"Ip Man", Wilson Yip, 2008.

Cuando entramos en terrenos algo inexplorados nos podemos encontrar con sorpresas y con pequeñas joyitas. Cine de género al 100 % en este caso.
"Ip Man" o "Yip Man" es la historia de Yip man (Donnie Yem) el creador del Kung Fu. Todo ocurre en la ciudad de Foshan la cuna de las artes marciales en China. Allí debe de ir quién quiera ser un buen maestro y enfrentarse a Yip Man. Todos los maestros y forajidos quieren vencerlo. Pero es harto díficil. Todo cambia cuando los japoneses invaden China y empieza la guerra. La vida de la familia de Yip se complica y el nivel del juego aumenta. Aparecen enemigos más letales.
La película está concebida como si fuera un juego y poco a poco se van pasando los niveles y la dificultad aumenta. Todo muy normal dentro del género ya que podemos recordar desde "Operación Dragón" (1973), las primeras de Van Damme como "Kickboxer" (1989) o la más reciente "Chocolate"(2008).
Pero no solamente es una película de combates, también es una película histórica que cuenta la historia de un personaje y un momento muy puntual (1935-1945) dentro de la historia contemporánea china-japonesa la guerra cruenta que mantuvieron durante esos años.
Además no solamente los combates están bien realizados sino también los escenarios, vestuario y demás aspectos técnicos rayan la perfección. De hecho tuvo varios premios y nominaciones en los premios anuales de Hong Kong (2009).
El cine de género ya nos dejó en esta misma década algunas joyitas como "Kung Fu Hustle" (2004) o "Shaoling soccer" (2001) de Stephen Chow con más humor y parodia, aunque también Wilson Yip mete chistes y humor en la trama sin retener la acción.
Como ya dije antes la realización y el buen gusto a la hora de rodar es exquisita. Y viendo unos zooms y planos fijos un poco bruscos para resaltar una acción me recordó esos zooms bestiales de Tarantino en "Django desencadenado" (2012). Todo un lujo saber rodar ya que no todo los realizadores tienen ese don para rodar la acción.
La recomiendo sobre todo a los fanes del cine de género de acción y artes marciales.
Lo mejor: La mezcla acción/drama funciona bastante bien aunque a veces nos recuerde a películas como "Kickboxer" (1989) pero está es muy superior. También podemos recordar a veces a Po al fin y al cabo es Kung Fu lo que enseña Ip.
Lo peor: Puede que la película tenga un mensaje pronacionalista pero al fin y al cabo es un producto realizado en Hong Kong y el mensaje va destinados a ellos.

"El fraude", Nicolas Jarecki, 2012.

Las sorpresas todavía existen. Y esta puede ser una de ellas. Presentada en el último festival de San Sebastián. Nicolas Jarecki nos regala otro Gordon Gekko personaje que aparece en "Wal Street" (1987) interpretado por Michael Douglas pero esta vez en la piel de Robert Miller (Richard Gere).
Desde que comenzó la crisis ya hace casi un lustro, se han realizado muchas películas sobre la crisis económica o sobre como surgió la crisis o contándonos como estos indeseables se enriquecen a costa de la gente. Puede que haya surgido un nuevo género y esperemos que este género no dure demasiado como ya dije cuando vi "Margin Call"(2011).
Pero tampoco es como "Margin Call" (2011) o "The company men" (2010) o cualquiera de estas que nos cuenta problemas sobre el paro, la economía o como surgió la maldita crisis.
"El fraude" es una película sobre un fraude o arbitrage. En ella aparece todo tipo de fraudes. Desde el fraude personal al fraude empresarial. Estamos rodeados de fraudes. Fraudes legitimados y no legitimados.
En la peli nos describe la situación de Robert Miller. Y como hace y deshace a su antojo. Nos describe todos los tejemanejes (o algunos) de las empresas, como ya vimos en "Margin call" (2011) o "Capitalismo, una historia de amor" (2009).
Rodada de una manera clásica sin ningún alarde y con buen gusto. La historia avanza poco a poco. Es una especie de caída económica y social, más o menos parecida a la de Dr. William "Bill" Harford en "Eyes Wide Shut" (1999) o Brandon en "Shame" (2011), pero que en estas últimas la caída también fue sexual. Las tres transcurren por las calles de Nueva York ciudad donde parece que los fraudes y caídas son más espectaculares.
También es interesante saber que es la primera película de Jarecki (el guión también es suyo). Puede que tengamos seguir la carrera de este cineasta.
Una de los detalles mas positivos de la película es el ambiente que rodea en todo momento la historia. Una atmosfera extraña que persigue a Robert Miller durante todo el momento. Gere está en estado de gracia y muy bien secundado por la mayoría de los actores que aparecen. Desde su mujer Ellen Miller (Susan Sarandon) y todos los que intentan ayudarle Jimmy Grant (Nate Parker) o mandarlo a prisión  como el detective Bryer (Tim Roth).
Lo negativo es que se tendría que haber mojado un poco más en el asunto y puede que estuvieramos ante una película mucho mejor. Es una historia que te hace pensar. Pensar  que ahora mismo no estamos seguros en nada y nos la pueden liar parda en cualquier momento. Y ellos no tienen miedo, solamente puede ser agarrados o puteados por su propia familia. Al fin y al cabo son los que estan más cerca.

"Django desencadenado", Quentin Tarantino, 2012.

Ya hace veinte años que Tarantino apareció e irrumpió en nuestras vidas y en nuestro cine. Tarantino nos hizo creer de nuevo en el cine de género. Experto en reactivar géneros, carreras cinematográficas y usar de una manera divertida e inteligente todas las referencias que conoce y que no son pocas.
Tras reiventar el género bélico con "Malditos bastardos" (2009) y de paso cambiar la historia de la segunda guerra mundial.
Con "Django desencadenado" Tarantino reinventa el spaghetti western y encima le da la vuelta a la historia de Django (Jamie Foxx) convirtiéndolo en un héroe de la esclavitud.
Django es un homenaje al spaghetti y a la propia "Django" (1966) de Sergio Corbucci. Nada más empezar la pelicula nos planta los títulos de crédito y la música de la original con la excepcional música de Luis Bacalov.
Tarantino nos regala una película autoparódica, excesiva (queriendo) y divertida. Nos cuenta la historia de Django, un esclavo que se convierte en cazarrecompensas con la ayuda del doctor King Schultz (gran Christoph Waltz). Estos dos personajes se mueven, uno por la venganza (Django) y el otro por la amistad que surge entre ellos y el gran odio que tiene el Doctor King a los esclavistas.
La historia se mueve por la venganza y la amistad. Venganza cercana al cine asiático (Kill Bill) por la manera de tratarla. Y la amistad tipo road movie. Amistad que aparece en otras películas Tarantinianas sobre todo "Kill Bill". Esta película esta cercana a aquella historia.
Pero centrándonos en "Django desencadenado". Además de ser un homenaje al spaghetti (ya era hora). Tiene un humor menos sutil que en otras ocasiones. Un humor cercano al de los Monty Python o la comedia americana más loca. Con una galeria de situaciones y personajes que rallan el surrealismo. Puede que el guión de Tarantino no sea lo mejor de la película, dejándonos a veces a cuadros con situaciones un poco extrañas y fuera de lugar. Pero creo que es lo que Tarantino quiere hacernos pensar o que creamos. Y una fuerza visual a veces que te deja enganchado a la pantalla con detalles poco sútiles como los zooms o con el uso genial de la música. Ya sea la de Luis Bacalov o la de Morricone. O la que interpreta James Brown "Unchained" o el otro claro homenaje al spaghetti con la música de "Le llamaban Trinidad" cerrando la película.
Además de ser una película violenta y que recrea la violencia pop ya vista en "Kill Bill" (2003) o "Death proof" (2007) por el uso de la sangre. En "Django" el uso de la sangre no es tan gore como pop. Solamente ver la secuencia en la mansión en Candi Land donde la mansión termina pintada de rojo y llena de cadáveres.
También una historia crítica con el esclavismo negro y con el racismo. Con personajes como Calvin Candie (genial Leonardo DiCaprio) o el malvado Stephen (Samuel L.Jackson).
Otra cosa que es increible y que no puede faltar en las películas de Tarantino son las situaciones en las mesas. En esta ocasión no podía faltar y encima  se le añade un cráneo, un cráneo familiar. Un discurso racista y antropomorfo el de Calvin  que hace que el genial Doctor King Schultz se reactive y haga clip en su cerebro.
Y como no podían faltar personajes. Solamente mencionar los geniales Billy Crash (Walter Coggins), Mr.Stonesypher (David Steen), Big Daddy (Don Johnson), Americo Vessepi (Franco Nero) o al personaje que interpreta Jonah Hill (gran humorista).
Una película que parece insustancial (a mí al inicio me lo pareció) pero que en realidad tiene más chicha. No es perfecta y creo que es lo bueno de las películas de Tarantino la no perfección. Hace bien en no buscar otro "Reservoir dogs" (1992). Al final las nominaciones o los premios es lo de menos. Solamente queda disfrutarla.
Momentazo es cuando aparece la canción de Morricone "Ancora qui". Eso es impagable.

"Ruby Sparks", Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2012.

De vez en cuando aparecen personajes que te enamoran y eso ocurre poquitas veces. Cuando ocurre eso hay que aprovecharlo y exprimirlo al 100%. Aprovechar la ocasión que te brindan.
Como ya nos cautivaron Clementine, Summer o Charlotte.
También es bonito darte de bruces con una película así. Una peli fresca, enternecedora y a veces malvada. Fresca porque el guión y la historia son originales aunque nos recuerde a veces a las pelis de Woody. Enternecedora porque los personajes son enternecedores y empatizas con ellos todo  momento. Y malvada porque la vida es así. Queremos fabricar nuestro propio yo. Enamorarnos de otro clon parecido a nosotros.
La peli entra en el extraño genero de mezclar ficción con realidad. Y ejemplos hay muchos. Desde la increible "Jennie" (1948) o la más parecida y cercana "Más extraño que la ficción" (2006).
La historia es sencilla pero no quiero hacer spoilers porque le quitaría mucha gracia sino se ha visto la peli. Simplemente mi resumida sinopsis sería chico escritor raro conoce a chica rara. Calvin (Paul Dano) meets Ruby (Zoe Kazan que es la guionista de la peli).Deja en pañales a la mayoría de películas románticas.
Aparecen psicoanalistas, homenajes a Salinger a Fitzgerald. Y un perro llamado Scottie. Un poco onirica y con mucha luz. Esa luz que te ciega de felicidad.
Nos recordará a "Olvidate de mí", "(500) días juntos"...películas que te dejan una pequeña marca en la mente y en los recuerdos.
"Ruby Sparks" está realizada por la pareja Jonathan Dayton y Valerie Faris que ya triunfaron con su primera película "Pequeña Miss Sunshine" (2006) otra película que deja muy buen sabor de boca. Fue una de las sorpresas del 2006.
Esperemos que esta pareja sea más promíscua. Y nos den más sorpresas.
Entre las curiosidades de la película. Además de ser la guionista Zoe Kazan, en la película aparecen Antonio Banderas (Mort) y una ya madura (pero atractiva) Annette Bening (Gertrude) haciendo de padres de Calvin. Una pareja algo extraña. Casi nunca los padres son normales o aburridos en este tipo de pelis solamente hay que recordar "Los padres de ella" (2000) o la reciente "El lado bueno de las cosas" (2012).
Solamente me queda decir que hay que dejarse llevar por la historia y por Ruby.

"El lado bueno de las cosas", David O.Russell, 2012.

Cada año por estas fechas aparece una película que sorprende por la cantidad de nominaciones para los Óscars o que de repente surge una cinta (ayudada por el marketing) que no entraba en las quinielas para estos premios. Este año ha pasado con "El lado bueno de las cosas" y "Bestias del sur salvaje" (2012) pero ambas habían obtenido menciones y premios por parte de la crítica americana.
Pero este nombre que le han puesto en España no ayuda o anima lo suficiente para ir a verla. Su nombre original es "Silver linings playbook".
Lo que realmente puede animar ir a verla es que a los mandos está David O.Russell uno de los directores americanos más interesantes de la pasada década y con muy poquitas películas. Ya apareció con la ingeniosa y crítica "Tres Reyes" (1999) y sorprendiendo con una peli en el 2004 llamada "Extrañas coincidencias" una peli al estilo Gondry bastante surrealista y extraña. Y la última película que estrenó ya sorprendió también en los Óscars del 2010 con el drama social "The fighter".
Ahora con "El lado bueno de las cosas" entra de nuevo en la carrera de los Óscars. Con ocho nominaciones puede que parezca exagerado tanto premio y nominación para una comedia dramática que no se sale de los parámetros normales.
El segundo punto importante para ir a verla es su casting. Un casting sorprendente y poderoso. Con dos actores en estado de gracia. Un gran Bradley Cooper (Pat) y la jovencita Jennifer Lawrence (Tiffany) que poco a poco con su mirada está conquistado a todos. También añadir al reformado Robert de Niro (Pat Sr) y la siempre genial Jackie Weaver (Dolores).
Empieza la película con Pat ingresado en un centro psiquiátrico (manicomio antiguamente), con trastornos bipolares y obsesivos. Puede que nos recuerde levemente Pat a R.P McMurphy de "Alguién voló sobre el nido del cuco"(1975). Con la inestimable ayuda de Danny (Chris Tucker).
Todo empieza de nuevo para Pat. El reencuentro con la rutina puede ser doloroso y sobre todo recordar a su ex-pareja Nikki (Brea Bree) con otra persona. Su mejoría pasa por recuperarla. Con la ayuda de las bolsas de basura, el footing y Ernest Hemingway puede que la mejoría llegue antes.
Pero todo cambia cuando en la historia aparece Tiffany (Jenniffer Lawrence) un personaje que podría recordanos a los personajes de Capote sobre todo a  Holly  Golightly (Desayuno con diamantes).
Con la aparición de Tiffany el mundo de Pat se resquebraja al igual que el de toda la familia. La busqueda de la felicidad es tal que no se quieren dar cuenta de lo que tienen delante. Pero los signos a veces están guiándo de manera descarada el final feliz.
Luego con la ayuda de las combinadas, del futbol americano, y un baile que mezcla los White Stripes y alguna música que nos puede recordar a Dirty Dancing termina una historia de amor romántica bastante fresca y divertida.
La primera hora es genial un guión casi perfecto donde se puede ver a Bradley Cooper en su salsa y en estado de gracia. Lo peor de la peli: Ese nombre que no anime nada a verla y que al final la película tiene un final a lo mejor demasiado feliz para lo que habiámos visto a lo largo de la historia.
La carrera de los Óscars están díficil pero al menos ya han conseguido lo que querian. Impresionarnos y emocionarnos un poco con esta historia bastante humana.

"The possession (El origen del mal)", Ole Bornedal, 2012.

Díficil hacer reseñas o críticas de pelis de un género tan repetitivo comon es el género de las posesiones.
Es un género de fans. Me incluyo en él grupo de seguidores desde que vi "El exorcista" (1973) y aunque sea repetitivo creo que puede ser la mejor película de posesiones que se ha realizado y que será díficil volver a repetir aquella hazaña.
Durante estos últimos años se han realizado varias produciones intentando describir que es una posesión o como es un exorcismo, siempre cayendo en el error de intentar imitar a "El exorcista" (1973).
Quizás la película que se desliga más de "El exorcista" (1973) es "La posesión de Emma Evans" (2010) una película que no tuvo demasiado éxito ni de crítica ni de público pero que merece echarle un ojo. Sobre todo los fans.
Otras pelis que han seguido más o menos el mismo sendero estos últimos años han sido "El rito" (2011), "El último exorcismo" (2010), "Devil inside"(2012) o la sorpredente "Insidious" (2010).
A "The possession" la metemos en el mismo cajón. Y no por ser pesado pero es que se ha fichado de nuevo a un nórdico para realizar la peli. Al ya conocido Ole Bornedal por su éxito de los 90's "El vigilante nocturno" (1994).
La historia es parecida a la de "El exorcista" (1973). Una niña de diez años llamada Em (Natasha Calis) se encuentra una cajita; en "El exorcista" (1973) fue una guija. Una cajita que nunca, nunca se me ocurriría abrir. En la caja hay unas siglas grabadas en hebreo que significa "Peligro no abrir, muerte". ¿Pero quién sabe hebreo?. Y la cajita terminará abierta.
Y desde que se abre la caja de Pandor loss problemas empiezan para esta familia de padres separados y con dos niñas muy monas. Siempre son monas e inocentes. O casi siempre.
La novedad de la historia es que el demonio maligno es judio.Un demonio llamado Abisu. Para los neófitos en este tema de posesiones, para llamar a un espiritu hay que saber que tipo de demonio es y como se llama el demonio sino la cosa está muy chunga para el poseido/a.
Y algo que siempre o casi siempre se repite en este tipo de pelis, es que tienen un aire japonés/coreano cuando aparecen estos demonios malignos, siempre a oscuras, con el pelo largo y negro, la cara deformada. Y cuando pasa esto me viene a la mente Tomoko la chica que aparece en "The ring" (1998) que no es del género de posesiones sino del género de las maldiciones. Un género que se tendría que poner en boga en estos momentos que corren.
La peli no aburre. Esta exquisitamente realizada. Con buen gusto. No tiene sustos forzados. Y además los actores lo hacen bastante bien. Entre el elenco destacar al rapero hebreo Matisyahu (Tzadok) y al ex-watchman Jeffrey Dean Morgan (Clyde) haciendo de un entrenador de basket separado.
Y eso es lo mejor de la peli. La exquisitez del producto no bien terminado. Es rara la frase pero es cierta. Puede que se note la mano del productor que no es otro que Sam Raimi.
Y ya estamos esperando la próxima película de posesiones que no es otra que el remake de aquella " The evil dead" (1981) de el propio Raimi.

"Nadie sabe nada de gatos persas", Bahman Ghabadi, 2009.

La película tiene nombre de fábula. A Bahman Ghabadi le gusta incluir animales en los títulos de sus historias como en la conmovedora y dura "Las tortugas también vuelan" (2004).
El cine Iraní además de indie por fuerza debe ser crítico y social. Como el que tendriámos que realizar en España en estos momentos.
Además de tener nombre de fábula la película es una aventura de dos jóvenes músicos iranies que su único sueño es montar un grupo e ir a dar conciertos a Europa. Aunque el único sueño que tienen los músicos en Irán es poder tocar con libertad la música que desean.
La otra aventura es poder conseguir pasaportes y visados para poder salir del país algo bastante díficil en un país invadido por los celos religiosos y por la bestial censura.
Negar (Negar Shaghaghi) y Ashkam (Ashkam Koshanejad) empiezan la busqueda de otros tres músicos para poder formar ese grupo y para ello cuentan con la ayuda de Nader (Hamer Behdad) un buscavidas que les llevará por todos los barrios de Teherán en busca de grupos, voces, baterias, bajos.
Como si fueran unos cazatalentos empiezan a patear las calles de Teherán y poco a poco van apareciendo grupos de todos los estilos: Pop, rock iraní, heavy, música tradicional iraní, rap-persa.
Con la historia de Negar y Ashkam. Bahman nos cuenta como se hace música en Teherán. A base de imaginación y corazón los jóvenes fans de Joy Division, Madonna o Sigur Ros hacen música en inglés o en Persa. Letras de protesta y sociales pero tocadas por esa censura fascista.
El sentido del humor va apareciendo en las historias de cada banda. Sobre todo en la banda de rock que ensayan en un improvisado estudio en la azotea de un edifico o la  banda heavy que ensaya rodeados de vacas.

Pero no todo es fácil y el sentido del humor se mezcla con el drama. El drama se vive y se siente en las calles viendo los fotogramas que inserta Ghabadi en pequeños videos que acompañan a las canciones durante la película.
Además rueda de una manera bonita y sencilla aunque a veces se complique dando un toque "moderno" en algunas secuencias que lo que hacen es ralentizar la historia.
El cine Iraní se puso de moda en los años 90's porque todos los festivales querían tener a Kiarostami en su poder. Pero viendo las pelis de Ghabadi se puede decir que todavía sigue vigente y actual.
Este año estrenó "Fasle kardagan"(2012) y Asghar Fahardi nos regaló "Nader y Simin, una separación" (2011).
Añadir que la música es genial. Para todos los fanes del pop o rock es necesaria.

"Eva", Kike Maíllo, 2011.

En el año 2041 sigue todo igual. Las ciudades, los coches, las personas y la ropa sigue siendo igual que en el 2013. Aunque existen robots que pueden llegar a sentir. Robots que pueden ser programados con un nivel altísimo de emociones como por ejemplo el prototipo 519.
Kike Maíllo se adentra en la ciencia ficción. Un lugar poco transitado en el cine español. De hecho se programó en el Festival de Sitges de 2011.
 Hay que tener valor para dirigir una película de Ciencia ficción en España. Y más que sea su ópera prima. Aunque Vigalondo también se atrevió con "Los cronocrimenes" (2007) y salió victorioso
El inicio es casi el final. Alex Garel (Daniel Brühl) regresa a su ciudad y a su facultad para reiniciar un trabajo que dejó hace años. Se reencuentra con su hermano David (Alberto Ammann) con su expareja sentimental (Marta Etura) y con su mentora Julia (Anne Canovas). Y la historia comienza de nuevo, pero es como si no hubieran pasado diez años ya que casi todo sigue igual y encima le piden que cree (otro) un robot divertido y lúdico.
Para crear un robot lúdico necesita encontrar un niño que no sea aburrido. Y de repente se encuentra con Eva (Claudia Vegas). Eva unirá a Alex con Lana (Marta Etura) y con todos. Pero también las desunirá. Eva se comporta extrañamente para la edad que tiene, siempre vistiendo de rojo. Unas veces demasiado inocente otras demasiado madura. El encuentro que tiene Eva con Max (gran Lluís Homar) es extraño y a la vez nos está dando más pistas.
Mezclar sentimientos con robots es algo que puede llegar a dar miedo o tristeza. Un tema que puede ser escabroso y que el humano debe de tenerle respeto aunque todavía no hemos llegado al año 2041 pero ya dejamos el año 2001 y a Hal.
En esta se mezclan los robots tipo Bladerunner o A.I. con el sempiterno mito del Doctor Frankenstein. Esta vez Frankenstein es una pareja. Convivir con robots que tienen sentimientos debe ser duro. Ver a Max bajándose un nivel como si fuera un simple Sim da pena y debería estar prohibido. Además existen los gatos-robots libres mezclándose con Russian Red.
A mí lo que me ha llamado la atención es su estilo blanco perfeccionista con unos efectos especiales bastante buenos (ha ganado varios premios por ello) y con una historia que no cae por el sentimentalismo como pasaba a veces en "A.I" (2001). Y con un final bastante bonito que también puede que nos recuerde a "Blade runner" (1982)en algunos detalles. Los Blade runners eran casi perfectos como el prototipo 519.
Y lo peor son unos flojillos actores que estan por debajo de la trama. Salvar a la niña Cladia Vegas y al genial Lluís Homar.
A ver que nos trae para la próxima Kike Maíllo. Dificiles tiempos le ha tocado vivir.

"El hobbit: Un viaje inesperado", Peter Jackson, 2012.

Ya hace más de una década que Peter Jackson inició una de las trilogias más populares de los últimos tiempos "El señor de los anillos" basada en las novelas juveniles de J.R.R Tolkien. Y eso que en 1978 Ralph Bakshi nos regaló otra película basada en la novela de Tolkien pero era animación y el proyecto no siguió adelante.
Y todos o casi todos la esperabamos con espectación. La primera película la acogimos con ganas, y pronto se convirtió en un fenómeno de masas. Hasta que se estrenó la última película de la trilogía "El señor de los anillos: El retorno del rey" (2003) ganando nada menos que once óscars.
Nada más terminar la trilogía ya sonaba adaptar la precuela "El hobbit". Durante esos años Peter iba y venía. Hasta que le cayó el proyecto a Guillermo del Toro y todo empezó de nuevo.
Al final Del Toro no dirigió (si está en producción y guión) y la peli volvió como un boomerang hacia Peter.
Y todo comienza de nuevo. Aunque es raro que de una sola novela hagan tres películas (marketing, dinero). Pero bueno habrá más chicha. Esperemos.

"El hobbit" comienza bien. Empieza como "El señor de los anillos: La comunidad del anillo" (2001) presentándonos a Bilbo Bolson (Martin Freeman) y de nuevo a Gandalf (Ian McKellen).Luego poco a poco como si se tratara del camarote de los hermanos Marx van entrando en escena los trece enanos. Destacar a Thorin (Richard Armitage) que es el rey de los enanos. Los enanos son como los de Blancanieves porque tienen todo tipo de personalidades: Balin, Bafur, Kili y un largo etc.
Empieza la nueva aventura y en esta además de orcos, apareceran trolls (buena secuencia), trasgos, peleas entre monatañas....y un dragón todavía dormido llamado Smaug recordándonos a los dragones de "Juego de tronos".
Y así hasta el final. Todo aventura. Aunque habrá el típico receso en Rivendel (No me gusta Rivendel) cayendo el ritmo de la película. Luego recuperándola en los desfiladeros. Ahora ha esperar a la segunda.
Tampoco olvidar que "El hobbit" era un cuento infantil. Pero entre Jackson y Del Toro le han dado un aire más juvenil y a veces un pelín más oscuro (no tanto como "El retorno del rey") en ocasiones. Y como es la precuela de lo que iba a suceder en "El señor de los anillos" aparecerá el anillo y Gollum. Digamos que a Tolkien lo "forzaron" a escribir "El señor de los anillos" tras el éxito de "El hobbit". Ahora es a la inversa.
Una película para los fanes de la trilogía. Guiños, bromas, se dan la mano durante toda la película. Un humor escondido en detalles como el "Corred insensatos" de Gandalf o el inicio de la película con la presentación de los enanos.
Puede que lo peor sea esperar a otras dos películas más. Y por ser un libro corto es aún más extraño (¿cuantas sagas no han continuado?). Además los fieles están más exigentes. Las otras dos pelis son un misterio total.
Lo mejor de la peli es la ambientación siempre excelente. Un Gollum (otra vez Andy Serkys) aún más cabrito. Genial la secuencia de las adivinanzas.
Lo peor. Para mí Rivendel y  que a veces los combates agobian bastante (trasgos por doquier).
Solamente hay que meterse en el mundo de Tolkien y Jackson.
También decir que echo de menos un poco al Jackson de antaño.

"Los miserables", Tom Hooper, 2012.

La verdad es que se podría hacer una breve historia de las adaptaciones de la novela "Los miserables" de Victor Hugo. Adaptaciones para el cine, para la televisión y musicales. En este caso hablamos de la adaptación del musical creado por Claude-Michel Schönberg (música) y Alain Boublil (guión) en 1980 y que a su vez ha tenido unas cuantas adaptaciones a lo largo de todos estos años.
En España se estrenó por primera vez en 1992 y en el 2010 llegó la otra adaptación que a su vez es la versión del 25 aniversario de "Los miserables". Todo es un bucle.
Para la ocasión se ha elegido a Tom Hooper que ya ganó varios Óscars por "El discurso del rey" (2010). Un realizador experto en este tipo de producciones y algo plano en ocasiones pero que sale airoso de este lio.
"Los miserables" es un drama, un drama historico enorme. En donde se confrontan las ideas del antiguo regimen o época medieval resumido en el personaje de Javert (Russell Crowe) y la idea del nuevo regimen o revolución en la figura de Jean Valjean (Hugh Jackman). Un pequeño resumen del estado en que vivía la sociedad francesa en el siglo XIX hasta el año 1832.
La verdad es que el musical "Los miserables" es espectacular. Desde el comienzo con esos prisioneros metiendo el barco en la esclusa, las barricadas o los cañerias de París. Y claro no olvidar la música ni las canciones que algunas ya son míticas como por ejemplo "Amo del mesón" interpretada en la película por Sacha Baron Cohen (Thénardier) y Helena Bonhan Carter (Madame Thenardier) poniendo un poco de humor en la película, o "La canción del pueblo".
La elección de los actores podía haber sido díficil pero creo que han acertado de lleno en la elección del elenco. Puede ser arriesgado contar con Russell Crowe (Javert), Hugh Jackman (Valjean) o la propia Anne Hathaway (Fantine) pero salen bastante airosos de esos primeros planos elegidos por Hooper para describir las canciones. Y Hathaway sale victoriosa.
Puede que sea una producción creada para ganar Óscars. Estrenada en Navidad, contando con muchas estrellas y encima adaptando un musical con mucho tirón. Pero va más alla de eso.
Viendo la peli podemos ver la enorme similitud de la situación por la que pasaba Europa en aquel momento y en la que vivimos ahora no tan alejada de aquella época. Solamente nos queda echarnos a la calle y construir esas barricadas.
El otro puede o pero es que es una historia que gustará más a aquellos que conocen el musical o la historia de los personajes. Sobre todo Valjean, Javert, Fantine, Marius (Eddie Redmayne), Cosette, Epònine. Cada personaje tiene una música y una historia.
Lo mejor: Además de ver cantar a todos estos actores no cantantes. Ver el plano fijo de Anne Hathaway cantando "Soñe una vida" ya vale casi una nominación para los Óscars.
Lo peor: Algunas veces se hace algo cansado por la duración de la peli y es que son muchos planos fijos y soliloquios.
Solamente hacer una pregunta ¿Cuántas nominaciones conseguirá?.

"La delicadeza", David Foenkinos y Stéphane Foenkinos, 2011

Basada en la novela "La delicadeza" del propio director David Foenkinos.
Cómo el propio nombre indica es una historia sobre la delicadeza. La delicadeza en las personas, en como decir las cosas, en como sentir y en como comportarnos. No está demasiado bien visto hoy en día ser delicado. Una mierda a veces para los tiempos que corren.
Vamos a entrar en los tópicos. La película es sumamente francesa, refinada y tiene ese punto de humor francés vista en muchas pelis de este tipo pero no llega a ser cargante ni pesada como por ejemplo "Una dulce mentira" (2010). No es demasiado visual y a veces es un pelín austera.
Desde "Amelie" (2001) ya estamos acostumbrados a ver a Audrey Tautou en este tipo de papeles dramáticos, de chica un pelín díficil y extraña.
En esta ocasión Nathalie ( Audrey Tautou) enamorada de su chico François (Pio Marmaï) deciden casarse y comer perdices. Pero llega el drama y Nathalie se queda sola. Se queda sola ante la vida, ante el trabajo y sobre todo sola en ese salón donde horas antes estuvo con François.
Hay que empezar de nuevo en el trabajo y sobre todo en la vida. Pero Nathalie es un poco austera y ha decidido no salir demasiado y sobre todo no pensar. Hasta que un día se le cruza un sueco en su vida y todo cambia. Deberiámos ir al Ikea solos a comprar y esperar que alguién nos besara. Pero eso solamente pasa en algunas películas.
Poco a poco con el sentido del humor y con esos mismos personajes que podriámos ser cualquiera de nosotros la película nos va ganando y vamos entrando poco a poco porque de eso se trata de contar  esos sentimientos, los sentimientos de Nathalie y de Markus. Los ganados y los perdidos. En suma la vida.
Una peli que no es nada pretenciosa y que con la mirada de la Tautou el sentido del humor de François Damiens (Markus) ya nos tiene ganados.
Algunas veces me llega a recordar a la española y agridulce "Bon appétite" (2010) de David Pinillos.
Y enlazo una canción que aparece en la película que también nos recordará un poquito a muchas cosas.

https://www.youtube.com/watch?v=Wo5XSAdSqEg  Emile Simon.

"Outrage", Takeshi Kitano, 2010.

Takeshi Kitano o Beat Takeshi no se cansa de describirnos el mundo de los yakuza. Un mundo donde el honor y la jerarquía prevalece sobre todas las cosas. Es lo más importante. El honor no se debe de perder nunca ni tampoco faltar el respeto, robar o engañar a tu superior porque sino debes de cortarte  un dedo para restablecer ese honor. Al menos por un tiempo.
Con "Outrage" Kitano sigue usando la violencia de la misma manera que en sus inicios. Quizás no trata tan bien a la muerte o no la embellece como en otras películas suyas como "Hana Bi" (1997) o "Sonatine" (1993). En esta, es menos sutil y mucho más directo. Nos muestra la violencia tal cual es y usando cualquier tipo de arma. En esto nos puede recordar a las películas coreanas. No hay escrúpulos para enseñarlo todo.
"Outrage" es la historia de un yakuza, la historia de Ôtomo. Un yakuza que siempre ha estado al mando de un jefe y que ya está un poco cansado de servir a su jefe un tanto incompetente.
La historia gira alrededor de familias, yakuzas, (Ishihara, Murase, Kâto...), policias corruptos, embajadas también corruptas. La verdad es que solamente falta Scorsese dándose una vueltecita por el set de la película.
Kitano casi nunca adorna sus películas de manera forzada. Al menos las historias que hablan sobre los yakuza. Recordemos "Brother" (2000), "Hana bi. Flores de fuego". Pero si que suele embellecerla en otro tipo de películas como "Dolls" (2002) o "Zatoichi" (2003) un poco más visuales.
Kitano parece que va ganando agilidad en el uso de la cámara, en colocarla, en usar travellings, zooms. Aunque nunca faltaran esos planos descriptivos, planos fijos describiendo la acción o la no-acción.
Tampoco esconde nada. Va al grano y cuenta lo que él quiere. Puede que no sea original en sus historias.
Terminándola como una especie de exterminio:el exterminio de un clan (algo normal en películas que hablan sobre clanes). Y con la supervivencia del más cabrón. Gana el que tiene menos escrúpulos o el que está hasta los cojones de todo y en un momento lúcido no servicial se le nubla la mente y pum.
Unos actores que parecen sacados de los yakuza. Sobre todo Murase (Renji Ishibashi). Y Beat Kitano siempre está ahí con esa cara casi inerte, describiendo lo que siente en cada momento, dolor, odio.... Detrás de esa máscara existe una sensibilidad inaudita vista por ejemplo "El verano de Kikujiro" (1999) o "At scene at the sea" (1991). Le gusta mostrar los juegos o como perder el tiempo. Ese final es digno de "El verano de Kikujiro".
Ahora a la espera de la segunda parte de "Outrage" ya estrenada.

 Con cada nueva película siempre intento probar cosas nuevas. En Outrage trabajo dentro de la estructura del género yakuza, pero me esforcé en jugar con los giros inesperados en la trama. Y también intenté buscar nuevas formas de orquestar las tácticas violentas y asesinas”.

"Red state", Kevin Smith, 2011.

Ya hace casi veinte años que Kevin Smith triunfó con "Clerks" (1994). El año pasado "Red State" ganó el premio a la mejor película en el Festival de Sitges del 2011. Parece que algo está cambiando en su filmografía. "Red State" dirigida y escrita por el mismo.
 Quizás no sea una película original pero Kevin Smith nos demuestra que puede salir del camino establecido (el suyo y el de Bob) y probar con otro tipo de géneros. En esta ocasión mezcla algunos géneros, el de terror, acción... Pero el humor no está presente en casi ningún momento.
Esta claro que tiene muchos detalles de su filmografía como por ejemplo coger a tres chavales de una ciudad perdida de los EEUU y buscar sexo por Internet o la manera de comunicarse entre ellos.Siempre presente el sexo en la filmografía de Smith. Pero creo que esta película de Kevin todo es diferente, esta peli parece que estuviera dirigida por otro director. La manera de rodar no es tan plana como en otras ocasiones ("Mallrats"(1995) por ejemplo).Crea un ambiente diferente nunca visto en otras pelis suyas, un ambiente más gris, más oscuro. Nunca ha estado tan serio y dramático Kevin. Y eso en un director es de agradecer. Los cambios.
Y luego el tema elegido: El radicalismo religioso, el absurdo de las cadenas de mandos, el post 11 de septiembre. Una película casi apocalíptica. Esas trompetas finales que parecen salida de la cabeza de Damon Lindelof. Y ese final que a veces hemos visto en otras películas me recuerda un poco el humor ácido de los hermanos Coen o me remite al final de la película de Romero "La noche de los muertos vivientes" (1968).
Comienza presentándonos a tres chavales con ganas de tener sexo. Sexo con una prostituta. Una prostituta peligrosa como Sara (Melissa Leo). Y eso es lo que desencadena todo. Ya que en ese mismo pueblo existe una comunidad religiosa radical que persigue a los gays e incluso a las personas que tienen relaciones sexuales extramatrimoniales liderada por Abin Cooper (Michael Parks).
Y ahí es donde irán a parar Travis (Michael Arangano), Billy-Ray (Nicholas Braun) y Jarod (Kyle Gallner) a esa iglesia radical. Luego los Federales se meteran de lleno en la historia con la inestimable ayuda de Joseph Keenan (un gran John Goodman).
Tras el gran fiasco que supuso "Vaya par de polis" (2010) en donde no tuvo ninguna libertad para crear dónde se sintió como una marioneta de Hollywood y que siempre las productoras le piden que dirija otro gran éxito como el de "Clerks" (1994). Terminó un poco harto y hasta pensó en dejar el cine. Así que produjo "Red state" e hizo lo que tenía ganas.
Claro que no es una película perfecta. No es una obra maestra. Pero creo que  Kevin todavía está a medio camino de lo que realmente puede crear. Con esta película ha dado un paso adelante.
Y lo que más me ha llamado la atención es su manera de manejar a los actores. Ni uno solo está mal dirigido. Michael Parks, John Goodman...están todos que se salen.
Como curiosidad aparece Anna Gunn (madre de Travis) que aparece en la serie "Breaking bad".

"Jeff y los suyos", Jay Duplass y Mark Duplass, 2011.

Igual vendría bien decir que no es una comedia. Al igual que la película iraní llamada "This is not a film" (2011). Esto no es una comedia.
Los hermanos Duplass se están especializando en un tipo de historias difíciles y siempre cercanas a la vida cotidiana. Familias desestructuradas, enfermedades, celos, muerte. Vamos lo que es la vida.
Ya vimos en su anterior película "Cyrus" (2010) todo eso. Incluso ampliado con un complejo de Edipo.
Y otra cosa que llama la atención en sus pelis son los actores. Al igual que en "Cyrus" (2010) veíamos a Jonah Hill, Marisa Tomei o John C. Reilly bordando su papel en esta es lo mismo pero los actores son Jason Segel (Jeff), Ed Helms (Pat) y Susan Sarandon (Sharon) haciendo papeles en los que no estabamos acostumbrado a verlos sobre todo a Ed Helms (Convención en Cedar Rapids) que siempre hace de buena persona o despistado inocente.
La historia es la de Jeff. Todo gira sobre él y su destino. Un destino parecido al de "Señales" (2002) Jeff está obsesionado con esa película y todo  depende de las casualidades o causualidades. Desde que recibe una llamada de teléfono equivocada en la cual preguntaban por un tal Kevin. Se obsesiona con ese nombre y esas letras K-E-V-I-N. Irá detrás de Kevin durante todo el tiempo.
Alrededor de Jeff van surgiendo otros personajes como su hermano Pat (Ed Helms, genial en la peli) que está obsesionado con los Porsches y su vida en pareja corre serio peligro. Jeff y Kevin intentaran ayudarlos para arreglar ese problema familiar.

Y el tercer personaje, Sharon (Susan Sarandon) es la madre de Pat y Jeff siempre pendiente de ellos pero que se siente sola desde la perdida de su marido.Trabajando siempre en la oficina en busqueda del príncipe azul.
Al final todo converge en Jeff y todo se arregla gracias a Kevin y al destino. Jeff es una buena persona traumatizada desde la muerte de su padre que busca incesantemente señales por todas partes. Al final esas señales sirven para algo.
 Cine independiente/social podría decir que es el género más cercano. Cercano a pelis como por ejemplo "Convención en Cedar Rapids" (2011) o "Win, Win" (2011). Para los que busquen historias sencillas y a la vez complejas.
Al fin y al cabo la vida es eso. Felicidad y desgracia. Los hermanos Duplass son expertos en describirnosla.

"El exótico Hotel Marigold", John Madden, 2011.

Es raro que esta peli este dirigida por John Madden. Hace unos años le llovieron Óscars del cielo por "Shakespeare in love" (1998) y hace poquito realizó la interesante "La deuda" (2010).
En esta ocasión realiza "El exótico Hotel Marigold" (2011) y realmente parece que la hizo porque pasaba por allí en ese momento ya que es una película demasiado aséptica o impersonal.
El tema ya es archiconocido y super manido. Elegir a unas cuantas personas (parejas) para hacer que coincidan en un lugar o ciudad dónde sus historias se entrelazan. En esta ocasiónel lugar es la India y el sitio un hotel casi en ruinas. El Hotel Marigold.
Es la típica peli en donde se mezcla el humor y el drama por partes iguales. Nada nuevo. Personas con problemas de salud, económicos, incluso de identidad sexual se encontraran en este hotel hasta que se resuelven sus problemas o no. También es una histoira amable y entretenida (a veces) pero siempre que vemos una peli de este tipo te viene a la mente "Love actually" (2003).

Describir la India no debe de ser fácil porque siempre se cae en los mismos estereotipos. El caos urbano, la sociedad, la religión, las diferencias sociales. Y todo esto siempre aparece en las películas que describen la India. Durante la peli recordamos "Slumdog millonaire" (2008) más que nada porque aparece en ella Dev Patel (Sonny) y por su verborrea; "Viaje a Darjeeling" (2007) en dónde también buscaban respuestas los personajes; "La boda del Monzón" (2001) en la cual nos describían las diferencias sociales existentes en la sociedad india. Todo aparece en esta peli pero en dosis más pequeñas.
Es raro que no se haya realizado la adaptación de la novela "El dios de las pequeñas cosas" de Arundhati Roy. Esta peli tiene muchas cosas del "El dios de las pequeñas cosas" y seguramente la autora de la novela Deborah Moggach "These foolish things" se ha visto influenciada en la de Arundhati Roy (esto son imaginaciones mias).
En fin que estamos ante una película díficil de reseñar. Una peli que no pasara de ser amable pero que tiene bastante público y seguidores.
Resaltar el elenco de actores importantes ingleses. Judi Dench (Evelyn), Tom Wilkinson (Graham), Bill Nighy (Douglas), Maggie Smith (Muriel).

"Tokio blues", Tran Anh Hung, 2010.

En la novela de Murakami "Tokio blues" el personaje llamado Toru Watanabe estando en un avión de regreso a Japón escucha la canción de los Beatles "Norwegian wood". A raiz de escuchar esa singular canción Watanabe empieza a recordar todas las cosas que le ocurrieron en su adolescencia, una adolescencia quizás demasiado madura. Y triste.
El director vietnamita Tran Anh Hung es el encargado de adaptar el best-seller mundial de Murakami. Quizás una de las novelas más adaptables de Murakami ya que no aparece el clásico universo paralelo del escritor japonés. Puede que Tran Anh Hung haya elegido la novela más afín a su cine, un cine naturalista y pausado (bastante). Con planos fijos y con pocas elipsis en su realización.
Como casi siempre ocurre. Tendemos a comparar la novela con la película. En la novela de Murakami aparecen muchísimos más personajes y detalles. En la peli Tran se centra en ese triángulo/cuadrilatero formado por Toru (Ken'ichi Matsuyama), Naoko (Rinko Kikuchi), Midori (Kiko Mizuhara) y Kizuki (Kôra). Todos los personajes se encuentran un poco perdidos y confundidos.
Todo ocurre en pocos años. Empezando en el año 67,en esa fecha empezó la revolución cultural en Japón (y en casi todo el mundo). Puede que por ello se entienda el comportamiento de los personajes un tanto cerrados en su sexualidad (Naoko), una confusión tanto política como sexual. Y Toru se encuentra en el vórtice o en el centro de todos los problemas, estando casi ajeno a esos problemas políticos (en el libro está más preocupado). No sabe que elegir ni tampoco que hacer. Ni tampoco sabe a quien querer que para eso tiene 20 añitos recién cumplidos.
La peli es bonita, bien realizada. Pero quizás peque en exagerar un poco esos personajes. Esos personajes tan cerrados y quizás limitados. O simplemente que necesitan un psiquiatra y no ir al campo a pensar que hacer. A lo largo de la película se van repetiendo las situaciones entre todos los personajes. Algunas veces es  Naoko otras Midori. Un poco circular. Un drama total. Una tragedia griega en la que nada puede terminar bien.
Como buen melómano que es Murakami. No podría faltar la buena música en la película compuesta por Jonny Greenwood (miembro del grupo Radiohead) y salpicada por música de los 60's y por supuesto no podía faltar "Norwegian wood" que acompaña a los personajes durante toda la película.
Una peli para los fanes del vietnamita Tran Anh Hung. Autor de películas como "El olor de la papaya verde" (1993) o "Cyclo" (1995).
También decir que no es una mala adaptación de la novela de Murakami. Ya que no inventa nada o añade cosas "raras". Se centra en los personajes centrales de la novela.

"De dioses y hombres", Xavier Beauvois, 2010.

Buen título para esta película. Esta historia se encuentra en medio de los dioses (ya sea musulman o cristiano) y los hombres. Hombres que siempre estan abordados por las dudas incluso estos monjes que viven placidamente en medio del Atlas argelino.
Película que se rodó antes de que estallará la Revolución democrática árabe en los países del norte de África (Túnez, Argelia...) en el 2010. Puede que fuera una coincidencia o no. Pero la película cuenta una historia que perfectamente podría haber ocurrido durante esa fecha o que estuviera ocurriendo en estos momentos.
Beauvois nos describe casi de manera documental y muy austera (casi monacal) la vida de estos monjes en el Atlas. Qué hacen, como viven y como ayudan a la comunidad. Es una descripción exhaustiva de la vida diaria de estos monjes.
Nos va presentando a los diferentes monjes. Christian (Lambert Wilson) que es el hermano que lleva el peso de la congregación; Luc (Michael Lonsdale) que es el médico y habla  incluso de enamoramientos con una chica que trabaja ayudándolos en el campo o Christophe (Olivier Rabourdin) que es uno de los más jóvenes y fuertes del grupo pero el que tiene más dudas.
Las dudas empiezan cuando estalla un enfrentamiento entre los insurgentes o terroristas que asesinan a todo el mundo que no siga a raja tabla lo que ellos digan (dogma radical) y el ejercito del gobierno (corrupto).
En cuanto empiezan las muertes los monjes empiezan a tener dudas. Dudas naturales porque no saben si quedarse o ir a un sitio más seguro. Pero la fe vence y deciden quedarse en el monasterio ayudando a amigos y enemigos.
La historia es real y ocurrió en plenos años 90's en pleno Atlas Argelino. En ese momento el invierno era duro y frio y hasta nevó duramente. Parece mentira que la fe y un dios pueda convencer a una congregación de monjes para quedarse en pleno centro de una guerra o conflicto. Pero deciden quedarse ¿para ayudar? o ¿porque no tienen otro sitio al que ir? ¿o porque la cosa se complique deben huir?...al fin y al cabo están para ayudar al pueblo.
Todo puede cambiar en un momento. Un pueblo en donde vivían placidamente musulmanes y cristianos. Donde se ayudaban mutuamente de repente deja de ser así para pasar al terror y al miedo.
La película es dura y directa. Y como dice Christian en la carta que escribe a modo de epitafio "Aunque hayamos muerto por una causa o unos ideales, no vamos a dejar de querer este país y a esta gente porque no todos son iguales". Y cuando la música del lago de los cisnes y de su muerte suena algo fuerte tenía que pasar.
Y lo que pasó fue que la nieve los engulló. Deberiámos intentar que jamás ocurrieran cosas así.
Beauvois describe un hecho que debe ser conocido por todo el mundo.

"Tenemos que hablar de Kevin", Lynne Ramsay, 2011.

Las vidas se resumen con las decisiones que tomamos ya sean buenas o malas decisiones. Decisiones que a veces pueden ser fallidas. Pero siempre tenemos esas opciones delante nuestra y casi siempre hay que tomar un cámino u otro. Y esta película realizada por Lynne Ramsay va de eso de las decisiones que tomamos y que la mayoría de las veces son erroneas (¿pero como saber eso?). Decisiones que se suponen que pueden ser fáciles como tener una relación de pareja, o tener una familia.
Lynne Ramsay adapta la novela de Lionel Shriver. Una novela bastante controvertida por el tema.
Al igual que el personaje de la novela de Kenzaburo Oé "Una cuestion personal"  que debía de elegir entre tener un bebé enfermo o irse de vacaciones. Eva Khatchadourian (una genial Tilda Swinton) elige tener a Kevin. Elige a Kevin antes que volver a viajar y conocer mundo. Elige tener un bebé. Pero tener un bebé a veces no es fácil de hecho casi nunca es fácil. Pero Kevin parece que está endemoniado desde su nacimiento, solamente desea hacer el mal, solamente desea joder.
Kevin engaña y chantajea a todos. Kevin parece salido de "La profecia" (1976) pero sin ser el demonio.
La mirada de los dos actores que hacen de Kevin es magistral, dan miedo. Tanto Jasper Newell (joven) como Ezra Miller dan miedo y a la vez confanza y eso es lo peor.
Una mezcla entre "La mala semilla" (1956) y "Elephant" (2003) . Nos va describiendo el universo de Eva alrededor de Kevin, todo gira alrededor de Kevin. Su vida se tuerce hacia la austeridad como la manera de rodar de Lynne. Una manera de rodar gris. Y también roja. Su vida es roja. Roja como la sangre, los tomates o la pintura que ralla las paredes grises de su casa. Una casa austera y fea.
La película está realizada con retazos. Atras y hacia delante con flash-backs sútiles. Con unas continuidades verdaderamente bonitas. La historia crece junto a Kevin.
Todos los actores están geniales. Incluyendo a John C.Reilly (vaya año del 2011 de este actor).
Lynne Ramsay creo que ha creado o adaptado una de las mejores historias del 2011.Y es sencillamente aterradora.

"Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres", David Fincher, 2011.

La mayoría de las veces cuando nos enteramos de que se va a realizar un remake de una película que fue popular o tuvo gran éxito lo normal es casi recharzarla de inmediato. Y más cuando fue un best-seller mundial: La trilogía del señor Stieg Larsson "Millennium" y que perfectamente se podría realizar la película del conflicto de su legado.
Después de que pasaran dos años del estreno en cines de la trilogía "Millenium". David Fincher empezó la trilogía en versión americana. Pero nos llevamos una grata sorpresa con la película ya que no tiene que envidiar nada en absoluto de la original dirigida por Niels Arden Oplev.
Fincher siempre rodeado y acompañado de buenos guionistas: Eric Roth en "El curioso caso de Benjamin Button" (2008); Aaron Sorkin en "La red social" (2010) y en esta última el elegido es Steven Zaillian.
Fincher famoso por su afan de perfección realiza una intriga casi perfecta. Empezando con unos títulos poderosos y directos en la que le acompaña la también poderosa música de Trent Reztnor y Atticus Ross.
Puede que sea menos sordida y violenta que la original. Pero esta gana en detalles (muchos detalles) aunque la historia sea la misma.
Detalles que se encuentran en el uso de la música, en el uso de los sonidos y como casi siempre pasa en las pelis de Fincher en el uso de lo visual y lo intangible.
Aunque la peli sea larga e incluso más larga que la original. Usa perfectamente los tiempos para que nunca decaiga el interés del espectador. Pero claro es un remake y no hay ninguna sorpresa ya que conocemos la historia con anterioridad (si la hemos visto o leido con anterioridad).
En otra cosa que acierta el señor Fincher es en el casting. Acertando en la elección de Rooney Mara para el papel de la interesante y extraña Lisbeth Salander. En esta un poco más dulce que en la original.
Daniel Craig borda el papel de Mikael Blomkvist, aunque de tan elegante que está parece que se ha escapado de "Skyfall" (2012). Y queda por reseñar los siempre geniales Christopher Plummer (Henrik Verger) y Stellan Skarsgard (Martin Verger).
Lo bueno de Fincher es que siempre hace suyos los proyectos. Aunque sean remakes. Contando una historia dura y fuerte. Describiendo el estado actual de "nuestra" Europa en donde nada es lo que parece.
Y como bien describe los títulos de crédito. La historia engancha mezclando nazis con puertos USB y cables. Asesinatos, desfalcos y mucha miseria es lo que nos describe Larrson y Fincher.
Tampoco hay que desmerecer la original de Niels Arden ya que esta claramente bebe de la original. Solamente cambia el final y es que Fincher se preocupa por contar como Lisbeth hace sufrir por amor a Hans-Erik Vennerstrom. Un amor o amistad que al final no consigue.
Una pena que sea un remake. Un remake poderoso y honesto.Honesto como dice el hermano nazi "Soy el hombre más honesto de Suecia".

"Woochi, el cazador de demonios", Choi Dong-Hoon, 2009.

No todo el cine coreano es violento ni cuchillos jamoneros inmensos.
En esta ocasión "Woochi, el cazador de demonios" es una película de humor y de acción para toda la familia.
Y como el nombre indica es una peli de demonios y magos. En esta historia nos podemos encontrar magos buenos y malos.Y muchos hechizos y talismanes.
Y a base de un buen guión mezcla el pasado y el presente. Como ya pudieramos ver en "Los visitantes " (1993) aquella historia en la cual dos cruzados galos se encontraban de repente en el mundo actual.
Jugando con una BSO potente y una realización con mucho ritmo. Choi Dong-Hoon juega a conjugar géneros recordándonos a veces las películas de Zhang Yimou que tan de moda se pusieron a principios de siglo como "La casa de las dagas voladoras" (2004) o "Hero" (2002), o al humor extremo con gags a lo Stephen Chow recordándonos sobre todo por la puesta en escena y la fotografía a "Kung fu sion" (2004).

Hwa-dam (Kim Yui-seok, visto en "The yellow sea") es el mago/demonio malo de la película qué querrá conseguir la flauta que despierte a los demas demonios y destruya la humanidad pero tendrá que superar al mago Seo In-Kyeong (Lim Su-yeong) teniendo la ayuda de su perro/humano que parece salido de cualquier peli de dibujos animados y de su maestro.
De hecho la película a veces parece una película de animación. Que nos recuerda a veces "Kung Fu Panda" (2008) o también la serue de animación "Las tortugas Ninja".
Y todo se lia por culpa de la flauta y una viuda. Y por un hechizo terminan en un lugar donde no querían estar los héroes y antihéroes. Un mago casi medieval en el mundo actual y extraño para ellos para salvar a una viuda guapa. Todo por amor.
Una película diferente al cine oriental que nos llega. Una peli para toda la familia y con mucho (excesivamente coreano) humor.
Y destacar que maneja perfectamente los tiempos y el guión, mezclando todo tipo de géneros en el cual tiene cabida hasta el romance folletinesco.
Loe mejor para mí sobre todo la primera hora en la que el guión es genial y a los dos actores principales Kim Yuns-seok (Hwa-dam) y Lim Su-jeong (Seo in) que están geniales.
Este año Choi Dong-hoon ha estrenado "The thieves" (2012) o "Dodookdeul"..su nombre original. A ver cuanto tarda en llegar.