que siempre aparece la lucha del bien contra el mal. Pero es una película dirigida a los más pequeños y estrenada en Noviembre así que ya casi conociámos el mensaje de antemano. Una película para niños.
Pero tiene muchas cosas que llaman la atención. Desde la reunión de los personajes más cercanos a los niños e infantes como Santa Claus, el conejo de Pascua, el hada de los dientes, Sandman y Jack Escarcha (muy parecido a Joffrey de "Juego de Tronos), pero tratados de una manera que a lo mejor puede ser diferente...un Santa con tatuajes en los brazos tal Harry Powell, un conejo samurai con boomerang, un fuerte Sandman y una sensual hada de los dientes. Y porque tienen poderes increibles como los superhéroes.
También me llama la atención el universo de la película, paisajes y decorados cercanos a videojuegos tipo Super Mario y más cuando aparecen escenas de acción que a veces me recordaba al genial juego Super Smash Bros Bawl donde los combates eran super veloces y divertidos.
La película resulta ágil y divertida. Suma más que resta. Cogiendo un poquito de cada sitio: "Pesadilla antes de Navidad" (1993), los mismos videojuegos, el anime, todo se puede ver en esta historia. Y eso que no es original y está basada en la novela de  William Joyce.
Resulta raro que ni siquiera estuviera nominada para los Óscars. A veces me recordaba a "Como entrenar a tu dragón" (2010), sobre todo la animación y como está tratada la acción.
Me gusta que también tenga su momento oscuro, con "coco" o sombra como encargado de dar miedo a los niños y a los guardianes. Por eso me recuerda a "Pesadilla antes de Navidad" por esa oscuridad y porque transcurre en la misma época del año. Aunque aquella buscaba otro público más maduro.
En fin que Peter Ramsay ha dado en el clavo y eso que es solamente su segunda película. Una peli que no ha tenido el suficiente reconocimiento y que recomiendo a toda persona que sea fan de la animación porque en esta encontrarán cosas a descubrir y divertidas.
Como curiosidad destacar al plantel de actores que dan su voz a los personajes de esta curiosa liga. Chris Pine (Jack Escarcha), Alec Baldwin (Santa), Jude Law (Coco), Isla Fischer (Hada) y Hugh Jackman (Conejo).
Y pensar los poderes que tiene la luna que nos vigila a todas horas con la ayuda de estos guardianes.

"Mátalos suavemente", Andrew Dominik, 2012.

Como bien dice Jackie (Brad Pitt) uno de los personajes que aparecen en la película "Me gusta matar suavemente, no me gusta establecer vínculo ninguno, matar desde lejos", no es exactamente lo que dice Jackie pero es lo que está ocurriendo en estos momentos en nuestra sociedad y en aquellos años.
Dominik traslada a la pantalla la novela de George V.Higgins "Mátalos suavemente" (1973). Una novela cortita repleta de diálogos y de personajes que rayan el surrealismo. Una novela que describía como estaba en esos años la ciudad de Boston. Una antesala de "The wire", "Pulp fiction" o de las novelas de Dennis Lehane.
En esta Dominik traslada la acción al año 2008, en plena campaña electoral de los USA. Dónde los americanos deben elegir entre el republicano McCain o el demócrata Barak Obama. Durante toda la película escucháremos lo que ocurre en la economía americana a través de las radios de los coches de esos mafiosos de tres al cuarto.
La historia es sencilla, nada complicada, sin mucha acción. Dos "paletos" son engañados para robar una timba. El robo se complica y Jackie entra en acción tal lobo de Pulp fiction para arreglar el entuerto y que todo siga con normalidad en la ciudad. Parece ser que casi todas las ciudades americanas son iguales..ya sea Boston, Nueva Orleans o Baltimore. La corrupción y la mafia está por todas partes.
Todo va pasando de una manera muy rápida y sin nada de paja. Nos describe cada personaje con esos diálogos e historias un poco extrañas...personajes como Frankie (Scoot McNairy), Russell (Ben Mendelsohn), Mickey (James Gandolfini), el conductor (Richard Jenkins) van pasando delante nuestra pero sin muchas pistas o datos. Y es que el libro casi no tiene descripciones ni pausas. Lo cuenta todo a través de los diálogos.
Dominik ha adaptado la novela de manera genial. Es buena idea haberla trasladado a nuestra época al igual que pasa con "Cosmopolis" de DeLillo aunque esta es más contemporánea. La película trasncurre de la misma manera que el libro. Usando de manera magistral las elipsis o no llenándola de información. Nos describe como funciona esta mafia bostoniana que no tiene reglas y de lo único que se preocupa es de no perder ese poder y dinero. Sobre todo con el personaje del conductor (Richard Jenkins).
No es una película social. Pero podría entrar en ese género creado post 2008. El género crisis. Porque la película merece la pena solamente con escuchar las últimas frases que suelta Jackie (Brad Pitt). Uno de los dardos más envenenados que he escuchado ultimamente y eso no aparecía en la novela. Novela y película van de la mano. “stop bullshitting me AND PAY ME MY FUCKING MONEY!”.
Lo peor son las canciones elegidas para describir algunas acciones. Hubiera estado mejor elegir unas canciones más actuales o sin esa música tan estereotipada.

"Submarine", Richard Ayoade, 2010.

Después de ver "Submarine" me han entrado más ganas de leerme la novela del mismo nombre de Joe Dunthorne y saber con más detalles que es lo que le ocurre a Oliver Tate (Craig Roberts) a Jordana y a su excéntrica familia.
No sé como Richard Ayoade ha adaptado la novela. Pero la verdad es que ha construido unos personajes increibles y originales. No creo que sea la típica película sobre adolescentes. Son adolescentes parecidos a los de "Moonrise Kingdon" (2012) o "Las ventajas de ser un marginado" (2012), adolescentes que están a punto de madurar o de querer comportarse como personas más maduras. Pero al fin y al cabo son adolescentes y andan confundidos (como casi todos los humanos). Confundidos con su propia familia, con la manera de comportarse, con el sexo y con los sentimientos. Oliver anda un poco liado y por eso a veces se esconde o se sumerge como un submarino (como el que está dibujado en su habitaculo) y comienza a buscar palabras en el diccionario o a correr por la playa como un loco o a beber limonada como su padre depresivo (Noah Taylor).
Todo cambia para él cuando aparece en escena Jordana Bevan (Yasmin Paige). Su mundo cambia y todo gira alrededor de ella, pero Jordana no demuestra sus sentimientos..es fría con él, porque necesita confiar en las personas. Por ello Oliver se aleja de ella y las cosas no salen como el que quería, porque esas cosas no son tan fáciles como parecía. No solo es besar o hincar.
La película está dividida en prólogo, acto uno (Jordana), acto dos (Graham Purvis) y epílogo. Como si fuera una obra de teatro, nos va contando lo que le ocurre a Oliver con Jordana, con Graham (Paddy Considine) y con sus excentricos padres.
Transcurre en los años 80's cuando todavía no había móviles ni internet. Nadie podía buscar en la wikipedia y todavía las parejas adolescentes se prestaban "El guardian entre el centeno" y veían "Cocodrilo Dundee" (1986) en el cine. Es una peli sobre todo triste y nostálgica.Nostálgia y depresión es lo que se puede esperar de un adolescente que tiene colgado en su pared el poster de "Le samurai" (1967) o que escucha a todos los cantautores franceses.
En este caso la nostálgia no nos viene dada por la música como por ejemplo en "Las ventajas de ser un marginado" (2012) sino por las cosas que hacen y comparten Craig y Jordana. Esas mismas cosas que haciámos cuando eramos jovencitos. Aunque las canciones de Alex Turner (componente de Arctic Monkeys o the last shadow puppets) también ayuda a que la nostálgia nos invada por todas partes.
Recomiendo fervientemente la película a los fanes de la nostálgia predieciochesca. Es un ejercicio sobre nuestros recuerdos. Recuerdos que pueden ser mejores o peores. Pero recuerdos que nos dejan una sonrisa en la boca.
Algunos detalles de la peli:  La película está dirigida por el también actor Richard Ayoade. Richard aparece en la película "Los amos del barrio" (2012) una comedia bastante loca en la que comparte protagonismo con Ben Stiller quien por casualidad produce "Submarine". Todo está ligado en este universo.
Lo mejor es todo lo que rodea a la película, ese ambiente nostágico que persigue a Craig todo el momento. Pero como en "Moonrise Kingdom" (2012), cuando un guión excelente se junta con unas imágenes bellas. Salen chispas de la pantalla.

"Magic Mike", Steven Soderbergh, 2012.

Cada cierto tiempo Steven Soderbergh nos anuncia que deja el cine y que se va a dedicar a hacer otras cosas pero él sigue como el conejito de Duracell sigue y sigue...Y eso me hace pensar si realmente le gusta realizar los proyectos en los que se mete o simplemente está consiguiendo dinero para realizar su gran proyecto autoral.
Desde su primera película "Sexo, mentiras y cintas de video" (1989) deja claro que nunca te va a dejar indiferente su cine, un cine que siempre toca géneros importantes y díficiles, aunque es uno de los pocos directores que se atreven con cualquier tipo de género, tema y formato...y eso se agradece.
Y en eso te das cuenta cuando repasas sus últimas películas "Contagio" (2011), "Indomable" (2011) y la penúltima "Magic Mike". Tres películas con temas y géneros totalmente opuestos y diferentes. "Contagio" que nos habla sobre un virus que recorre la tierra y lo destroza (a la humanidad) todo por culpa del miedo de los medios y de las farmaceúticas, "Indomable" una película de acción del género Bourniano y esta última o penúltima que nos habla sobre Magic Mike un boy de Tampa y su grupo de pollas de la misma ciudad.
Es curioso ver como Steven se introduce y nos describe el mundo de los boys, como ya hizo con "The girl experience" (2009) donde describe el mundo de una prostituta de lujo que cobra 10.000 dólares por noche.
Nos describe mundos que a lo mejor no conoce todo el mundo pero lo hace de una manera sutil. Nunca prevalece su punto de vista, realmente no sabemos que piensa él de los boys ni de las prostitutas de lujo o de los periodistas. Pero rueda de una manera lígera y aséptica sin perder el respeto en ningún momento a nigún personaje ni mundo. En "Contagio" es más díficil no saber que piensa de los médicos o periodistas chabacanos.
"Magic Mike" es una sorpresa porque en ningún momento es una película sexual o sensual y nunca lo pretende. Es todo lo contrario, es una película romántica, un clásico drama romántico que se mueve en mundos diferentes a los normales. Podría ser el "Oficial y caballero" (1982) del siglo XXI.

Pero no solamente es romántica. Nos describe como es ese mundo, donde no falta la droga, el sexo y las malas influencias. Y también deja alguna pildorilla sobre el estado actual de la económia americana. Aunque es la clásica película donde aparecen personajes interesantes o atractivos pero que están poco construidos y se queda en la superficialidad. Steven se centra en Mike (Channing Tatum) y en Adam (Alex Pettyfer). Mike puede que sea el personaje que está mejor escrito ya que el resto de personajes hacen lo que tienen (o deberían de hacer) que hacer.
Steven se suele rodear de buenos actores y buenos y potentes castings. En este caso debía elegir entre buenorros...y claro fichó a Channing Tatum porqué en sus inicios se dedicó a ese mundo, era boy y la verdad es que no lo hace mal (además de bailar). Entre los elegidos boys destacan sobre el resto Matthew McConaughey que se atreve con todo, aunque en esta ocasión me recordaba al Tom Cruise de "Magnolia" (1999) y Alex Pettyfer (Adam) toda una sorpresa.
Lo mejor de la peli es que nos describe un mundo poco conocido en el mundo del cine y que no lo hace de manera vendible o comercial. Lo peor que a veces se haga un poco lenta y los números de los boys paran la película y la acción. Dentro de nada se estrena "Efectos secundarios" (2013)  una peli sobre el mundo de las drogas legales. Un mundo en dónde no se puede ser objetivo.

"Argo", Ben Affleck, 2012.

La verdad es que hago críticas o reseñas de las películas un poco tarde y encima a esta le han dado el óscar a la mejor película del 2012. Pero como espectador me dan igual esos premios ya que a veces no tienen demasiado sentido ni significa que sean las mejores películas del año, de hecho creo que la mayoría de las veces es por moda o porque toca dar ese premio. Se ha podido observar con más detalle en los Goya que en los Óscars de este año.
Pero he de decir que me alegro que le hayan dado el Óscar a la peli de Affleck, aunque no haya sido la mejor película del año para mi gusto. Me gusta Affleck como director y ya me gustaron sus anteriores historias "Adiós pequeña, adiós" (2007) o la más reciente y genial "The town" (2010).
En esta ocasión Affleck ha adaptado una novela (Argo) del propio protagonista de la historia real Tony Mendez. Una historia en plena revolución iraní de 1979 basada en hechos reales. Y aunque parezca mentira ese rescate ocurrió de verdad.
La historia cuenta el rescate de seis norteamericanos que se quedaron tirados después de que estallará la revolución Iraní de 1979. Ellos eran la punta del iceberg ya que había muchísimos más rehenes. Mientras esperaban en la casa del embajador. Rodeados de la revolución.
Y para rescatar a esos rehenes la CIA y el gobierno americano empiezan a urdir un rescate a cada cual más extraño y surrealista. Hasta que al final Tony Mendez (Ben Affleck) hablando por telefono con su hijo se le ocurre la idea más loca de todas para rescatar a esos rehenes. Y la idea es "Argo". Una idea mitológica.
La idea es rodar una película en Irán en plena revolución. Y la película se llama "Argo"..Así que Mendez con la ayuda del maquillador John Chambers (John Goodman) y el director Lester Siegel (genial Alan Arkin) empiezan la aventura.Una aventura suicida y loca.
Affleck ha sido valiente al adaptar la historia. Además ha sido objetivo con su propio país (pequeñas puyas) pero no sabemos si ha sido objetivo con Irán, de ahí que la historia sea ambigüa y posiblemente tenga dos miradas diferentes la americana/canadiense y la iraní. Y puede que pase con muchas películas de este tipo donde las ideas y los ideales son tan dispares. Mencionar por ejemplo "El expreso de medianoche" (1978) o la más reciente "Munich" (2005). Dos películas con dos miradas diferentes y que son basadas en hechos reales. Por eso creo que es díficil y valiente realizar este tipo de películas.
Affleck además es muy buen director. Le da un ambiente y un ritmo perfecto a la película (Oscar a la mejor edición). Por no mencionar la genial recreación del Iran de 1980.
Y también se nota que ha sido actor o es actor. Detras de ese actor que parece más bien normalito y tranquilo se esconde un genial y nervioso director de actores, que también se pudo ver en sus dos anteriores pelis. En esta están todos geniales..desde John Goodman, Alan Arkin y los demás secundarios como Bryan Cranston (Jack O'Donnel), Tate Donovan (Bob Anders), Clea DuVall (Cora Lijek) están todos de diez.
La película funciona como un perfecto ejercicio de suspense. Una película de rescates perfecta pero que a veces se queda en eso, en rescates. Un truco casi perfecto. Nos gustaría haber sabido más de esa revolución Iraní o de más chanchullos de la CIA. Pero la peli es sobre "Argo" y nos quedamos con  ganas de más.
Ahora me gustaría ver y conocer la versión Iraní y así ya todos sabemos como fue la historia. O a lo mejor no.

"Moonrise Kingdom", Wes Anderson, 2012.

Cada vez que nos adentramos en una película de Wes Anderson es adentrarse en su universo, en su mundo y sus reglas. Casi siempre nos encontraremos con personajes desarraigados o con problemas de estima, sociales o de relaciones de pareja, pero una cosa que tienen en común casi todos sus personajes es que al final terminan siendo entrañables. Personajes que se quedan encerrados en la memoria.
En esta ocasión Wes nos lleva de la mano y nos deja en unas pequeñas islas de Nueva Inglaterra. Allí es donde se desarrollará la historia y donde los personajes interactuarán. En esta ocasión no ha elegido un submarino o un tren en la india, pero siempre son sitios y lugares que pueden ser igual de excéntricos que Nueva York o la madriguera de una familia de zorros "Fantástico Mr. Fox" (2009).
Wes escribe una historia de amor al son de Purcell (Alexandre Desplat) y François Hardy, una historia de amor casi imposible de dos pre-puberes, dos casi adolescentes de doce años que se comportan de la misma manera que los padres de Suzy. Personas que buscan el amor en una isla de 25 km.
En el caso de los casi adolescentes es el destino que estaba escrito y los unió ya que Sam (Jared Gilman) y Suzy (Kara Hayward) están casi obligados a estar juntos, pero la pareja formada por el policia triste (Bruce Willis) y la abogada aún más triste (Frances McDormand) es porque se han quedado estancados en sus vidas y no pueden escapar de esa isla (¿o si?).
La parejita formada por Sam y Suzy parece escapada del "Hotel Chevalier" (2007), es como un augurio de lo que le ocurrirá en el futuro a esta joven pareja.
Desde la presentación de la familia Bishop acompañados por los diferentes cuártetos de Purcell ya nos va describiendo como se van comportando los componentes de la familia Bishop parecida a la familia Fox. Con esas habitaciones que nos recuerdan al submarino (Calipso) de "Life aquatic" (2004) y donde por cierto vive el Sr Bishop (Bill Murray) que a su vez nos recuerda al Steve Zissou de "Life aquatic" (2004) en donde también escapaba de algo para buscar ese gran tiburón blanco. En esta se conforma talando árboles como si fuera un psicópata en pleno años 60's.
Durante toda la peli van apareciendo personajes y sitios que son indudablemente del universo de Wes. Desde la aparición del Jefe Scout kakhi (Edward Norton),  del matrimonio Bishop, y de ese batallón de scouts que parecen escapados de "Malditos bastardos" (2010), todo es de Wes. Por no mencionar los lugares y la escenografía que está pensada al milímetro como en todas sus películas.

Pero lo que se sale de lo normal y es excepcional en la película es la relación que mantienen Suzy y Sam. Se comen la pantalla y en todas las secuencias donde aparecen juntos irradian felicidad por todos los poros (los suyos y los nuestros). Desde que dicen que se quieren y Sam le regala dos anzuelos joyas con dos escarabajos verdes el mundo está a sus pies y son capaces de hacer todo, hasta bailar una canción de Françoise Hardy en plena playa que en el futuro se llamará Moonrise Kingdom. Es el mundo de Sam y Suzy, donde proclamaran y chillaran su libertad. Como hace poquito la proclamaba  Sam (Emma Watson) en "Las ventajas de ser un marginado" (2012).
Esta claro que el universo de Wes está formado por las familias excéntricas. Desde los Tenenbaums, la familia formada en el Calypso, los tres hermanos buscanco a su madre, los Fox...hasta llegar a los Bishop.  Y todo quedará en familia.
"Moonrise Kingdom" es una historia amable y divertida con pequeños retazos románticos. A Wes le gusta mostrar la superficialidad pero desde dentro. Desde el corazón. Puede que sus películas sean tildadas de superficiales, pero él va más allá. Es su manera de contarnos lo que es la vida usando cosas bellas,ñoñas y a veces cursis.
Pero no creo que sea cursi ver a dos casi adolescentes bailando en la playa Moonrise Kingdom la canción de François Hardy "Le temps de l'amour".
Y lo mejor de todo es que Wes sigue siendo Wes.

"Blancanieves", Pablo Berger, 2012.

"Blancanieves" podrá gustar más o podrá gustar menos. Pero hay que tener los huevos como Espartero para realizar una película de este tipo en España.
La idea parte del cuento de los hermanos Grimm. Pablo Berger le da la vuelta al cuento y lo transforma en un suceso que podría haber pasado facilmente en los años veinte en España.
Incluso más oscura que el cuento. En la historia entra también el espíritu Buñueliano y Lorquiano. Todo tiene cabida.
La historia es la misma (o muy parecida) a la de Blancanieves. Hay una niña, una madre y una madrastra. Pero en vez de reyes, reinas y princesas lo que hay son toreros, enfermeras psicópatas y apoderados sinvergüenzas. La misma poca vergüenza que hay hoy en día.
Carmencita (Sofia Oria) poco a poco se va quedando sola. Va perdiendo a su familia pocoa poco hasta quedarse a solas con la psicópata de Encarna (Maribel Verdú) esa enfermera arribista que hará imposible la vida de Carmencita. Luego Carmencita pasará a ser Carmen la torera (Macarena García) como su padre Antonio Villalta (Daniel Giménez Cacho) acompañada de los enanos toreros. Todo muy español. Sobre todo por los bomberos-toreros.
El interés de la película se centra más en su aspecto formal y estético. Rodada en un pulcro blanco y negro y "muda". La película está acompañada por la excelente banda sonora de Alfonso de Vilallonga. Pasa casi lo mismo que con "The artist" (2011) que se ceñía demasiado a la genial banda sonora, aunque aquella tenía muchos más trucos narrativos que esta.
Al ser "casi" muda la película. La narración es diferente. El peso recae además de la música en las miradas de los personajes y en sus movimientos. Movimientos que a veces pueden ser exagerados o forzados pero nunca histriónicos. Movimientos que recuerdan al cine mudo.
También recae el peso en la excelente edición de la película. Aunque a veces peque de exagerado. Sobre todo cuando quiere describir acciones de personajes.
La primera película de Pablo Berger es "Torremolinos 73" (2003), otra crítica social bastante ácida que nos podía recordar al humor Berlanguiano o a las películas de los años sesenta escondidas de la censura franquista.
En esta ocasión usa el cuento y el personaje de Blancanieves para autoretratar o parodiar de manera sutil y a veces no tan sutil el estado actual del país en que vivimos. Esta España que a veces parece de pandereta.
Película que ha arrasado en los Goyas quizás por su originalidad. O quizás porque tenemos menos producciones que hace unos años. Lo que si es verdad es que es díficil que deje indiferente a alguién.
Lo mejor de la película son las diferentes sorpresas que nos regala Berger y la originalidad de esas sorpresas. Y lo peor, a veces el guión anda demasiado encorsetado debido a las limitaciones de ser "casi" muda.
Aunque al final le coges el gusto de ver esos globos aerostáticos navegando alrededor de esa ficticia plaza de toros que no es la Maestranza. Un toque steampunk que Berger ha inquirido en la historia.

"Las ventajas de ser un marginado", Stephen Chbosky, 2012.

Como en el final de "El club de los cinco" (1985) donde el personaje "lanza" un dedo y proclama su libertad ante todos, en esta Charlie (Logan Lorman) sale victorioso de todos sus combates.
Stephen Chbosky nos regala un homenaje a los años 80's, a la música y a Holden Caulfield el personaje central de "El guardian entre el centeno" el libro que lanzó a la fama a Salinger.
Si tuvieramos que escoger un tema central de la película ese sería el de la libertad durante esa étapa que llamamos adolescencia, una étapa con todo tipo de descubrimientos ya sean sexuales o musicales. Una étapa que puede ser genial o una verdadera mierda.
Charlie empieza el instituto y no tiene amigos. Solamente tiene problemas y desiluciones. Pero es conocer a dos personas: Sam (Emma Watson) y Patrick (Ezra Miller), dos hermanastros que cambiara su vida por completo. Pero es reciproco ya que Charlie también ayudará a esos dos hermanastros durante ese primer fatídico año.
Y de eso va la película. Amistad, ilusiones, amor, desamor, desiluciones, fracasos...
Podría ser un género en sí. El adolescente que persigue su primer amor rodeado de problemas y que esos sucesos transcurren en la ciudad de Nueva York. Nueva York tira mucho. Y el adolescente que quiere ser escritor aún más. Por eso ese parecido a Holden Caulfield.
Nueva York está muy presente en el cine sobre adolescentes. Por recordar algunas películas que no sean de Allen o demasiado antigüas. El enamoramiento aparece en "Fiebre del Sábado noche" (1977) para tornar hacía la comedia o el drama más amargo o las recientes y menos densas "El arte de pasar de todo" (2011) o "Una historia diferente"(2010).
"Las ventajas de ser un marginado" es perfecta para recordar los años 80's. tanto con las  comedias adolescentes de John Hughes como con la música ochentera de Sonic Youth o The Smiths. Merece la pena ver como Charlie y Sam (momento Titanic) descubren a David Bowie o a los Sonic Youth. La banda sonora en general es genial.
Pero esta va un poquito más allá. No es tan superficial como la mayoría de comedias adolescentes ya que toca un problema (o varios) que no se ha visto demasiado en el cine. Y además lo describe de una manera muy sutil y se podría decir de una manera no fea.
Como podemos intuir la adolescencia no es tarea fácil (ni era) y nadie quiere ser un marginal o un invisible. Todos luchamos o habíamos luchado para no encontrarnos con eso en esos pasillos o aulas. En esta, los personajes huyen de su cotidianiedad con la busqueda de la amistad o con la música. Y por supuesto con la busqueda del amor verdadero. Cosa harto díficil en estas edades.

También el alumno necesita ayuda como en "El club de los poetas muertos" (1989) o "El indomable Will Hunting" (1997). Charlie tendrá la ayuda de su profesor, el profesor Anderson (Paul Rudd) un escritor que no ha tenido tanta suerte en su trabajo como escritor y se convierte en una especie de protector de Charlie como lo fue John Keating para con sus alumnos.
En definitiva una película para disfrutar con adolescentes y para los más nostálgicos de esos maravillosos 80's dónde todavía primaba escribir cartas e Internet todavía no existía y donde se regalaban cintas de música a tus amigos o novias.Podría ser una de las películas sobre adolescentes más completas del último lustro.
Dos curiosidades. La primera. No tan curiosa es la sensualidad de Hermione o Emma Watson todavía adolescente que rezuma sensualidad en todos sus movimientos, al igual que los otros dos actores Ezra Miller (Tenemos que hablar de Kevin) o Logan Lerman (Los tres mosqueteros).
La segunda curiosidad es que Stephen Chbosky es el autor del libro y de su propio guión. Ha tenido la oportunidad de hacerlo todo. ¿Cual será mejor?.

"Ip Man", Wilson Yip, 2008.

Cuando entramos en terrenos algo inexplorados nos podemos encontrar con sorpresas y con pequeñas joyitas. Cine de género al 100 % en este caso.
"Ip Man" o "Yip Man" es la historia de Yip man (Donnie Yem) el creador del Kung Fu. Todo ocurre en la ciudad de Foshan la cuna de las artes marciales en China. Allí debe de ir quién quiera ser un buen maestro y enfrentarse a Yip Man. Todos los maestros y forajidos quieren vencerlo. Pero es harto díficil. Todo cambia cuando los japoneses invaden China y empieza la guerra. La vida de la familia de Yip se complica y el nivel del juego aumenta. Aparecen enemigos más letales.
La película está concebida como si fuera un juego y poco a poco se van pasando los niveles y la dificultad aumenta. Todo muy normal dentro del género ya que podemos recordar desde "Operación Dragón" (1973), las primeras de Van Damme como "Kickboxer" (1989) o la más reciente "Chocolate"(2008).
Pero no solamente es una película de combates, también es una película histórica que cuenta la historia de un personaje y un momento muy puntual (1935-1945) dentro de la historia contemporánea china-japonesa la guerra cruenta que mantuvieron durante esos años.
Además no solamente los combates están bien realizados sino también los escenarios, vestuario y demás aspectos técnicos rayan la perfección. De hecho tuvo varios premios y nominaciones en los premios anuales de Hong Kong (2009).
El cine de género ya nos dejó en esta misma década algunas joyitas como "Kung Fu Hustle" (2004) o "Shaoling soccer" (2001) de Stephen Chow con más humor y parodia, aunque también Wilson Yip mete chistes y humor en la trama sin retener la acción.
Como ya dije antes la realización y el buen gusto a la hora de rodar es exquisita. Y viendo unos zooms y planos fijos un poco bruscos para resaltar una acción me recordó esos zooms bestiales de Tarantino en "Django desencadenado" (2012). Todo un lujo saber rodar ya que no todo los realizadores tienen ese don para rodar la acción.
La recomiendo sobre todo a los fanes del cine de género de acción y artes marciales.
Lo mejor: La mezcla acción/drama funciona bastante bien aunque a veces nos recuerde a películas como "Kickboxer" (1989) pero está es muy superior. También podemos recordar a veces a Po al fin y al cabo es Kung Fu lo que enseña Ip.
Lo peor: Puede que la película tenga un mensaje pronacionalista pero al fin y al cabo es un producto realizado en Hong Kong y el mensaje va destinados a ellos.

"El fraude", Nicolas Jarecki, 2012.

Las sorpresas todavía existen. Y esta puede ser una de ellas. Presentada en el último festival de San Sebastián. Nicolas Jarecki nos regala otro Gordon Gekko personaje que aparece en "Wal Street" (1987) interpretado por Michael Douglas pero esta vez en la piel de Robert Miller (Richard Gere).
Desde que comenzó la crisis ya hace casi un lustro, se han realizado muchas películas sobre la crisis económica o sobre como surgió la crisis o contándonos como estos indeseables se enriquecen a costa de la gente. Puede que haya surgido un nuevo género y esperemos que este género no dure demasiado como ya dije cuando vi "Margin Call"(2011).
Pero tampoco es como "Margin Call" (2011) o "The company men" (2010) o cualquiera de estas que nos cuenta problemas sobre el paro, la economía o como surgió la maldita crisis.
"El fraude" es una película sobre un fraude o arbitrage. En ella aparece todo tipo de fraudes. Desde el fraude personal al fraude empresarial. Estamos rodeados de fraudes. Fraudes legitimados y no legitimados.
En la peli nos describe la situación de Robert Miller. Y como hace y deshace a su antojo. Nos describe todos los tejemanejes (o algunos) de las empresas, como ya vimos en "Margin call" (2011) o "Capitalismo, una historia de amor" (2009).
Rodada de una manera clásica sin ningún alarde y con buen gusto. La historia avanza poco a poco. Es una especie de caída económica y social, más o menos parecida a la de Dr. William "Bill" Harford en "Eyes Wide Shut" (1999) o Brandon en "Shame" (2011), pero que en estas últimas la caída también fue sexual. Las tres transcurren por las calles de Nueva York ciudad donde parece que los fraudes y caídas son más espectaculares.
También es interesante saber que es la primera película de Jarecki (el guión también es suyo). Puede que tengamos seguir la carrera de este cineasta.
Una de los detalles mas positivos de la película es el ambiente que rodea en todo momento la historia. Una atmosfera extraña que persigue a Robert Miller durante todo el momento. Gere está en estado de gracia y muy bien secundado por la mayoría de los actores que aparecen. Desde su mujer Ellen Miller (Susan Sarandon) y todos los que intentan ayudarle Jimmy Grant (Nate Parker) o mandarlo a prisión  como el detective Bryer (Tim Roth).
Lo negativo es que se tendría que haber mojado un poco más en el asunto y puede que estuvieramos ante una película mucho mejor. Es una historia que te hace pensar. Pensar  que ahora mismo no estamos seguros en nada y nos la pueden liar parda en cualquier momento. Y ellos no tienen miedo, solamente puede ser agarrados o puteados por su propia familia. Al fin y al cabo son los que estan más cerca.

"Django desencadenado", Quentin Tarantino, 2012.

Ya hace veinte años que Tarantino apareció e irrumpió en nuestras vidas y en nuestro cine. Tarantino nos hizo creer de nuevo en el cine de género. Experto en reactivar géneros, carreras cinematográficas y usar de una manera divertida e inteligente todas las referencias que conoce y que no son pocas.
Tras reiventar el género bélico con "Malditos bastardos" (2009) y de paso cambiar la historia de la segunda guerra mundial.
Con "Django desencadenado" Tarantino reinventa el spaghetti western y encima le da la vuelta a la historia de Django (Jamie Foxx) convirtiéndolo en un héroe de la esclavitud.
Django es un homenaje al spaghetti y a la propia "Django" (1966) de Sergio Corbucci. Nada más empezar la pelicula nos planta los títulos de crédito y la música de la original con la excepcional música de Luis Bacalov.
Tarantino nos regala una película autoparódica, excesiva (queriendo) y divertida. Nos cuenta la historia de Django, un esclavo que se convierte en cazarrecompensas con la ayuda del doctor King Schultz (gran Christoph Waltz). Estos dos personajes se mueven, uno por la venganza (Django) y el otro por la amistad que surge entre ellos y el gran odio que tiene el Doctor King a los esclavistas.
La historia se mueve por la venganza y la amistad. Venganza cercana al cine asiático (Kill Bill) por la manera de tratarla. Y la amistad tipo road movie. Amistad que aparece en otras películas Tarantinianas sobre todo "Kill Bill". Esta película esta cercana a aquella historia.
Pero centrándonos en "Django desencadenado". Además de ser un homenaje al spaghetti (ya era hora). Tiene un humor menos sutil que en otras ocasiones. Un humor cercano al de los Monty Python o la comedia americana más loca. Con una galeria de situaciones y personajes que rallan el surrealismo. Puede que el guión de Tarantino no sea lo mejor de la película, dejándonos a veces a cuadros con situaciones un poco extrañas y fuera de lugar. Pero creo que es lo que Tarantino quiere hacernos pensar o que creamos. Y una fuerza visual a veces que te deja enganchado a la pantalla con detalles poco sútiles como los zooms o con el uso genial de la música. Ya sea la de Luis Bacalov o la de Morricone. O la que interpreta James Brown "Unchained" o el otro claro homenaje al spaghetti con la música de "Le llamaban Trinidad" cerrando la película.
Además de ser una película violenta y que recrea la violencia pop ya vista en "Kill Bill" (2003) o "Death proof" (2007) por el uso de la sangre. En "Django" el uso de la sangre no es tan gore como pop. Solamente ver la secuencia en la mansión en Candi Land donde la mansión termina pintada de rojo y llena de cadáveres.
También una historia crítica con el esclavismo negro y con el racismo. Con personajes como Calvin Candie (genial Leonardo DiCaprio) o el malvado Stephen (Samuel L.Jackson).
Otra cosa que es increible y que no puede faltar en las películas de Tarantino son las situaciones en las mesas. En esta ocasión no podía faltar y encima  se le añade un cráneo, un cráneo familiar. Un discurso racista y antropomorfo el de Calvin  que hace que el genial Doctor King Schultz se reactive y haga clip en su cerebro.
Y como no podían faltar personajes. Solamente mencionar los geniales Billy Crash (Walter Coggins), Mr.Stonesypher (David Steen), Big Daddy (Don Johnson), Americo Vessepi (Franco Nero) o al personaje que interpreta Jonah Hill (gran humorista).
Una película que parece insustancial (a mí al inicio me lo pareció) pero que en realidad tiene más chicha. No es perfecta y creo que es lo bueno de las películas de Tarantino la no perfección. Hace bien en no buscar otro "Reservoir dogs" (1992). Al final las nominaciones o los premios es lo de menos. Solamente queda disfrutarla.
Momentazo es cuando aparece la canción de Morricone "Ancora qui". Eso es impagable.

"Ruby Sparks", Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2012.

De vez en cuando aparecen personajes que te enamoran y eso ocurre poquitas veces. Cuando ocurre eso hay que aprovecharlo y exprimirlo al 100%. Aprovechar la ocasión que te brindan.
Como ya nos cautivaron Clementine, Summer o Charlotte.
También es bonito darte de bruces con una película así. Una peli fresca, enternecedora y a veces malvada. Fresca porque el guión y la historia son originales aunque nos recuerde a veces a las pelis de Woody. Enternecedora porque los personajes son enternecedores y empatizas con ellos todo  momento. Y malvada porque la vida es así. Queremos fabricar nuestro propio yo. Enamorarnos de otro clon parecido a nosotros.
La peli entra en el extraño genero de mezclar ficción con realidad. Y ejemplos hay muchos. Desde la increible "Jennie" (1948) o la más parecida y cercana "Más extraño que la ficción" (2006).
La historia es sencilla pero no quiero hacer spoilers porque le quitaría mucha gracia sino se ha visto la peli. Simplemente mi resumida sinopsis sería chico escritor raro conoce a chica rara. Calvin (Paul Dano) meets Ruby (Zoe Kazan que es la guionista de la peli).Deja en pañales a la mayoría de películas románticas.
Aparecen psicoanalistas, homenajes a Salinger a Fitzgerald. Y un perro llamado Scottie. Un poco onirica y con mucha luz. Esa luz que te ciega de felicidad.
Nos recordará a "Olvidate de mí", "(500) días juntos"...películas que te dejan una pequeña marca en la mente y en los recuerdos.
"Ruby Sparks" está realizada por la pareja Jonathan Dayton y Valerie Faris que ya triunfaron con su primera película "Pequeña Miss Sunshine" (2006) otra película que deja muy buen sabor de boca. Fue una de las sorpresas del 2006.
Esperemos que esta pareja sea más promíscua. Y nos den más sorpresas.
Entre las curiosidades de la película. Además de ser la guionista Zoe Kazan, en la película aparecen Antonio Banderas (Mort) y una ya madura (pero atractiva) Annette Bening (Gertrude) haciendo de padres de Calvin. Una pareja algo extraña. Casi nunca los padres son normales o aburridos en este tipo de pelis solamente hay que recordar "Los padres de ella" (2000) o la reciente "El lado bueno de las cosas" (2012).
Solamente me queda decir que hay que dejarse llevar por la historia y por Ruby.

"El lado bueno de las cosas", David O.Russell, 2012.

Cada año por estas fechas aparece una película que sorprende por la cantidad de nominaciones para los Óscars o que de repente surge una cinta (ayudada por el marketing) que no entraba en las quinielas para estos premios. Este año ha pasado con "El lado bueno de las cosas" y "Bestias del sur salvaje" (2012) pero ambas habían obtenido menciones y premios por parte de la crítica americana.
Pero este nombre que le han puesto en España no ayuda o anima lo suficiente para ir a verla. Su nombre original es "Silver linings playbook".
Lo que realmente puede animar ir a verla es que a los mandos está David O.Russell uno de los directores americanos más interesantes de la pasada década y con muy poquitas películas. Ya apareció con la ingeniosa y crítica "Tres Reyes" (1999) y sorprendiendo con una peli en el 2004 llamada "Extrañas coincidencias" una peli al estilo Gondry bastante surrealista y extraña. Y la última película que estrenó ya sorprendió también en los Óscars del 2010 con el drama social "The fighter".
Ahora con "El lado bueno de las cosas" entra de nuevo en la carrera de los Óscars. Con ocho nominaciones puede que parezca exagerado tanto premio y nominación para una comedia dramática que no se sale de los parámetros normales.
El segundo punto importante para ir a verla es su casting. Un casting sorprendente y poderoso. Con dos actores en estado de gracia. Un gran Bradley Cooper (Pat) y la jovencita Jennifer Lawrence (Tiffany) que poco a poco con su mirada está conquistado a todos. También añadir al reformado Robert de Niro (Pat Sr) y la siempre genial Jackie Weaver (Dolores).
Empieza la película con Pat ingresado en un centro psiquiátrico (manicomio antiguamente), con trastornos bipolares y obsesivos. Puede que nos recuerde levemente Pat a R.P McMurphy de "Alguién voló sobre el nido del cuco"(1975). Con la inestimable ayuda de Danny (Chris Tucker).
Todo empieza de nuevo para Pat. El reencuentro con la rutina puede ser doloroso y sobre todo recordar a su ex-pareja Nikki (Brea Bree) con otra persona. Su mejoría pasa por recuperarla. Con la ayuda de las bolsas de basura, el footing y Ernest Hemingway puede que la mejoría llegue antes.
Pero todo cambia cuando en la historia aparece Tiffany (Jenniffer Lawrence) un personaje que podría recordanos a los personajes de Capote sobre todo a  Holly  Golightly (Desayuno con diamantes).
Con la aparición de Tiffany el mundo de Pat se resquebraja al igual que el de toda la familia. La busqueda de la felicidad es tal que no se quieren dar cuenta de lo que tienen delante. Pero los signos a veces están guiándo de manera descarada el final feliz.
Luego con la ayuda de las combinadas, del futbol americano, y un baile que mezcla los White Stripes y alguna música que nos puede recordar a Dirty Dancing termina una historia de amor romántica bastante fresca y divertida.
La primera hora es genial un guión casi perfecto donde se puede ver a Bradley Cooper en su salsa y en estado de gracia. Lo peor de la peli: Ese nombre que no anime nada a verla y que al final la película tiene un final a lo mejor demasiado feliz para lo que habiámos visto a lo largo de la historia.
La carrera de los Óscars están díficil pero al menos ya han conseguido lo que querian. Impresionarnos y emocionarnos un poco con esta historia bastante humana.

"The possession (El origen del mal)", Ole Bornedal, 2012.

Díficil hacer reseñas o críticas de pelis de un género tan repetitivo comon es el género de las posesiones.
Es un género de fans. Me incluyo en él grupo de seguidores desde que vi "El exorcista" (1973) y aunque sea repetitivo creo que puede ser la mejor película de posesiones que se ha realizado y que será díficil volver a repetir aquella hazaña.
Durante estos últimos años se han realizado varias produciones intentando describir que es una posesión o como es un exorcismo, siempre cayendo en el error de intentar imitar a "El exorcista" (1973).
Quizás la película que se desliga más de "El exorcista" (1973) es "La posesión de Emma Evans" (2010) una película que no tuvo demasiado éxito ni de crítica ni de público pero que merece echarle un ojo. Sobre todo los fans.
Otras pelis que han seguido más o menos el mismo sendero estos últimos años han sido "El rito" (2011), "El último exorcismo" (2010), "Devil inside"(2012) o la sorpredente "Insidious" (2010).
A "The possession" la metemos en el mismo cajón. Y no por ser pesado pero es que se ha fichado de nuevo a un nórdico para realizar la peli. Al ya conocido Ole Bornedal por su éxito de los 90's "El vigilante nocturno" (1994).
La historia es parecida a la de "El exorcista" (1973). Una niña de diez años llamada Em (Natasha Calis) se encuentra una cajita; en "El exorcista" (1973) fue una guija. Una cajita que nunca, nunca se me ocurriría abrir. En la caja hay unas siglas grabadas en hebreo que significa "Peligro no abrir, muerte". ¿Pero quién sabe hebreo?. Y la cajita terminará abierta.
Y desde que se abre la caja de Pandor loss problemas empiezan para esta familia de padres separados y con dos niñas muy monas. Siempre son monas e inocentes. O casi siempre.
La novedad de la historia es que el demonio maligno es judio.Un demonio llamado Abisu. Para los neófitos en este tema de posesiones, para llamar a un espiritu hay que saber que tipo de demonio es y como se llama el demonio sino la cosa está muy chunga para el poseido/a.
Y algo que siempre o casi siempre se repite en este tipo de pelis, es que tienen un aire japonés/coreano cuando aparecen estos demonios malignos, siempre a oscuras, con el pelo largo y negro, la cara deformada. Y cuando pasa esto me viene a la mente Tomoko la chica que aparece en "The ring" (1998) que no es del género de posesiones sino del género de las maldiciones. Un género que se tendría que poner en boga en estos momentos que corren.
La peli no aburre. Esta exquisitamente realizada. Con buen gusto. No tiene sustos forzados. Y además los actores lo hacen bastante bien. Entre el elenco destacar al rapero hebreo Matisyahu (Tzadok) y al ex-watchman Jeffrey Dean Morgan (Clyde) haciendo de un entrenador de basket separado.
Y eso es lo mejor de la peli. La exquisitez del producto no bien terminado. Es rara la frase pero es cierta. Puede que se note la mano del productor que no es otro que Sam Raimi.
Y ya estamos esperando la próxima película de posesiones que no es otra que el remake de aquella " The evil dead" (1981) de el propio Raimi.

"Nadie sabe nada de gatos persas", Bahman Ghabadi, 2009.

La película tiene nombre de fábula. A Bahman Ghabadi le gusta incluir animales en los títulos de sus historias como en la conmovedora y dura "Las tortugas también vuelan" (2004).
El cine Iraní además de indie por fuerza debe ser crítico y social. Como el que tendriámos que realizar en España en estos momentos.
Además de tener nombre de fábula la película es una aventura de dos jóvenes músicos iranies que su único sueño es montar un grupo e ir a dar conciertos a Europa. Aunque el único sueño que tienen los músicos en Irán es poder tocar con libertad la música que desean.
La otra aventura es poder conseguir pasaportes y visados para poder salir del país algo bastante díficil en un país invadido por los celos religiosos y por la bestial censura.
Negar (Negar Shaghaghi) y Ashkam (Ashkam Koshanejad) empiezan la busqueda de otros tres músicos para poder formar ese grupo y para ello cuentan con la ayuda de Nader (Hamer Behdad) un buscavidas que les llevará por todos los barrios de Teherán en busca de grupos, voces, baterias, bajos.
Como si fueran unos cazatalentos empiezan a patear las calles de Teherán y poco a poco van apareciendo grupos de todos los estilos: Pop, rock iraní, heavy, música tradicional iraní, rap-persa.
Con la historia de Negar y Ashkam. Bahman nos cuenta como se hace música en Teherán. A base de imaginación y corazón los jóvenes fans de Joy Division, Madonna o Sigur Ros hacen música en inglés o en Persa. Letras de protesta y sociales pero tocadas por esa censura fascista.
El sentido del humor va apareciendo en las historias de cada banda. Sobre todo en la banda de rock que ensayan en un improvisado estudio en la azotea de un edifico o la  banda heavy que ensaya rodeados de vacas.

Pero no todo es fácil y el sentido del humor se mezcla con el drama. El drama se vive y se siente en las calles viendo los fotogramas que inserta Ghabadi en pequeños videos que acompañan a las canciones durante la película.
Además rueda de una manera bonita y sencilla aunque a veces se complique dando un toque "moderno" en algunas secuencias que lo que hacen es ralentizar la historia.
El cine Iraní se puso de moda en los años 90's porque todos los festivales querían tener a Kiarostami en su poder. Pero viendo las pelis de Ghabadi se puede decir que todavía sigue vigente y actual.
Este año estrenó "Fasle kardagan"(2012) y Asghar Fahardi nos regaló "Nader y Simin, una separación" (2011).
Añadir que la música es genial. Para todos los fanes del pop o rock es necesaria.

"Eva", Kike Maíllo, 2011.

En el año 2041 sigue todo igual. Las ciudades, los coches, las personas y la ropa sigue siendo igual que en el 2013. Aunque existen robots que pueden llegar a sentir. Robots que pueden ser programados con un nivel altísimo de emociones como por ejemplo el prototipo 519.
Kike Maíllo se adentra en la ciencia ficción. Un lugar poco transitado en el cine español. De hecho se programó en el Festival de Sitges de 2011.
 Hay que tener valor para dirigir una película de Ciencia ficción en España. Y más que sea su ópera prima. Aunque Vigalondo también se atrevió con "Los cronocrimenes" (2007) y salió victorioso
El inicio es casi el final. Alex Garel (Daniel Brühl) regresa a su ciudad y a su facultad para reiniciar un trabajo que dejó hace años. Se reencuentra con su hermano David (Alberto Ammann) con su expareja sentimental (Marta Etura) y con su mentora Julia (Anne Canovas). Y la historia comienza de nuevo, pero es como si no hubieran pasado diez años ya que casi todo sigue igual y encima le piden que cree (otro) un robot divertido y lúdico.
Para crear un robot lúdico necesita encontrar un niño que no sea aburrido. Y de repente se encuentra con Eva (Claudia Vegas). Eva unirá a Alex con Lana (Marta Etura) y con todos. Pero también las desunirá. Eva se comporta extrañamente para la edad que tiene, siempre vistiendo de rojo. Unas veces demasiado inocente otras demasiado madura. El encuentro que tiene Eva con Max (gran Lluís Homar) es extraño y a la vez nos está dando más pistas.
Mezclar sentimientos con robots es algo que puede llegar a dar miedo o tristeza. Un tema que puede ser escabroso y que el humano debe de tenerle respeto aunque todavía no hemos llegado al año 2041 pero ya dejamos el año 2001 y a Hal.
En esta se mezclan los robots tipo Bladerunner o A.I. con el sempiterno mito del Doctor Frankenstein. Esta vez Frankenstein es una pareja. Convivir con robots que tienen sentimientos debe ser duro. Ver a Max bajándose un nivel como si fuera un simple Sim da pena y debería estar prohibido. Además existen los gatos-robots libres mezclándose con Russian Red.
A mí lo que me ha llamado la atención es su estilo blanco perfeccionista con unos efectos especiales bastante buenos (ha ganado varios premios por ello) y con una historia que no cae por el sentimentalismo como pasaba a veces en "A.I" (2001). Y con un final bastante bonito que también puede que nos recuerde a "Blade runner" (1982)en algunos detalles. Los Blade runners eran casi perfectos como el prototipo 519.
Y lo peor son unos flojillos actores que estan por debajo de la trama. Salvar a la niña Cladia Vegas y al genial Lluís Homar.
A ver que nos trae para la próxima Kike Maíllo. Dificiles tiempos le ha tocado vivir.

"El hobbit: Un viaje inesperado", Peter Jackson, 2012.

Ya hace más de una década que Peter Jackson inició una de las trilogias más populares de los últimos tiempos "El señor de los anillos" basada en las novelas juveniles de J.R.R Tolkien. Y eso que en 1978 Ralph Bakshi nos regaló otra película basada en la novela de Tolkien pero era animación y el proyecto no siguió adelante.
Y todos o casi todos la esperabamos con espectación. La primera película la acogimos con ganas, y pronto se convirtió en un fenómeno de masas. Hasta que se estrenó la última película de la trilogía "El señor de los anillos: El retorno del rey" (2003) ganando nada menos que once óscars.
Nada más terminar la trilogía ya sonaba adaptar la precuela "El hobbit". Durante esos años Peter iba y venía. Hasta que le cayó el proyecto a Guillermo del Toro y todo empezó de nuevo.
Al final Del Toro no dirigió (si está en producción y guión) y la peli volvió como un boomerang hacia Peter.
Y todo comienza de nuevo. Aunque es raro que de una sola novela hagan tres películas (marketing, dinero). Pero bueno habrá más chicha. Esperemos.

"El hobbit" comienza bien. Empieza como "El señor de los anillos: La comunidad del anillo" (2001) presentándonos a Bilbo Bolson (Martin Freeman) y de nuevo a Gandalf (Ian McKellen).Luego poco a poco como si se tratara del camarote de los hermanos Marx van entrando en escena los trece enanos. Destacar a Thorin (Richard Armitage) que es el rey de los enanos. Los enanos son como los de Blancanieves porque tienen todo tipo de personalidades: Balin, Bafur, Kili y un largo etc.
Empieza la nueva aventura y en esta además de orcos, apareceran trolls (buena secuencia), trasgos, peleas entre monatañas....y un dragón todavía dormido llamado Smaug recordándonos a los dragones de "Juego de tronos".
Y así hasta el final. Todo aventura. Aunque habrá el típico receso en Rivendel (No me gusta Rivendel) cayendo el ritmo de la película. Luego recuperándola en los desfiladeros. Ahora ha esperar a la segunda.
Tampoco olvidar que "El hobbit" era un cuento infantil. Pero entre Jackson y Del Toro le han dado un aire más juvenil y a veces un pelín más oscuro (no tanto como "El retorno del rey") en ocasiones. Y como es la precuela de lo que iba a suceder en "El señor de los anillos" aparecerá el anillo y Gollum. Digamos que a Tolkien lo "forzaron" a escribir "El señor de los anillos" tras el éxito de "El hobbit". Ahora es a la inversa.
Una película para los fanes de la trilogía. Guiños, bromas, se dan la mano durante toda la película. Un humor escondido en detalles como el "Corred insensatos" de Gandalf o el inicio de la película con la presentación de los enanos.
Puede que lo peor sea esperar a otras dos películas más. Y por ser un libro corto es aún más extraño (¿cuantas sagas no han continuado?). Además los fieles están más exigentes. Las otras dos pelis son un misterio total.
Lo mejor de la peli es la ambientación siempre excelente. Un Gollum (otra vez Andy Serkys) aún más cabrito. Genial la secuencia de las adivinanzas.
Lo peor. Para mí Rivendel y  que a veces los combates agobian bastante (trasgos por doquier).
Solamente hay que meterse en el mundo de Tolkien y Jackson.
También decir que echo de menos un poco al Jackson de antaño.

"Los miserables", Tom Hooper, 2012.

La verdad es que se podría hacer una breve historia de las adaptaciones de la novela "Los miserables" de Victor Hugo. Adaptaciones para el cine, para la televisión y musicales. En este caso hablamos de la adaptación del musical creado por Claude-Michel Schönberg (música) y Alain Boublil (guión) en 1980 y que a su vez ha tenido unas cuantas adaptaciones a lo largo de todos estos años.
En España se estrenó por primera vez en 1992 y en el 2010 llegó la otra adaptación que a su vez es la versión del 25 aniversario de "Los miserables". Todo es un bucle.
Para la ocasión se ha elegido a Tom Hooper que ya ganó varios Óscars por "El discurso del rey" (2010). Un realizador experto en este tipo de producciones y algo plano en ocasiones pero que sale airoso de este lio.
"Los miserables" es un drama, un drama historico enorme. En donde se confrontan las ideas del antiguo regimen o época medieval resumido en el personaje de Javert (Russell Crowe) y la idea del nuevo regimen o revolución en la figura de Jean Valjean (Hugh Jackman). Un pequeño resumen del estado en que vivía la sociedad francesa en el siglo XIX hasta el año 1832.
La verdad es que el musical "Los miserables" es espectacular. Desde el comienzo con esos prisioneros metiendo el barco en la esclusa, las barricadas o los cañerias de París. Y claro no olvidar la música ni las canciones que algunas ya son míticas como por ejemplo "Amo del mesón" interpretada en la película por Sacha Baron Cohen (Thénardier) y Helena Bonhan Carter (Madame Thenardier) poniendo un poco de humor en la película, o "La canción del pueblo".
La elección de los actores podía haber sido díficil pero creo que han acertado de lleno en la elección del elenco. Puede ser arriesgado contar con Russell Crowe (Javert), Hugh Jackman (Valjean) o la propia Anne Hathaway (Fantine) pero salen bastante airosos de esos primeros planos elegidos por Hooper para describir las canciones. Y Hathaway sale victoriosa.
Puede que sea una producción creada para ganar Óscars. Estrenada en Navidad, contando con muchas estrellas y encima adaptando un musical con mucho tirón. Pero va más alla de eso.
Viendo la peli podemos ver la enorme similitud de la situación por la que pasaba Europa en aquel momento y en la que vivimos ahora no tan alejada de aquella época. Solamente nos queda echarnos a la calle y construir esas barricadas.
El otro puede o pero es que es una historia que gustará más a aquellos que conocen el musical o la historia de los personajes. Sobre todo Valjean, Javert, Fantine, Marius (Eddie Redmayne), Cosette, Epònine. Cada personaje tiene una música y una historia.
Lo mejor: Además de ver cantar a todos estos actores no cantantes. Ver el plano fijo de Anne Hathaway cantando "Soñe una vida" ya vale casi una nominación para los Óscars.
Lo peor: Algunas veces se hace algo cansado por la duración de la peli y es que son muchos planos fijos y soliloquios.
Solamente hacer una pregunta ¿Cuántas nominaciones conseguirá?.

"La delicadeza", David Foenkinos y Stéphane Foenkinos, 2011

Basada en la novela "La delicadeza" del propio director David Foenkinos.
Cómo el propio nombre indica es una historia sobre la delicadeza. La delicadeza en las personas, en como decir las cosas, en como sentir y en como comportarnos. No está demasiado bien visto hoy en día ser delicado. Una mierda a veces para los tiempos que corren.
Vamos a entrar en los tópicos. La película es sumamente francesa, refinada y tiene ese punto de humor francés vista en muchas pelis de este tipo pero no llega a ser cargante ni pesada como por ejemplo "Una dulce mentira" (2010). No es demasiado visual y a veces es un pelín austera.
Desde "Amelie" (2001) ya estamos acostumbrados a ver a Audrey Tautou en este tipo de papeles dramáticos, de chica un pelín díficil y extraña.
En esta ocasión Nathalie ( Audrey Tautou) enamorada de su chico François (Pio Marmaï) deciden casarse y comer perdices. Pero llega el drama y Nathalie se queda sola. Se queda sola ante la vida, ante el trabajo y sobre todo sola en ese salón donde horas antes estuvo con François.
Hay que empezar de nuevo en el trabajo y sobre todo en la vida. Pero Nathalie es un poco austera y ha decidido no salir demasiado y sobre todo no pensar. Hasta que un día se le cruza un sueco en su vida y todo cambia. Deberiámos ir al Ikea solos a comprar y esperar que alguién nos besara. Pero eso solamente pasa en algunas películas.
Poco a poco con el sentido del humor y con esos mismos personajes que podriámos ser cualquiera de nosotros la película nos va ganando y vamos entrando poco a poco porque de eso se trata de contar  esos sentimientos, los sentimientos de Nathalie y de Markus. Los ganados y los perdidos. En suma la vida.
Una peli que no es nada pretenciosa y que con la mirada de la Tautou el sentido del humor de François Damiens (Markus) ya nos tiene ganados.
Algunas veces me llega a recordar a la española y agridulce "Bon appétite" (2010) de David Pinillos.
Y enlazo una canción que aparece en la película que también nos recordará un poquito a muchas cosas.

https://www.youtube.com/watch?v=Wo5XSAdSqEg  Emile Simon.

"Outrage", Takeshi Kitano, 2010.

Takeshi Kitano o Beat Takeshi no se cansa de describirnos el mundo de los yakuza. Un mundo donde el honor y la jerarquía prevalece sobre todas las cosas. Es lo más importante. El honor no se debe de perder nunca ni tampoco faltar el respeto, robar o engañar a tu superior porque sino debes de cortarte  un dedo para restablecer ese honor. Al menos por un tiempo.
Con "Outrage" Kitano sigue usando la violencia de la misma manera que en sus inicios. Quizás no trata tan bien a la muerte o no la embellece como en otras películas suyas como "Hana Bi" (1997) o "Sonatine" (1993). En esta, es menos sutil y mucho más directo. Nos muestra la violencia tal cual es y usando cualquier tipo de arma. En esto nos puede recordar a las películas coreanas. No hay escrúpulos para enseñarlo todo.
"Outrage" es la historia de un yakuza, la historia de Ôtomo. Un yakuza que siempre ha estado al mando de un jefe y que ya está un poco cansado de servir a su jefe un tanto incompetente.
La historia gira alrededor de familias, yakuzas, (Ishihara, Murase, Kâto...), policias corruptos, embajadas también corruptas. La verdad es que solamente falta Scorsese dándose una vueltecita por el set de la película.
Kitano casi nunca adorna sus películas de manera forzada. Al menos las historias que hablan sobre los yakuza. Recordemos "Brother" (2000), "Hana bi. Flores de fuego". Pero si que suele embellecerla en otro tipo de películas como "Dolls" (2002) o "Zatoichi" (2003) un poco más visuales.
Kitano parece que va ganando agilidad en el uso de la cámara, en colocarla, en usar travellings, zooms. Aunque nunca faltaran esos planos descriptivos, planos fijos describiendo la acción o la no-acción.
Tampoco esconde nada. Va al grano y cuenta lo que él quiere. Puede que no sea original en sus historias.
Terminándola como una especie de exterminio:el exterminio de un clan (algo normal en películas que hablan sobre clanes). Y con la supervivencia del más cabrón. Gana el que tiene menos escrúpulos o el que está hasta los cojones de todo y en un momento lúcido no servicial se le nubla la mente y pum.
Unos actores que parecen sacados de los yakuza. Sobre todo Murase (Renji Ishibashi). Y Beat Kitano siempre está ahí con esa cara casi inerte, describiendo lo que siente en cada momento, dolor, odio.... Detrás de esa máscara existe una sensibilidad inaudita vista por ejemplo "El verano de Kikujiro" (1999) o "At scene at the sea" (1991). Le gusta mostrar los juegos o como perder el tiempo. Ese final es digno de "El verano de Kikujiro".
Ahora a la espera de la segunda parte de "Outrage" ya estrenada.

 Con cada nueva película siempre intento probar cosas nuevas. En Outrage trabajo dentro de la estructura del género yakuza, pero me esforcé en jugar con los giros inesperados en la trama. Y también intenté buscar nuevas formas de orquestar las tácticas violentas y asesinas”.