"Brave (Indomable)", Mark Andrews y Brenda Chapman, 2012.

Quizás estemos asistiendo a la disneización de Pixar. Poco a poco Pixar se empapa de las ideas de Disney. Una princesa, una bruja..son alicientes suficientes para recordar a todas las princesas pasadas y presentes de Disney.
Aunque "Brave" mantiene todavía el toque Pixar sobre todo por el humor. Un humor que nos recuerda la  pelicula de Mel Gibson "Braveheart" (1995) . Aunque no está tan presente como en "Up" (2009) o "Wall-E" (2008).
El toque Pixar debe estar presente casi por fuerza ya que está producida por John Lasseter (Toy story), Andrew Stanton (Wall-E) y Pete Docter (Up) los cabezas pensantes de Pixar. Aunque esta este dirigida por Mark Andrews y Brenda Chapman que es la que escribió también el argumento de la película.
"Brave" es una estupenda película de animación. Además de llegar a niveles increibles en el apartado técnico, como el pelo de Merida, la lluvia, los interiores del castillo. Al principio de la película no podía apartar la vista del pelo rojo de la pequeña Merida..es una adicción.
La historia divierte y engancha. Aunque sea una historia donde no aparece nada nuevo ni original. Todo lo que aparece ya lo hemos visto en las películas de Disney. Pero tiene algo que divierte, algo diferente que te engancha al igual que nos engancharon con "Wall-E" (2008) o más recientemente con la maravillosa "Toy story 3" (2010).
Existe un suspense que hacía tiempo no vivía en una película de animación . Con un ritmo endiablado a veces, con un sentido del humor bastante pixeriano a veces (sobre todo con los invitados)...y con un mensaje bastante atrayente para padres e hijos.
Tampoco faltan las influencias de oriente como esos fuegos fatuos o bosques que parecen salidos de las películas de Miyazaki. Falta solamente que apareciera el espiritu del bosque de "La princesa Mononoke" (1997).
Y otras me recuerda también a "Como entrenar a un dragón" (2010), por esos bosques y costas donde el prota entrenaba al dragón, en esta ocasión es un oso el que "entrena" Medina y termina luchando contra el superoso de la película.
Muchas cosas positivas tiene la película. Pero lo que a lo mejor puede "msoquear" un poco es esa conversión del cine de Pixar hacia Disney. Puede que en esta ocasión les haya salido bien, porque es la primera pelicula que hace Pixar de temática parecida a las de Disney. Y porque "Pixar" debe de encontrar en breve un personaje nuevo que no sea de una saga como "Toy story" o "Cars".
Pero como dije antes es una película donde aparecen princesas, brujas, reinas, hechizos....!y no aburre!. Deben de tener mérito.
Me encantan los tres gemelos convertidos en oseznos (spoiler) o ese encuentro con la bruja en el bosque. Momento Blancanieves total. Y por supuesto el final antes del final...esa enorme pelea entre osos incriblemente rodada.
También es verdad que ver el pelo de Merida se convierte en una adicción.
Como curiosidad todos los actores que han elegido son ingleses o escoceses. De esa manera el acento es menos forzado. Entre los actores estan Kelly McDonald (os acordáis de Trainspotting???), Emma Thompson (Elinor), Billy Connolly....
¡Ah! ¡quiero más Meridas o princesas de este tipo!.
PD: ¡Casi no me enteré de las dos cancioncitas que nos endosan!

"Los descendientes", Alexander Payne, 2011.

El cine de Alexander Payne se puede describir con el primer plano con el que comienza la película. El primer plano de Elizabeth King (Patricia Hastie) rebosando alegría y felicidad y que poco después la vemos postrada en el hospital después de un terrible accidente. Las desgracias de los personajes, el destino y su humor negro son unas de las señas más destacables dentro del cine de Alexander. Su mirada es ambigüa, cruel. Pero a la vez nunca pierde el respeto a sus personajes ni a sus vidas.
Su cine es triste, melancolico, con personas frustradas o que constantemente estan buscando algo para mejorar o dar sentido a sus vidas. Solamente hay que recordar a Paul Giamatti en "Entre copas"(2004), o al Schmidt de "A proposito de Schmidt" (2002) interpretado por Jack Nicholson, personajes directos, tristes, pero a su vez con esperanzas y con un humor muy negro.
En esta ocasión Alexander ha elegido a George Clooney para interpretar a Matt King. Un personaje que solamente vivía por y para el trabajo, sin pensar en ningún momento en su familia. Y despierta de su mundo cuando le ocurre algo que le afecta de manera cruel. En seguida ese problema se convierte en una gran bola de nieve, ocurriendo una desgracia detrás de otra. En este momento Matt King nos recuerda al personaje que interpretó Mattew Broderick en "Election", (1999), que parece que no saldrán vivos de sus respectivas experiencias.
Todo ocurre en Hawai. Pero Payne nos retrata con una fabulosa fotografia la parte triste y depresiva de Hawai. Toda ciudad tiene su parte depresiva. Aparecen sus playas pero no de la manera que nos podemos imaginar normalmente. En esta ocasión la playa es oscura, triste, casi sin luz...pero a la vez atrayente y de una belleza no demasiado urbana.

Con la desgracia a punto de ocurrir. La familia King se une para buscar la "verdad" antes de que todo se vaya al traste. La peli se convierte en una road movie familiar del tipo "Pequeña Miss Sunshine" (2006).
Payne toca puntos claves. La muerte, la soledad, la eutanasia (recuerda a "Las invasiones bárbaras" (2003)),  los problemas familiares. No se queda en ningun problema, pero nos describe bastante bien lo que se puede llegar a sentir con la muerte de un ser querido y cercano. Al principio no te enteras de nada. Solo es furia y enfado.
Tuvo bastante éxito en festivales y obtuvo nominaciones en los pasados Óscars. Ganando el de mejor guión adaptado, adaptando la novela de Kaui Hart Hemmings. Otras nominaciones fueron fotografia, edición y la nominación al gran George Clooney por la creación de Matt King.
Alexander siempre dirige magistralmente a sus actores y se ve reflejado en todas sus películas. En esta ocasión sobresalen las niñas de Matt King: Shailene Woodley (Alexandra) la adolescente y la pequeña Amara Miller en el papel de Scottie King. Tampoco olvidar la genial interpretación de Robert Forster (Scott) o el olvidado Beau Bridges.
Lo mejor de la peli. Alexander Payne sabe moverse entre dos aguas (pocos lo hacen bien) va del humor al drama en cuestión de segundos; usando los  gestos y movimientos de los interpretes o el humor casi siempre negro y presente. Nunca es ñoño, pero tampoco tiene mal gusto y como dije antes siempre respetando a sus personajes. Tocándote la fibra sensible de manera natural, porque creo que su cine es natural como la vida misma.
Me gusta Payne y su humor negro. George está que se sale. Gran carrera la de él y al fondo la lluvia suave y la música hawaina.

"El legado de Bourne", Tony Gilroy, 2012.

Bourne o Matt Damon dejan paso a otro proyecto cientifico. En este caso es Aaron Cross (Jeremy Renner) otro proyecto experimental del estado americano, la creación de superagentes sin moral que patrullan por todos los focos peligrosos del mundo como Corea del Norte, Pakistan.
Entrenados y drogados como ratas de laboratorio estos superagentes deben de permanecer de por vida sin moral, como si fueran T-1000 salidos de "Terminator" (1984).  Con moral se vuelven débiles y dejan de servir. Así que hay que eliminarlos. Lo malo es que la CIA se cruza con agentes como Bourne o Cross y la cosa se complica bastante.
"El legado de Bourne" sigue la estela de las anteriores, casi la misma linea argumental y de hecho al inicio ocurre en el mismo tiempo que "El ultimatum de Bourne" (2007).
Las otras pelis de la saga fueron aumentando en tensión, suspense y acción a medida que se va acercando el final de Bourne. Doug Liman (Caza a la espía) pasó el testigo a Paul Greengrass (United 93) y este a su vez se lo ha pasado al guionista de toda la saga Tony Gilroy (Michael Clayton).
Tony Gilroy nos deja una primera hora y media excepcional, describiéndonos al nuevo héroe o superhéroe Aaron Cross y contándonos que es lo que han hecho con él y con sus compañeros de hornada.Buenos momentos de suspense, mezclando tramas e historias pararelas con la de Bourne. Por momentos podiamos estar viendo a James Bond o un Ethan Hunt.
Pero en cuanto desaparece totalmente del mapa Bourne o Aaron se enamora de Marta Shearing (Rachel Weisz) y se van a Manila la película entra en un estado de shock, un cortocircuito general que solamente nos deja una maravilla de persecución por las calles de Manila. Terminando de una manera plácida e incoherente. No concuerda con todo lo que han sufrido los personajes durante la peli. Final abierto o cerrado. Prefiero lo segundo.
Lo que más me gusta de la peli son las pastillas azules y verdes tipo Matrix, la tensión que se crea en la cabaña con Oscar Isaac (invitado), y sus juegos con la política actual. Lo negativo es que a veces se olvidan de personajes centrales como Eric Byer (Edward Norton) y que metan con calzador el típico romance cinematográfico. ¿Porque sale Albert Finney en los títulos de crédito?. No olvidar a Stacy Keach (genial), Scott Glenn o David Strathairn típicos actores en películas del género político-acción.
Como curiosidad. Al igual que James Bond fue creado por Ian Fleming. Bourne fue creado por Robert Ludlum. Y que ya en 1988 se realizó una serie para la TV del caso Bourne interpretada por Richard Chamberlain.
Lo que esta claro es que Bond, Ethan Hunt y Bourne siguen en el podium de los agentes superespeciales.

"John Carter", Andrew Stanton, 2012.

El personaje que creó Edgar Rice Burroughs a principios del siglo XX no ha tenido demasiadas adaptaciones para el cine. Ya se intentó en la década de los treinta pero el proyecto no llegó a buen puerto. Tarzan y Conan sufrieron más adaptaciones que Carter. Todos personajes del genial creador Burroughs.
John Carter es un personaje que pertenece a las series Marcianas que aparecieron por primera vez en 1911 editándose como relatos y que en 1917 apareció el primer libro del personaje y así hasta 1964 que se editó el último libro "John Carter de Marte".
Un personaje díficil de crear por su extensión y más cuando es Disney quien ejecuta el proyecto más que nada porque no puede mostrar nada de violencia. Andrew Stanton dirige su primera película no animada. Es el creador de "Wall-E" (2008) o "Buscando a Nemo" (2003). Pero en "John Carter" siguen apareciendo todo tipo de seres creados por ordenador, seres parecidos a Jar-Jar Binks de "Star War Episodio I" (1999)

Stanton ha tenido como ayudante en el guión a Michael Chabon autor del guión de "Jovenes prodigiosos" (2000) o creador de "Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay", una gran ayuda para Andrew.
Una película fiel al espíritu de John Carter y Burroughs por su mensaje naturalista o salvador de la humanidad que en este caso era Baarsom. Fiel aunque la crítica la hubiera machacado. Ya que es díficil resumir todos los libros de la serie en una sola película.
Stanton crea una película familiar y para adolescentes, una aventura épica donde se mezcla el oeste americano con las tierras de Baarsom (Marte), y donde aparecen todo tipo de seres y de personajes codiciosos y malvados que nunca deben de faltar (aunque a alguno se le pida un poco de más mala leche) en este género.
"John Carter" no se toma en serio y eso es lo que la salva. Crea un divertimento casi sin querer, combates contra monos blancos, saltos por las tierras de Marte y un sentido del humor chispeante. Stanton crea casi una película de animación donde John Carter (Taylor Kitsch) hace lo que le da la gana, salta, combate y vence a todos los que se enfrentan a él. Es casi un superhéroe...o lo es.
La película se mantiene bien, con fuerza desde su inicio hasta llegar a su final. Pero puede que la última media hora se resienta por la historia romántica entre John y Dejah (Lyn Collins) o la poca fuerza de los malvados de la peli ya sea el de Mark Strong o Dominic West.
Debido a sus malas críticas en España la gente rehuyo de esta película. Pero es una peli digna de aventuras. Una peli familiar cercana a "El principe de Persia" (2010) y todo este tipo de pelis de aventuras. No tan cercana a los Tarzanes o a los Conans porque casi no aparece violencia o sangre. No existe demasiada mala leche y puede que eso eche para atrás a los seguidores del personaje. Aunque los niños no creo que salgan defraudados.
Como curiosidad la aparición de Bryan Cranston (Breaking bad) haciendo de Powell. Y las voces de los actores y actrices Samantha Morton a Zola, Willen Dafoe a  Tas Tarkas,

"I saw the devil", Kim Jae Woon, 2010.

Hoy en día; el cine oriental es el cine más arriesgado (quitando excepciones), más directo, más visceral. No sé el porqué. A lo mejor la sociedad coreana u oriental disfruta más con este tipo de historias sobre venganzas. Si alguna vez voy a Corea o estoy cerca de Seúl tendré que tener los ojos bien abiertos (es broma!).
"I saw the devil" o "Encontré al diablo" es una película dura, directa, visceral, crítica. Kim Jae-Woon mete el dedo en la llaga y lo retuerce, nos describe lo que ve él, lo que es la sociedad hoy en día. Una sociedad muerta, una sociedad chabacana (solamente hay que ver el inicio de la peli). Pero también lo exagera, exagera los personajes y la historia a límites insospechados. Todo es exagerado para Kim Jae-Woon. No hay medias tintas. Nada se queda en el tintero.
Kim Jae es un camaleón. Salta de un género a otro sin más, sin darnos cuenta que es el mismo realizador. Y eso denota que detrás tenemos a un realizador notable y con diferentes visiones. Desde "Dos hermanas" (2003), "El bueno, el malo y el raro" (2008) y esta misma vemos sus diferentes puntos de vista aunque la venganza siempre este rondando cerca.
"I saw the devil" es una historia de asesinatos, venganzas y re-venganzas un tema recurrente en su cine. Nos recuerda también a "Confessions" (2010) del japonés Tetsuya Nakashima. Donde la venganza está siempre muy presente. Al igual que  una de las más populares de la pasada década "Old boy" (2003) de Park Chan Wook, y tantas que me dejo en el tintero. La venganza es algo que dá mucho juego hoy en día.
El cine coreano y en general el oriental casi siempre es perfecto en la realización. Casi preciosista, buscando siempre planos diferentes (en este caso menos barrocos) u otros puntos de vista. Les gusta jugar con la cámara y atrincherarse en ella, sacar todo lo que pueden. Aunque en ocasiones se alargue en exceso tanto en el metraje como en algunos planos.
Voy a recordar dos planos que me han impactado (hay muchos). No voy a hacer spoileres.
Uno, es como empieza la película con la aparición de esas alitas de ángel en el espejo de la furgoneta, nos presenta al personaje. El diablo anda cerca o está acechando en la esquina. El segundo: me quedo con la expresión del genial Lee Byung-Hoo ("Gi-joe",2009). Plano que describe la totalidad de la película.
Recordar que Kyung-Chul es Choi Min-Sik quien hacía de Daeh-su en "Old boy" (2003). En esta ocasión se marca otro papel del mismo estilo.
Lo mejor de la peli es que todo es arriesgado y nada se esconde (alguna vez no estaría mal). El cine coreano es valiente pero es excesivo en ocasiones. Y lo que no me gusta es que a veces se alarga de manera increible, será por el tempo o por la diferente mirada de los directores orientales. Pero he de decir que esta película no deja indiferente a nadie.

"Convención en Cedar Rapids", Miguel Arteta, 2011.

"Convención en Cedar Rapids" es como la vida misma. Una película agridulce, melancólica y que te hace pensar en casi todo lo que te rodea. Algunas veces divertida y otras dramáticas como un puñetazo en el estomago, la peli te da una de cal y muchas de arena.
Arteta un realizador especializado en series ("A dos metros bajo tierra","American horror story") nos cuenta la historia de Tim Lippi (Ed Helms) un don nadie cualquiera que nos recordará a todo tipo de personajes que hayan salido de su ciudad o de su universo por primera vez. Un ejemplo un poco friki el de "El fotogénico" (1957) donde aparece Antonio Ozores llegando a la gran ciudad o del mismo dentista de "Resacón en las Vegas" (2009). Para salir de su crisalida y darce de bruces contra la realidad.
En plena crisis realizar una película sobre seguros puedo ser casi la puntilla y en realidad lo es, nos remata. Arteta mete el dedo en la llaga describiéndonos el mundo de los seguros, sus trapicheos y sus mezquindades (debe de ser mucho peor) en una ciudad perdida como Cedar Rapids. Tales trapicheos hace que recordemos cualquier película que hable de la crisis...y porque ha surgido esa crisis.
Pero es agradable, divertida y con momentos que nos trasladaran a otras películas como por ejemplo  la llegada a la casa donde celebran la fiesta con todos los malotes de la ciudad que nos recordará a "Supersalidos" (2007).
Con unos personajes bien construidos, amables y generosos. Nos describe lo que puede llegar a ser la verdadera amistad, cosa harto díficil en estos tiempos y al final se convierten en los tres mosqueteros y en la princesa. Un final feliz pero bonito y agrdable. No todas van a terminar mal.
La aparición de John C. Reilly es increible. Este actor se come la pantalla. Actor que puede interpretar cualquier tipo de papel, solamente recordar "Cyrus" (2010). Es uno de mis actores preferidos contemporaneos. ¿La aparición de Anne Heche como Joan Ostrowski-Fox a quien nos recuerda?, y además está más guapa que nunca.
También recordar uno de los mejores momentos de la peli. El momento "The wire" interpretado por Isiah Whitlake Jr que por cierto aparece en 25 capítulos de la serie. Es antologico ese momento.
El año pasado nos dejó varias comedias agridulces bastante buenas. "El mundo según Barney" (2010), "Win, win,. Ganamos todos" (2011) y esta. Esperemos que sigan estos directores dándonos estos ejemplos de esperanza.

"Prometheus", Ridley Scott, 2012.

No sabemos a ciencia cierta porque Ridley retomó de nuevo el proyecto de Alien o reiniciarla con una nueva precuela. Puede que fuera impuesto por los productores que la realizara él. Pero también puede ser para revivir o recordar ese Alien o despertar la figura de Ridley con un proyecto más arriesgado o llamativo.
Lo que es cierto que la figura del "Alien, el octavo pasajero" (1979) es alargada y díficil de superar ya sea para Scott o cualquiera que lo hubiera realizado. De hecho fue James Cameron quién cogió su estela en 1986 con "Aliens el regreso" convirtiendo a Sigourney Weaver en una cazadora de aliens: pura adrenalina. Siendo la mejor de la saga después de "Alien" ya que "Alien 3" (1992) de Fincher más que nada fue un invento o un intento de resurgir la saga además de ser la primera película de Fincher.Terminando esta primera saga Jeunet con "Alien Resurrection" (1999), dándole un toque más barroco y recargado al Alien pero sin llegar a tener los resultados esperados.
Más tarde llegó la saga "Aliens vs predator" (2004) aunque nada tiene que ver con la inicial ni con la saga, solamente la aparición de Aliens. Aunque "Prometheus" recuerda un pelín a esas pelis de Anderson sobre todo por su locura surrealista llevada al extremo.
Y entrando en "Prometheus" que es  la nave que lleva a los tripulantes al planeta LV-426 y dónde todo comenzará. En el planeta LV-426 empieza el drama y el show. "Prometheus" es la precuela de Alien...o la primera precuela. Y en esta es donde nos explica que ocurrió antes de que la nave Nostromo se encontrara de nuevo con ese Alien( pero faltan precuelas). La busqueda del origen del hombre. El inicio de la peli nos recuerda un poco al "El árbol de la vida".
"Prometheus" es un proyecto grande, díficil y engorroso dónde todo el mundo la va a comparar con la original. Pero para eso fichó a Lindelof el creador de la serie "Perdidos" (2004). Y sí; se nota la aparición de Lindelof en la película, ya que a Lindelof le gusta que la acción nunca pare, que no haya tregua y eso se nota sobre todo en la segunda parte de la película que a veces nos recuerda al "Cowboys &  Aliens" (2011) de Jon Favreau, una peli también bastante surrealista.
Scott como otros directores contemporaneos, es egocentrico, un egolatra al que le gusta los grandes proyectos, las superproducciones y se le ve cómodo en ellas.Recordar "Gladiator" (2000) o "Robin Hood" (2010) dos superproducciones historicas. Por no mencionar que a Ridley le gusta tocar o rozar todos los palos.
"Prometheus" es fiel en la forma a la primera Alien. Solamente hay que ver los decorados de H.R. Giger que son tal recordábamos, las naves, todo el decorado es bastante fiel a esa primera película. Pero cuando comienza la segunda parte o el segundo acto. La película deja de ser fiel y entra en otra dimensión diferente,  tornándose más spídica, más loca, más desbalazada donde van ocurriendo cosas una detras de otras...unas positivas otras negativas.
El "casting" es acertado en ocasione,  al igual que el guión. El mayor acierto ha sido contar con Fassbender (David) quizás el personaje más logrado y acertado de la película haciendo referencias al "Lawrence de Arabia" de Lean o esos diálogos y miradas que se cruzan con Shaw(Noomi Rapace). Puede que el otro acierto haya sido contar Noomi..aunque un pelín más bajita que la Weaver pero igual de spídica y guerrera.
Pero el problema es que el resto del casting o personajes están exagerados, generalizados en exceso y solo hay que mencionar el personaje que desarrolla Sean Harris (Fifield) por no mencionar a Idris Elba...me pregunto ¿Qué hacía ese personaje en la nave?.
Puede que "Prometheus" sea fallida y exagerada pero solamente doy el consejo de que si vaís a verla os dejeís llevar por la locura surrealista de Scott...que otros directores también lo hicieron en su momento. Un ejemplo "Sunshine" (2007) de Danny Boyle.
Lo mejor de la película o lo más cool es Michael Fassbender. Esa relación que mantiene con casi todos los tripulantes incluida la mala Charlize Theron (otra vez de mala haciendo de femme fatale) y el suspense que genera en los pasillos de la nave (antes de que aparezca el bicho). Y lo peor: lo peor es parecerse a P.W. Anderson y en el sin sentido en  que se convierte la historia con el paso de los minutos.
Eso sí en el 2015 "Prometheus 2".

"Take shelter", Jeff Nichols, 2011.

Esta película es un estado. El estado de la incertidumbre. De no saber casi nunca que es lo que va a pasar en el siguiente fotograma. Juega con nosotros, con los espectadores. Describiéndonos lo que es la soledad, las enfermedades mentales y en este caso lo que es la esquizofrenia.
Cuando Dewart (Shen Whigham) le suelta la frase a Curtis (Michael Shannon) "tienes una buena vida" está realmente diciendo o deseando tener la vida que tiene Curtis, quiere arrebatarsela. Vidas monotonas, trabajos monotonos, pero esa es la vida que les ha tocado...hipotecas, problemas, trabajos.
Jeff Nichols ( Mud) maneja todas sus bazas a la perfección, mezcla la realidad con la ficción de una manera increible llegando a ser muy dramática sin caer en ningún momento en la sensibleria o en la pena. Y usa las increibles interpretaciones de Michael Shannon (Curtis) y Jessica Chastain (Samantha) que estan en estado de gracia para magnificar el suspense a base de miradas y movimimientos.
"Take shelter" es la descripción de lo que es el mundo en el estado actual, incertidumbre. Esa incertidumbre que te rodea, que te envuelve sin saber que va a pasar la siguiente hora o al siguiente día. Una crítica bestial a la sociedad, al trabajo, a la religión. Al estado actual de la sociedad.
También es lo más cercano que he visto y estado de "Donnie Darko" (2001), esas nubes, esa música casi minimalista de David Wingo (apuntar este nombre) nos recuerda los viajes en el tiempo que realizaba Donnie Darko para cambiar el futuro y Curtis hace exactamente casi lo mismo que Donnie.
Shannon se hizo popular por su papel en "Revolutionary road" (2008) y se marca uno de las mejores interpretaciones de los últimos años al nivel de la interpretación de Daniel Day Lewis en "Pozos de ambición" (2007), y Jessica Chastain también borda de manera sobresaliente su personaje, gran actriz la Chastain.
Pese a ser un director tan joven. Nichols se marca una obra bastante madura. Aunque con trucos y trampas (esos trucos me encantan) en un guión dramático y diabólico a lo Hitchcok. Este año Nichols estrena "Mud" (2012) y tiene muy buena pinta.
"Take shelter" ha pasado a ser una de mis películas preferidas de pasado año 2011. Tuvo muy buena crítica y acogida en el Festival de Cannes del 2011. Y cada vez que veo una película que me gusta repito: "queremos más pelis de este tipo".

"Infierno blanco", Joe Carnahan, 2011.

Ya en el 2002 Carnahan sorprendió con "Narc" (2002), una película no demasiado conocida pero si con mucho nervio y contando una historia muchas veces repetida pero que engancha por su realismo. Una pena que pasara desapercibida.
Con el paso de los años le llegó a las manos el proyecto de "El equipo A" (2010), una superproducción en la cual dejó su sello personal. La serie popular en los 80's e inicios de los 90's es adaptada de una manera bastante buena y divertida. Es como una precuela y nos cuenta como se unieron y porque surgió el Equipo A.
Y de repente nos llega "Infierno blanco", una peli de aventuras, un thriller con animales (en este caso lobos). Carnahan se adentra en la naturaleza y nos advierte lo insignificantes que somos y la poca importancia que le damos. Una peli de terror, con suspense, con paisajes impresionantes y una historia que no es nada convencional aunque nos recuerde a "Viven" (1993) al inicio.
Muy bien realizada como la mayoría de sus trabajos. Con detalles del accidente de avión ( a veces menos es más) y la visión del avión nos recuerda a la serie "Perdidos".
La historia es la de Ottway (gran Neeson) una persona sin ganas de vivir y que solo piensa en la muerte y que debido al accidente en lo único que piensa es en salvarse y salvar a los demás, convertirse en un buen samaritano.
Una peli con fuerza y que engancha. Pero que quizás le falta un poquito por explotar ya que a lo mejor la hisotria hacía su final va perdiendo punch y no digo el porqué ya que sería un spoilorazo.
Durante el visionado la peli recuerda a "Los desnudos y los muertos" en la manera de describir a los personajes como si fuera una maquina del tiempo aunque no sepamos mucho de ellos. Solamente por detalles. Una especie e Moby Dick cada personaje con sus miedos.
Además del gran Liam Neeson, en el casting destaca Frank Grillo (Díaz), el olvidado Dermot Mulroney (famoso en los 90's) y Joe Anderson (visto en "Across the universe" (2007)).
Una película más que correcta para sufrir a lo tiburón pero con lobos hambrientos. Atención al final de la peli.

"El caballero oscuro:La leyenda renace", Christopher Nolan,2012.

Vuelve el caballero oscuro. Puede que con más fuerza que en otras ocasiones. En tiempos de crisis y de escasos valores puede que el personaje de Bruce Wayne (y demás superhéroes) tenga más importancia y mayor vitalidad.
Desde su creación en 1939 por Bob Kane, Batman siempre ha aparecido en tiempos de crisis con más fuerza y este es un buen momento para hacerlo. Y a veces parece inmortal como en esta nueva ocasión.
Tres étapas contemporáneas ha "sufrido" el personaje de Batman. Con sus buenos y malos momentos. Tim Burton dejó el listón alto sobre todo con "Batman vuelve" (1992), una película oscura y casi perfecta en el guión y personajes. La segunda étapa dejó al hombre murciélago un poco más tocado con unas películas con menos personalidad y mucho peor realizadas. Joel Shumacher terminó defenestrado de Hollywood. Con Nolan en el 2005 empezó la tercera.
Christopher Nolan ataca de nuevo con Batman y termina de manera formidable esta trilogía, una saga de un personaje que pasará a la historia del cine reciente. "Batman begins", (2005); "El caballero oscuro" (2008) y "El caballero oscuro:la leyenda renace", (2012) forman un triptico, tres pelis en una que están perfectamente hilvanadas (aunque falten detalles, personajes y pequeños cambios).
Nolan es egocentrico y egocentricas son sus películas. Sus películas son espectaculares y ampulosas. No olvidar como comienza "El caballero oscuro" con un inicio spidico e increible (a lo llaman Bodhi) y la tercera empieza de una manera espectacular enganchándote desde el inicio, de manera similar a la segunda.
Puede que sus películas sean largas. Pero esta se me pasó volando pese a su duración con un ritmo pausado a veces y otras endiablado. Una edición increible y la música de Hanz Zimmer que se convierte en un personaje más de la película.
En esta ocasión y han pasado ocho años. Bruce Wayne/Batman (Christian Bale) se enfrenta a Bane (El hombre que rompio al murciélago) un personaje increible, escapado de una prisión imposible y con solo la idea de vengarse de Batman y de paso de Gotham. Esa ciudad oscura y triste, cada vez más parecida a la realidad de Nueva York. Bane también contará con ayuda extra de extraños personajes.
"El caballero oscuro: La leyenda renace" tiene demasiados puntos en común con el estado actual del mundo. Bane (Tom Hardy) empieza la revolución en Gotham, una revolución parecida a la francesa, hay un momento que parecía salida de  el Salón de Juego de pelota en pleno año 1789 y con la expulsión de los más poderosos de sus casas y mansiones. El propio Bruce es expulsado de su mansión.
Detalles en la bolsa, en el partido de futbol americano y en el discurso de Bane pone literalmente los pelos de punta. Una revolución en toda regla.
Una peli madura, oscura y que a veces no se toma en serio con chistes sutiles y guiños incluso a Origen. Hay un detalle que incluso me recuerda a la genial "Zoolander" (2001). Nolan termina la trilogía de manera excepcional y con ganas de más (así que veré las otras dos de nuevo).
El casting es simplemente inolvidable e inigualable. Michael Caine (Alfred) y Morgan Freeman (Fox) siguen con sus clásicos personajes dando el punto de glamour a la historia. Personajes nuevos como Seline (gran Anne Hathaway), Blake (Josep Gordon-Levitt) y la guapa Miranda (Marion Cotillard, la enchufá de Nolan)..sobresaliendo la sorprendente Anne Hathaway con nuevos registros.
Y uno de mis preferidos Bane (Tom Hardy) creo que este villano es un robaplanos total. La voz de Tom Hardy original es increible. Christian Bale como Bruce/Batman sigue a lo suyo. Un Batman bastante nostálgico y depresivo.
Una gran película que aunque con sus defectos narrativos y libertades Nolenianas (sobre todo en narración y personajes) pues pasa a ser una de las mejores películas de superhéroes (al menos para mí) de este principio de siglo. ¿Fin de un ciclo) ¿Empezará otro?.
¿Arkham?...espero que en Arkham.

"[Rec] 3-Génesis", Paco Plaza, 2012.

"Yo moriré siendo tu perro fiel" es lo que dice la letra de Eloise interpretada por Tino Casal y aprovecho para reivindicar a este pedazo de músico que fue Tino. Y ese es el mensaje de la peli: siempre seré tu perro fiel pase lo que pase. Ckara y Koldo es el ejemplo.
Una peli que se llame "Rec 3-Génesis" y que empieza con una boda (pensaba en la novela "Monstruos invisibles" de Palahniuk) ya es mal asunto y nos podemos imaginar pefectamente lo que va a ocurrir en la película. Solamente tenemos que recordar las otras dos películas que completan la saga.
Durante los primeros veinte minutos Paco Plaza empieza con un prólogo cámara en mano recordándonos a las otras Rec y al cine de verité como dice Atún. Pero en 25 minutos da un giro y cambia la cámara en mano por un rodaje agil, con nervio y bien rodado, un cambio de lenguaje sutil y directo a la vez.
Todo empieza con una mordedura y una boda. En la boda ya sabemos lo que va a pasar. Se casan Clara (una gran Leticia Dolera a lo Kill Bill pero con traje de boda) y Koldo (Diego Martín) y ahí empieza todo, empieza la aventura o la desgracia. Acción, humor, personajes extraños y éxoticos, solo recordar a Atún, John Sponja que no Bob o a Canón de la SGAE.

La película no es perfecta pero a veces no se busca la perfección. Se busca las ganas de rodar, de contar una historia y de ser honrado consigo mismo y con los demás.El chiste que aparece o que cuentan en la película sobre la SGAE es bastante concluyente.
Paco Plaza se merece un lugar en la cinematografía española (al menos en el cine de género) ya que ha demostrado tener dos pares. No ya con esta sino con las anteriores Rec rodadas también con Jaume Balagueró. Además el final es valiente, romántico y huidizo de lo convencional. Mejor huir que quedarse apoltronado.
En cuanto a la música: recordamos sin parar los años 90's con el Chup, chup, chup de Australian Blonde que apareció en otra película de terror como es "Historias del Kronen" (1995).
Solamente espero que sigamos así, por favor. Huyamos de lo convencional y de lo racional. Arriesguémonos. Hoy es mi día como dice Clara.

"The amazing Spider-man", Marc Webb, 2012.

No terminó demasiado bien la saga de "Spider-Man" para Sam Raimi.Una saga con demasiados altibajos quizás más bajadas que subidas pero que fue un éxito en taquilla. Pero tras terminar "Spider-Man 3" (2007) que quizás fue la que recibió peores críticas.El equipo que formó parte de  la saga  fue poco a poco desligandose del proyecto, primero Sam Raimi y luego los protagonistas Tobey Maguire y Kirsten Dunst.
Y no han pasado demasiados años para que el asombroso Spider-Man este de nuevo con nosotros. Ha nacido y se ha regenerado de nuevo y la verdad aunque hayan cambiado al director y a la pareja protagononista pocas cosas han cambiado en la que se vaticina como nueva saga de la década o lustro.
La historia es la misma que la primera "Spider-Man" (2002). Por orden: picadura, poderes, inseguridades, amorios (con Gwen en este caso) y por supuesto un villano (que siempre suele ser lo mejor) en este caso un lagarto gigante (Rhys Efans). Todos los pasos son idénticos.
Para mí sorpresa se eligió a Marc Webb.El director de "(500) días juntos" (2009) una genial comedia romántica que se salía de los cánones del género. Y lo más extraño es que lo que más chirría en la peli es la relación entre Peter Parker (Andrew Garfield) y Gwen Stacy (Emma Stone). Eso sí; un pelín más oscura que sus predecesoras y  mejores FX pero porque han pasado cinco años (eso sería un paso atrás pero cosas más raras se han visto).
De todos modos el personaje creado por Stan Lee (nuevo cameo) y Steve Ditko pocos detalles originales deben de quedar de su nacimiento como personaje, y me pregunto si no :¿hubiera sido mejor empezar la saga desde otro trama o punto?. Seguramente hubiera sido más original, menos repetitivo y recurrente.
Lo que también es curioso es que hayan fichado a dos guionistas especialistas en sagas. Esto nos hace pensar la poca imaginación que debe existir por aquellos lares o las pocas ganas de arriesgarse. Y estos dos guionistas son Alvin Sargent qué guionizó las otras "Spider-mans" y Steve Kloves popular por ser autor de los guiones de Harry Potter.

Marc Webb sale bastante airoso de su primera presencia en una película de acción-supehéroes (no es fácil este género) dándole bastante fuerza a varias secuencias de la película, sobre todo cuando se encuentran Spider-man y el lagarto en las cloacas de la ciudad como tal pinguino de "Batman Vuelve" (1992). A veces se le nota un pelín incómodo en las secuencias entre Peter y Stacy, o a lo mejor era lo que buscaba que nos sintieramos incómodos.
Una peli correcta de superhéroes pero que casi no añade nada nuevo al mundo de Peter Parker. Eso sí tiene alguna secuencia bastante loca que roza el cine de artes marciales de Hong Kong.
Andrew Garfield y Emma Stone son los elegidos para ser Spider y Gwen y he de decir que no son demasiado espectaculares. Echo de menos la sensualidad de Kirsten Dunst., aunque tampoco fuera para tirrar cohetes.
El resto del casting lo completa el malo de turno Rhys Efans (Doctor Connor) y los tios Ben y May Parker protagonizados esta vez por Sally Field y Martin Sheen.
Lo mejor de la peli o lo más cool puede ser ese aire o puntillo oscuro que tiene a veces solamente visto en la segunda de la saga de Reimi (2004) y quizás la mejor de la saga. La secuencia donde aparece Stan Lee (el cameo) y la música de James Horner. Lo peor o lo más negativo: la  historia es la misma de la primera Spiderman y eso le resta el factor sorpresa.
Dentro de poco (si nos deja la crisis) habrá segunda parte pero lo que vaticino es que (creo) que no estará Marc Webb.

"El camino del guerrero", Sngmoo Lee, 2010.

Primera película del director y guionista Sngmoo Lee, una mezcla curiosa que a veces se acerca a la Disney (en demasia) y otras al cine oriental ya sea coreano, japonés...Una mezcla de géneros: Western crepuscular, samurais, venganzas y un poquito de humor y amor de la mano de Kate Bosworth (graciosa Lynne).
Bien rodada y con estilo. Ayudada por una producción genial aunque a veces nos recuerda en exceso al cine que puso de moda a principios de siglo XXI "Matrix" (1999) o más tarde "300" (2006) aunque en menor medida esta última.
Las peleas y combates parecen salidos de una coreografía de un ballet al estilo "Kill Bill" (2003) pero menos espectacular.
Es una peli divertida, con dosis de humor, que engancha pero que a veces se echa de menos un poco la "mala leche" oriental y se queda en una película de puro divertimento para jóvenes adolescentes, como las de Jackie Chan.
La historia es de un asesino samurai llamado Yang (Dong-gun Yang) que huye de su vida rodeada de muertes y asesinatos para terminar en el salvaje oeste americano donde se meterá de nuevo en lios más o menos parecidos y conociendo a otros villanos como el Coronel (Danny Huston). Y donde terminará por encontrar el amor y todas esas cosas que no pudo hacer en su tierra por falta de tiempo (y asesinatos).
A veces la historia nos recuerda a la de "13 asesinos" (2010) de Miike ya que también nos describe como se defienden unos pocos héroes de un doble ataque de dos ejercitos malignos. Uno compuesto por locos cowboys y otro grupo formado por flautines sangrientos (así es como se llaman esos asesinos).
La película es una mezcla de varias pelis y series ya que incluso podemos ver influencia de la serie "Carnivàle" (2003) por la aparición de personajes extraños como Bola ocho (Tony Cox), Coronel, la mujer barbuda....
Al final lo que salva a la película es su buena planta, su diseño y su producción pero que poco a poco se desifla como la sangre que brota de los personajes cuando mueren. Lo peor es eso mismo que se queda en poca cosa para lo que podía haber dado la historia. ¿Habrá segunda parte). Yo creo que no.
Atención a la aparición de Geoffrey Rush poniendo un poco de locura a la película (Ronald) recordándonos a veces a la peli a "Cowboys & Aliens"...buena mezcla se haría de estas dos películas.
Ah! la influencia del pequeño saltamontes y de Kung Fu es notoria.

"Jane Eyre", Cary Joji Fukunaga, 2011.

No corren tiempos para el romanticismo. Dónde casi todo el mundo lo quiere todo rapido, al momento hasta las revoluciones las quieren ipso facto. Ha pasado el romanticismo a un segundo plano en estos tiempos.
Charlotte Brontê o Jane Eyre lo pasarían mal en este momento de la historia o quizás se desatarían ¿Quién sabe?.
Otra versión o adaptación de "Jane Eyre" y ya van unas cuantas. Desde 1914 o incluso antes se empezó a adaptar este cuento macabro masoquista que es Jane Eyre. Pasando por "Alma rebelde" protagonizada por Orson Welles (1943) o "Yo anduve con un zombie" (adaptación libre) que es del mismo año hasta llegar a nuestros tiempos.
Esta adaptación corre a cargo de Cary Joji Fukunaga, un director de fotografía que se pasa a la dirección y eso se nota ya que la fotografía es genial, describiendo a los personajes de una manera fría y con unas panorámicas que quitan el hipo por su belleza y perfección. La fotografía es de Adriano Goldman  compañero de fatigas de Cary.

La novela de Charlotte Brontê es triste, romántica. Fukunaga la describe más o menos como los "Sentido y sensibilidad" (1995) o más tarde "Orgullo y prejuicio" (2005) la que devolvió la vida a éste género masoquista del siglo XIX. Pero puede que Fukunaga peque en ocasiones de ese preciosismo videoclipero más cercano al cine de la Coppola y en alguna ocasión la historia se resienta por su excelso preciosismo sobre todo la segunda hora con situaciones algo raras.
"Jane Eyre" como la mayoría de estas películas y novelas nos habla y describe sobre las desigualdades sociales y las diferencias entre géneros en el siglo XIX, pero sobre todo de los amores castrados por la moralidad que dañaba exageradamente a todos los personajes de estas historias. Ni Drácula se salvaba por no mencionar a la pobre creación del Doctor Frankenstein.
Mia Wasikowska (Jane Eyre) repite de nuevo en otra película de época (y van unas cuantas) e imagino que será por su físico y belleza algo fría. Podemos ver de nuevo a Fassbender construir otro personaje que raya la locura y en esta ocasión con más razón. Rochester esconde un oscuro secreto casi vampiresco.
Es una película "rara" de ver por su mezcla de preciosismo y clasicismo, aunque parece que el clasicismo se este imponiendo de nuevo en estos tiempos compulsos.
Una peli para fanes del género folletinesco del siglo XIX y de Michael Fassbender..quizás la nueva star del momento. Avisar que es un dramón con final vengativo de la Brontê. Aunque imagino que todo el mundo conoce la historia.
Ah!, aparece Judi Dench no podía faltar en una peli de este género y un crecido Billy Elliott (Jamie Bell).

"Frozen river", Courtney Hunt, 2008.

"Frozen river" o el "Río helado" es una especie de cuento, un cuento negro o realista o como se le quiera llamar sobre la busqueda de la felicidad, sobre la realidad de una familia norteamericana necesitada de afecto, dinero y todo tipo de necesidades. Podría ser una peli anunciadora de la crisis que empezó por esa fecha, el año 2008.
Todo empieza con la huida del padre de familia, otra busqueda al igual que "Winter's bone", y esas busquedas en ambas pelis se transforman en una bajada a diferentes infiernos o situaciones. En "Frozen river" es Ray (genial Melissa Leo) quien va a conocer y realizar todo tipo de acciones para conseguir la meta que ella quiere o desea.
Courtney Hunt en su primera peli, recrea una parte de la sociedad americana y también desconocida (Mohawk) que todavía anda buscando ese mal llamado sueño americano. El sueño o pesadilla de la supervivencia.

Pero va más alla que eso, es una dura crítica a los escasos valores que existen hoy en día y sobre todo al tráfico de personas.
Es austera, oscura, casi realista, un realismo sucio, que nos recuerda a "Winter's bone" (siendo posterior a esta) pero también a los hermanos Dardenne o Ken Loach. Un realismo americano del siglo XXI. Aunque los padres del realismo tienen más de medio siglo el Neorrealismo italiano.
"Frozen river" a veces te deja helado por el mensaje por detalles y ciertas secuencias que aparecen en la película (sobre todo Ray con Lila)...es un directo a nuestra conciencia.
Pero el cuento de terror tiene un final que no es alegre pero que está lleno de esperanza sobre todo porque las personas que aparecen en la película no son "malas" solamente buscan lo mejor para ellas y sus familia.
Aparece Misty Upham (Lila) que la veremos en la próxima película de Tarantino "Django Unchained".
Como curiosidad estuvo nominada al mejor guión original de Courtney Hunt y a la mejor actriz secundaria para Melissa Leo. También tuvo una buena vida en el circuito festivalero de los EEUU.

"La invención de Hugo", Martin Scorsese, 2011.

Por mí Martin se tendría que haber quedado en las malas calles de Nueva York perennemente retratando o describiendo los temas que le gustan o donde se siente más cómodo como las malas calles y los maleantes.
Interesarle le interesan otros temas como la música ("George Harrison:living in the material world" (2010) o "Shine a light"(2008) o el cine pero se vuelve más aburrido o anodino. Algo casi normal y la normalidad no es el estado de Martin.
"La invención de Hugo" basada en la novela de Brian Selznick empieza de una manera espectacular e increible, es perfecta en cada plano y en cada detalle, entremezclando pequeñas tramas que no afectan a la historia principal de la busqueda de Hugo.
Una realización casi de magia. Realizada para pequeños magos. Pero cuando el secreto aparece o se descubre (no es tan secreto) la película poco a poco va perdiendo interés, convirtiéndose en un homenaje al cine (Harold Lloyd, Melies..) y a George Mélies. Y en un cuento con final feliz.
La peli decae cuando empieza a contarnos quién es Méliés que aunque es bonito (una subtrama para otra peli) es algo que sobra en la historia y se convierte por momentos en un pequeño documental a lo "Good Morning, Babilonia".
Echo de menos un poco la mala leche de Scorsese de otras pelis y no nos tenemos que ir demasiado lejos ya que con nombrar "Shutter island" (2010) o el piloto de la serie "Boardwalk Empire" (2010) es suficiente...aunque es cierto que no es bueno abusar siempre de lo mismo.
Con una excelente realización: planos imposibles,travellings, zooms, y usando la imaginación nos recrea la ciudad de París y un centro comercial de principios de Siglo que nos recuerda al mago que fue Méliés (de ahí esa realización) y confundiendonos a veces con la inteligencia artifical de Spielberg o con Willy Wonka. Martin y Steven se dan la mano.
El autómata es quien te engancha a la peli, es el verdadero protagonista y diría que lo mejor. Faltaba ahondar un poco más en ese robot. Y menos mal que al final no nos guiña un ojo.
También señalar el enorme casting. Ben Kingsley se sale de nuevo en su papel de Mélies, Sacha Baron Cohen se inventa un personaje excelente poniendo el toque de humor de la peli. Y las apariciones estelares de Ray Winstone, Jude Law, Emily Mortimer y el gran Christopher Lee que nunca debe faltar a una cita como esta. No nombro a los niños la Chloe es un poco pesada para mi gusto (no superará a la Hit girl de Kick-Ass).
Lo peor. El ritmo cansino que llega a tener a veces. Y que en ninguna ocasión se parece a Harry Potter. Puede ser positivo y negativo a la vez. A mí me hubiera gustado un poco más de acción. Pero los premios mandan.

"Young adult", Jason Reitman, 2011.

A veces ver una peli no significa pasar un buen rato y esta es un claro ejemplo. Más cercana al drama intimista que a la comedia loca "Young adult" nos retrata a una Mavis Gary (Charlize Theron) que se niega a crecer, que se niega a olvidar su pasado y que simplemente no se conforma con lo que tiene porque lo que ve de si misma no le gusta ni un pelo.
La peli es una huida, una huida constante de su vida, de su trabajo y Charlize Theron lo borda, creando un personaje psicótico, obsesivo, cobarde y mal encarado.
Es agria y díficil de ver aunque tenga tantos adornos como esas cintas de música de los años 90's con temas de Manic Street preachers o esos chandals verdes noventeros que nos recuerda a los años grunge..los 90's.
Jason Reitman sigue a lo suyo, removiendo la consciencia y la mentalidad de los pocos norteamericanos que veran sus pelis. Pocas pelis para este joven director pero que ha pasado a ser uno de los mejores de su generación. No olvidar que es el realizador de "Juno" (2007) o la más reciente "Up in the air" (2010), películas grises, aunque tengan humor y esten adornadas con la excelente realización de Jason o la música casi siempre noventera. Siempre son dificiles de ver, de entender esas historias, y es porque en realidad nos vemos reflejados en esos personajes y eso nos hace incómoda la visión de la peli.
Es gris, austera, pero bien realizada y con poquitos adornos como dije ya antes. Pero por las interpretaciones de Charlize Theron, o el genial Patton Oswalt (Matt) y del siempre correcto Patrick Wilson (Buddy) ya merece la pena ver esta película que termina de una manera positiva (eso pienso yo).
Me esperaba una comedia de estas locas y me doy de lleno con una película dura, crítica, autodestructiva, del estilo de "Cyrus" (2010) o "La boda de Rachel" (2008), películas que rallan la locura en sus personajes.
Jason Reitman ya me tiene ganado.
Lo más in es la genial Charlize Theron (será una super estrella) y el guión de la Diablo Cody, una buena diablesa. Lo peor que nos la vendan por enésima vez como si fuera una comedia y ¡¡no!!no es una comedia ¡¡¡releches!!!.

"Celda 211", Daniel Monzón, 2009.

Imagino que el día que el equipo de "Celda 211" recibió el chorrón de Goyas la celebración fue la misma que cuando se celebraron los cuatro goles de España contra Italia. Pero fue y es agradable que Daniel Monzón uno de los pocos directores de género de este país reciba tantos premios y reconocimiento.
Daniel Monzón adapta con soltura la novela de Francisco Perez Gandul con la ayuda de Jorge Guerricaecheverría (El día de la bestia). "Celda 211" es una peli fresca, divertida, con unos grandes personajes sobre todo Malamadre (Luis Tosar), Utrilla (Antonio Resines) y toda la banda de personajes que están dentro del módulo rebelado que no te dejaran hasta el final de la historia. Una peli circular que parece que termina como empieza abriéndose esa celda número 211.
Una historia que es como una montaña rusa o como un circo de los horrores ya que en cada ocasión van ocurriendo cosas que cada vez son más exageradas o estrambóticas. Y exagerado son los cambios de personalidad sobre todo del "malo" Malamadre o del funcionario Juan Oliver (Alberto Ammann).
Cine de género, género carcelario poco explotado en el cine Español (recordar "Todos a la cárcel" y alguna que otra sobre todo haciendo referencia al cine sobre terroristas o guerra civil), donde toca el cine social, los desbarajustes políticos y sociales, los medios y el problema de ETA, pero que al final se queda en un cántico a la amistad, una amistad que al principio parecía imposible entre Malamadre y Juan.

La peli además de tener un ritmo bueno, bien contado y con un montaje excepcional (varios premios para la edición), se basa en el poderoso casting que tiene con Luis Tosar creando el personaje de Malamadre, Carlos Bardem el de Apache o Antonio Resines a Utrilla (recordar "La caja 507"). Personajes que se han hecho un hueco en el cine español más reciente.
Pero a su vez a veces el guión es inocente, un guión poco aprovechado a veces sobre todo por algunos momentos forzados y un poco menos controlados que el resto de la película.
Lo positivo: Fue todo un éxito dentro del cine Español e Internacional elevando la figura de Tosar como uno de los mejores actores europeos (ver "Mientras duermes") del momento.
Esperemos que la próxima película de Monzón "El niño" que se estrena el año que viene sea todo un éxito.
Como curiosidad en los EEUU se está pensando realizar el remake de "Celda 211" por parte de Paul Haggis.
Lo más de la peli: El gran Malamadre y toda la banda que le sigue incluyendo a Luis Zahera (Releches)

"Underworld:El despetar", Mans Marlind, Björn Stein, 2012.

Después de casi una década se siguen produciendo pelis para la saga "Underworld". Una saga creada en el 2003 por Len Wiseman que gustó por el aire a Serie B que destilaba y porqué entonces gustaba la lucha entre vampiros, licántropos y humanos.
Pero después de todos estos años Wiseman sigue erre que erre con los vampiros y los sucedaneos, películas que ya no son de serie B sino que encima son caras y de una calidad cuestionable. Recordar que este año se estrena el remake de "Desafio total" (2012) dirigida por el mismo, al menos ha dejado a un lado a Underworld...aunque también lo intentó dirigiendo "La jungla 4.0"(2007) en versión moderna.
En este caso no fue Wiseman quien se puso a los mandos sino otra pareja sueca formada por Mans Marlind y Björn Stein, es el signo de los tiempos fichar a suecos, noruegos y todo tipo de nórdicos a ver cual de ellos repite de nuevo.
Lo raro es que Kate Beckinsale todavía sea Selene, una guerrera de la noche con poderes infrahumanos, indestructible.
En esta nueva peli sigue lo mismo, una guerra entre vampiros y licántropos. Los licántropos han creado gracias al Doctor Jacob (Stephen Rea) al super-super licántropo que exterminará a los vampiros definitivamente. Recordándonos el mito de Frankenstein de crear un super-hombre. Esta es la idea, la misma de siempre dentro de esta saga. Cansinos.
Efectos, luchas, combates y mucha sangre es lo que te da la peli más una jovenzuela con los mismos poderes de Selene. Y menos mal que no es demasiado larga. ¿Porque no hacer una serie?, son tiempos de series y de suecos.
Lo que debe de ocurrir es que esta saga y la de "Resident Evil" (2002) Paul W.S. Anderson desaparezcan ya por siempre. Aunque eso no ocurrirá porque este año se estrena otra Resident....y me da a mí que habrá más mundos subterraneos.
Echo de menos un poco de normalidad de la primera "Underworld" aunque no fuera un peliculón...era divertida y fresca.
Lo más in: La aparición del superlicántropo (Kris Holden-Ried) y Charles Dance...
Para fanes de los vampiros con superpoderes y de la Beckinsale.

"Chronicle", Josh Trank, 2012.

Estamos ante otro gran movimiento de marketing perpretado gracias a Internet y a los teasers que deambulaban en Internet desde meses antes de su estreno. Un gran movimiento de marketing impulsado también por las críticas generosas y algo positivas en general.
Al fin y al cabo estamos ante otra película de superhéroes aunque en este caso no conocidos ni reconocidos popularmente, y eso es lo más original de la película: que son adolescentes. Unos adolescentes con problemas y otros que leen a Shopenhauer. Unos adolescentes con superhéroes que no saben lo que tienen y que ¿como rayos obtienen ese poder?.
La película de Josh Trank, que es su primera peli, realizada a los 25 años, pues refleja eso mismo, un poco de inexperiencia, muchas ganas e influencias por doquier (algo normal), recogiendo de aquí y de allá solamente recordar "Watchmen" (2009) o "Kick-Ass" (2010) esta última por ser héroes de instituto y también no populares...

Aunque la película pueda resultar novedosa desde el punto de vista de su lenguaje, usando siempre la cámara subjetiva ya sea la de los protagonistas o cualquier videocámara colocada en tiendas, o en el cielo, o en cualquier sitio...esto ya se ha podido ver en los "Paranormal activities" o "En el proyecto de la Bruja de Blair" (1999)..o la que está más cercana a esta "Monstruoso" (2008) por su manera de estar rodada y por ser casi un falso documental oscuro.Al final termina esclavizado con esta manera de contar la historia siempre desde fuera y algunas veces un pelín forzado.
Pero tampoco es lo más importante, lo más importante es la historia de tres chicos que de repente se ven con superpoderes, tres chicos de un instituto cualquiera. Y la historia es esa, el enfrentamiento de los chicos (y uno en especial) contra sus poderes, contra si mismo y su vida, una vida díficil y gris como el lugar donde se rodó.
Es la sempiterna lucha del mal contra el bien, visto en casi todas las películas de superhéroes, y me recuerda bastante a "Watchmen" (2009) o a los "X-men:firts generation" sobre todo por las dudas de usar esos poderes para hacer el bien o el mal o simplemente tener esos poderes.
Max Landis (hijo de John Landis) es el autor de la idea y del guión. Una historia con y de adolescentes, que no estan lo suficientemente pulidos y que terminan comportándose como cualquier "malo" de esas pelis de superhéroes (carcomidos por ser tan desgraciados), en vez de ahondar un poco más en la personalidad de esos personajes y el porqué degenera tan rápidamente sobre todo en el personaje que interpreta Dane DeHaan (Andrew).
Una peli a la que se le podría haber sacado más, se convierte en un falso blockbuster o blockbuster forzado (como la mayoría de productos). Uno de los fenómenos del año que se queda un poco cortito.
Lo mejor es ese aire oscuro y falso documental pero que al final también llega a cansar la cámara subjetiva y colocada en todas partes. Y la primera parte de la película describiendo el uso de sus poderes. Lo peor su falsa modestia que la convierte en una película pesada y tópica. Con un final que encima que no concuerda con el resto de la historia.
Atención a Michael D.Jordan (Steve) visto en "The Wire".

"Four lions", Christopher Morris, 2010.

Los trailers muchas veces engañan al igual que el inicio de algunas películas y esta película es una de esas  que nos engañan y nos llevan de la mano hasta que da comienzo la verdadera historia. La peli empieza de una manera cómica, un humor que roza el surrealismo y que nos recordaba a los chistes sociales que aparecian en la película "La vida de Brian" (1979) de los Monty Python.
Pero poco a poco la película se va transformando, va creciendo y cogiendo forma hasta convertirse en un drama, un drama político, social y a veces demasiado cruel.
Christopher Morris contruye unos personajes que están llevados al extremo, demasiado radicales, estúpidos y que irremediablemente sabes que va a terminar mal. Pero lo más dramático es que estos 4 o 5 leones llegas a cogerle cariño.
Es casi la primera película de Morris, solamente había realizado algunas series. Pero con esta da un puñetazo en la mesa, criticando duramente todo tipo de radicalismo no solamente el Islam. Muy buen cine social británico, no solamente existe Ken Loach.
El inicio es demasiado cómico, demasiado surrealista con gags que nos pueden recordar como dije antes a "La vida de Brian" (1979) pero también a la comedia americana más loca. Pero la jugada le sale bien ya que poco a poco va surgiendo el drama y el suspense pasando el humor a un segundo plano (menos mal).
Pero lo más importante es el mensaje, el significado. ¿porque esta idea de autoinmolarse?, ¿porque ese odio hacia otro tipo de pensamiento o religión?, aunque esta peli no nos responde a esas preguntas y parece que las deja sin respuesta, están en el aire...solamente se cubre por una tristeza, por una impotencia de esos personajes que son unos niños confundidos sin ninguna ganas de morir de esa manera. Nos quedamos con estos cinco leones (o cuervos), estos actorazos...Waj, Barry, Omar, Faisal...
Una de las cosas que se te quedan en la retina es la mirada de Sofia a Omar (Riz Ahmed). Y los imnumerables gags que pueblan la peli que luego tienen significado sobre todo en el personaje que interpreta Kayvan Novak llamado Waj....¿se necesita tanta estupidez para hacer cosas así?.
Y al final sigue la crítica....

"Inmortals", Tarsem Singh, 2011.

En buen año se ponen de de moda las películas sobre la mitología griega donde los helenos necesitaran más que la ayuda externa para sobrevivir a estos tiempos convulsos parecidos a los de aquella era mitológica.
"Inmortals" es la historia de un humano llamado Teseo (Henry Cavill) que lucha contra el Rey Hiperion (Mickey Rourke) que quiere acabar con todos los helenos de una manera trágica. Muy cercana a la realidad Hiperion sería en este caso Angela Merkel.
Este mismo año se estrenó un blockbuster llamado "Ira de Titanes" (2012) que nos contaba la historia de Perseo y la lucha que tenía contra Hades. Cambiar Perseo por Teseo y Hades por Hiperion. Hay muchos personajes mitológicos pero todos con una historia muy parecida.
La historia es la de siempre, la lucha del bien contra el mal, vista en todo tipo de películas desde "La guerra de las galaxias" (1977) a la saga de "El señor de los anillos" (2001) de hecho el monte Tártaro se asemeja mucho a Mordor en algunos momentos.
Pero al menos hay algo nuevo en esta película en comparación a otras y es el estilo visual de Tarsem Singh, todo llevado al extremo ya que a veces estamos antes pinturas o collages con todos los planos pensados para adornar o embellecer. Llama la atención la manera de usar los escenarios ya que parecen que su uso es casi teatral.

Las peleas y los combates nos recuerdan a las películas como "300" (2006) de hecho tiene ese aire visual de aquella pero mucho menos original. Son también los mismos productores de aquella. ¿Si algo tiene éxito porque no explotarlo?.
Este año Tarsem también ha estrenado la otra "Blancanieves" (2012) siguiendo con el mismo estilo visual. Ya recordamos la rareza que realizó con Jennifer Lopez "La celda" (2000) pasando a ser una peli casi de culto pero bastante rara.
"Inmortals" se deja ver por su factura y por su manera de estar realizada. Poniendo de nuevo de moda a estos héroes o superhéroes mitológicos. Rematando la faena un gran malo Mickey Rourke acostumbrado a papeles de "malo" como en "Iron Man 2" (2010) o "Los mercenarios"(2010).
En fin una peli para fanes de lo visual y las hiperboles que ya no están tan de moda y con un punto de peplum de los primeros 2000. Y para no fanes de ese mismo aspecto y porque la historia ya la sabemos de memoria en este caso cambiar a Perseo por Teseo.
Lo raro es ver metido en la peli a John Hurt y encima con peluquin visto ultimamente en la genial "El topo".

"El topo", Tomas Alfredson, 2011.

Cuando en una película sobre espias y guerra fría aparece en los títulos de crédito el nombre de John le Carré es díficil que ese proyecto sea mediocre. Él es la estrella. Además es el productor de su propia adaptación así es un poco más fácil.
Desde "El espia que surgió del frío" (1965), "El jardinero fiel" (2005) o "El sastre de Panamá" (2001) ha llovido y se siguen adaptando sus relatos y novelas despertando un gran interés sobre todo en festivales y premios.
Para la realización se eligió a Tomas Alfredson conocido por "Déjame entrar" (2008), que fue un éxito en todo el mundo, empezando la moda de fichar a realizadores nórdicos que aún dura hoy.
De entrada puedes ver la película sin saber que es de él, pero si que se nota el uso de la edición, esceonografía y de la fotografía que llega a ser excelsa...y aunque sea un tópico llega a ser un personaje más de la historia ya que cada plano está pensado y no sobra. Todo vale.
Viendo la fotografía de la película nos puede recordar ligeramente a la serie "Mad men" pero no es por el tema sino por la perfección de esos decorados, que describe a la perfección como era esa época y sus costumbres.
La historia nos situa en plena época de la guerra fría en los años 60's cuando la guerra fría estaba en su punto más algido y estupido (no tenía ningún sentido) y la lucha entre Gran Bretaña, Rusia y todos los países satélites.
Una lucha interna para obtener más poder mediante el intercambio de información, un "Juego de Tronos" detectisvesco o de espias ya que todos intentan destruirse y destruir usando como telón de fondo la guerra fría.
Pero sobre todo la película es una peli de actores, donde cada actor roza la perfección, empezando por un Gary Oldman (Smiley) creando un personaje increible lleno de interrogantes recordándonos al Kaiser Sozé de "Sospechosos habituales" (1995), y  nombrando al veterano John Hurt (Control) (contro)lando cada paso de sus piezas de ahí el nombre de la película "Tinker tailor soldier spy".
En realidad deberiamos nombrar a cada actor y personaje que aparece en la peli que funciona como encaje de un perfecto puzzle.
Una potente historia de personajes complejos, con idas y venidas, con flashbacks pero que en ningún momento te hace salir de la historia, pero que te planteas cada dos por tres una pregunta distinta ¿quien es ese Karla?. ¿quien es exactamente?, ¿Qué es lo que persigue Smiley?. Pero a la vez es una película que nos habla de amistades imposibles, de relaciones forzadas pero que al final terminan queriéndose o tener vínculos más íntimos. Eso se puede ver sobre todo al final de la película.
Genial cada plano, cada uso de la escenografía y no olvidar la música del gran Alberto Iglesias.
Lo mejor, díficil elegir algo...los actores, el guión. Aunque yo elijo al increible casting. Y la escena donde aparece Esterhase (gran gran David Dencik) pidendo el perdón de Smiley recordándonos a la escena del gran Turturro en "Muerte entre las flores"(1990). Y lo negativo que a veces puede parecer demasiado confusa.
A disfrutar de una segunda visión, son de esas pelis que te hacen pensar.

"Sherlock Holmes:juego de sombras", Guy Ritchie, 2011.

Gracias a Guy Ritchie podemos decir que descubrimos y disfrutamos de otro cineasta: Matthew Vaughn, el que fuera productor de Guy Ritchie hasta "Barridos por la marea" (2002). Empezando dos vidas laborales por separado y ahora con ambas sagas, Guy con Sherlock y Matthew con los X-Men.
Guy marcó una época con sus primerar películas "Lock and stock"(1998) y "Snatch"(2000), películas de mafiosos de medio pelo con unas BSO y ediciones muy poderosas y en ocasiones excesivas. Recordándonos un poco al cine de los 90's donde surgieron Fincher, Tarantino, Boyle, etc, lócico tener unas referencias donde agarrarse.
Pero poco a poco sus pelis dejaron de tener ese toque o punch característico hasta llegar "Barridos por la marea" (2002) que fue el punto final con Matthew y el inicio del fin con su ex-mujer Madonna. Pero parece que con Rocknrolla (2008) levantó un poco su punch.
Sherlock la saga parece ser que es el renacer de Guy, al menos desde el punto de vista de la taquilla.
En esta segunda parte unen fuerzas Sherlock y Watson para enfrentarse al malo malísimo Moriarty (Jared Harris). La peli es fresca, divertida y con un buen guión  donde Sherlock y Watson estan interpretados por dos grandes actores Robert Downey Jr (Iron Man) y Jude Law (Contagio) manteniendo un gran duelo interpretativo durante toda la película. Añadiendo un buen malo interpretado por el gran Jared Harris (visto en Mad men o Fringe), actor que se va a poner las botas haciendo este tipo de papeles.
La película es como la primera desde el punto de vista estético steampunk pero no tan excesiva con los efectos especiales, y se agradece que no sea excesivo (en la primera termina por agobiar un poco esa traca). Con una realización y edición exquisita, llegando a la perfección en algunas secuencias (en el bosque, o las peleas). Aunque a veces se echa de menos el sentido del humor y los personajes de sus primeras películas, ese humor un poco chabacano y directo que poco a poco se va perdiendo en sus producciones.
Hablamos de un Holmes excesivo, porque parece un superhéroe a lo Daredevil con unos poderes extrasensoriales. En donde podemos ver también referencias al inspector Clouzot o al mismisimo Bond, James Bond.¡Y recordando a  Don Siegel!..si la veís estar atentos.
No es una de las mejores pelis de Guy pero tampoco es de las peores. Una peli para devoradores de blockbuster y adrenalina. Con un final mentiroso y poco honrado que nos situa en la tercera parte.
Esperemos que Guy rescate a Jason Statham y recree sus parodias noventeras en la Londres de final del siglo XIX...y lo podamos ver en la siguiente. Lo peor de la peli...la aparición del clásico papel femenino que no aporta nada, en esta ocasión le tocó a Noomi Rapace (Millenium), y en ciertos momentos la falta de originalidad. ¿A por un tercero?.
Tampoco se parece a los otros Sherlock que se han realizado con anterioridad ni al personaje de Doyle...¡a lo mejor tiene un aire!

"Blancanieves y la leyenda del cazador", Rupert Sanders, 2012.

Desde que en 1937 Walt Disney recreara a Blancanieves con sus siete enanitos se han realizado muchísimas versiones sobre este personaje de cuento de los hermanos Grimm.
Tantas recreaciones que hasta versiones porno ha tenido con el señor Rocco Sifredi y sus enanos.
Este año 2012 además de haber sido un año de crisis, de Olimpiadas y Eurocopa, es el año de Blancanieves...porque este año hasta tenemos una Blancanieves española donde la mala malísima está interpretada por Maribel Verdú.
También ha debido de funcionar el espionaje industrial como antaño, ya que es extraño que se estrenen casi al mismo tiempo dos versiones de "Blancanieves". La primera, la de Tarsem Singh es más fiel y cercana a la de Disney, aunque Singh siempre deja un raro sabor en su películas. Un extraño estilo que va de lo onírico a lo videoclipero más horteril.
Y la segunda, la de Rupert Sanders (su primera película) es más negra, pero sin dejar de "beber" de esas películas de Disney o incluso "El señor de los anillos", todas las "Juana de Arco" o incluso los "Resident evil" de la Jovovich. Una película con varías pelis en una misma, desde el simple cuento de Blancanieves, pasando por la negrura de Ravenna (Theron), o esa aparición de los enanos (todos geniales) para luego terminar un poco en el mundo ghibliano ("La Princesa Mononoke") de los ciervos con cuernos y extrañas criaturas del bosque.
Y quizás ese sea su principal error, el querer abarcarlo todo. Pero se queda en medio y eso al final significa nada para el espectador deseoso de blockbuster llenos de acción y agilidad. El espectador pide no aburrirse.
Hablar también del guión de Hossein Amini ("Drive") ya que parece que sus protagonistas debían hablar lo menos posible, Blanca y el cazador no son demasiados locuaces ni habladores...ya que no parecen ni esforzarse lo más mínimo en casi toda la película, más el que ella. Y otra cosa; ocurren cosas que no deberían de ocurrir (al menos para ahorrar pasta) porque no aportan nada a la historia. La película con un metraje más corto y dándole mayor protagonismo a los enanos y a la mala Ravenna hubiera tenido mayor interés...pero eso sería otra película.
A veces la relización es curiosa, diferente para ser un blockbuster (el bosque, los enanos cantando..) y otras es más rápida, agil, en general bastante bien rodada(escenas de acción). Pero no es la realización lo que falla, sino esa conexión, esa poco empatia que se tienen los personajes o que algunas secuencias la importancia que tienen en la peli es 0.
Y un segundo error ha sido elegir a una vampira (Kristen Stewart) y a Thor (Chris Hensworth) para los personajes principales de la peli, aunque el dolar es el que manda finalmente y no se fija en esas cosas tan poco importantes. Lo mejor con diferencia de la película son los enanos del uno al ocho, ya que no son siete sino ocho, están todos genial, se salen tanto en interpretación como en presentación. Y señalar también a la mala, malísima Ravenna que parece escapada de cualquier peli de terror para adolescentes tipo Narnia, interpretada por la ya genial Charlize Theron.
Para amantes de los cuentos de los hermanos Grimm, de los enanos y de la Theron. También merece una aparición para el hermano de Ravenna interpetado por el raro Sam Spruell (Finn)..atención a futuras pelis donde aparezcan malos.
Como curiosidad el espejo parece salido de alguna peli coreana.
Estos son los enanos:
-Ian McShane- Beith.
- Bob Hoskins, Muir.
-Ray Winstone, Gort.
- Nick Frost, Nion.
- Eddie Marsan, Duir.
- Toby Jones, Coll.
- Johnny Harris, Quert.
- Brian Gleeson, Gus.
 

"Un lugar para soñar", Cameron Crowe, 2011.

¿Otra película post-crisis?, y encima basada en hechos reales donde el protagonista se queda sin trabajo por culpa de la crisis económica, y encima se queda viudo y con dos hijos.Un adolescente problemático y una linda niña de siete años (Graciosa Maggie Elizabeth Jones). La historia es la compra de un zoo por parte de Benjamin Mee (Matt Damon) y las aventuras que ocurren durante la preparación para la apertura del zoo.
Basada en la novela "We bought a zoo" del propio Benjamin Mee que imagino que fue un éxito de ventas o best-seller.
La película es sobre todo una película familiar, simpática, dulce con la clásica historia de superación que en general gusta tanto, pero aderezado con un exceso de azucar o ñoñeria sobre todo el tramo final. Tampoco es empalagosa como los melodramas donde aparece Tom Hanks, no llega a ese punto sobre todo por el humor de algunos personajes como la niña pequeña Rose (Maggie Elizabeth Jones) o Duncan Mee interpretado por Thomas Haden Church y Matt Damon que siempre pone su punto en los personajes que elige.

Generalmente en estas pelis donde aparecen muchos personajes interesantes o curiosos como en esta (los que trabajan en el zoo), apetece saber más sobre esos personajes, pero por desgracia no ocurre eso ya que se basa en tramas más cercanas a la familia, esas clásicas historias románticas prepúberes o busqueda de nuevos amores con Scarlett Johansson.
Pero me ha sorprendido ya que al ser una peli dirigida por Cameron Crowe famoso por sus pelis noventeras como "Solteros" (1992) o "Jerry Maguire", (1996), pero venido a menos en estos últimos años. Me sorprende por eso y por el tema ya que podría haber sido incluso más ñoña, pero es fresca por momentos, y como ya dije dulce.
También apuntar la buena elección de canciones. Eso se le da bien a Cameron Crowe.
Para fanes de los melodramas con animales. Y huyan de ella los contrarios...los que no les guste ese cine dulzón familiar. También aparece Elle Fanning la niña de "Super 8" (2011) pero en la trama no aporta nada interesante como la star Scarlett Johansson.
Atención al personaje de Angus  Macfadyen (Peter MacCready) mi preferido.

"Attack the block", Joe Cornish, 2011.

Hace unos meses vi una peli de zombis donde unos policias iban a realizar una misión suicida en un barrio de las afueras de París y toda la acción ocurría en un bloque o edificio, un edificio gris  donde se mezclaban zombis, mafiosillos narcotraficantes y policias un tanto locos. "Attack the block" me recordó esa peli (y a muchas más claro) pero en esta ocasión mezclando aliens con pintas un poco extrañas, esos mismos mafiosillos narcotraficantes, adolescentes y policias.
"Attack the block" es la primera película de Joe Cornish la cual tuvo muy buena acogida en el Festival de Sitges del año pasado recibiendo premios como la mejor música de la peli (Steven Price) y una mención especial para el director. Pero no solamente tuvo una buena acogida en Sitges sino también en numerosos festivales y en los premios BAFTA.
Edgar Wright director de "Zombies party" (2004) o "Arma fatal" (2007) es quien ha producido a Joe, y durante la cinta se puede ver esos detalles o influencias de las comedias de Edgar suficientemente populares dentro de los fanes del género.
La película es un claro homenaje a esas películas de monstruitos de los años 80's, mencionando a "Critters" (1986) o por ejemplo a los mismísimos "Gremlins"(1984) pero menos cafres.Pero el universo donde ocurre la acción es mucho más reducido, es un bloque de vecinos del sur de Londres. El pueblo típico que aparece en esas pelis es cambiado por ese bloque donde viven o se quedan atrapados los protagonistas de la peli como por ejemplo Brewis (Luke Treadaway).
Estos bichos o aliens parece escapados de una cinta de VHS o BETA. Unos bichos que aparecen de repente en ese barrio y no se sabe el porque puede que la venganza, como en casi todas las pelis de SCI-FI.
Me divertí con esta peli de "Exploradores", aunque me esperaba un pelín más sobre todo porque algunas veces parece que algunas pelis están sobredimensionadas y al verlas te esperas un poco más. A medias porque a veces se saltan las reglas matando o haciendo desaparecer a algún adolescente (no es frecuente), o haciendo chistes sociales pero que luego describen a los personajes de una manera genereralizadora del género.No termina de terminar de explotar. Y el final de la peli es el fiel reflejo de lo que tenía que ocurrir, imposible un final amargo (pero si que mueren algunos).
Pero es fresca, divertida, para recordar esas pelis de los 80's, inteligente la manera de hacer aparecer los aliens. Y con una música realmente buena, ya sea el score de Steven Price o las diversas canciones que aparecen a lo largo de la peli.
Para los fanes de la ciencia-ficción, Edgar Wright y Nick Frost (tiene un papel en la película).
También añadir que Joe Cornish es el guionista de la última Tintin de Spielberg. A ver que nos trae la próxima vez Joe.

"Nunca me abandones", Mark Romanek, 2010.

Hailsham no es Hogwarts. Da más miedo. Esa escuela perdida en la campiña inglesa donde unos niños se educan somo si fuera ganado. Eso sí con una educación y pulcritud inglesa victoriana. La acción transcurre en tres décadas 60, 80, 90 contada en tres actos.
La historia gira alrededor de tres niños. Tres niños que intentan averiguar que ocurre en Hailsham. Ellos no pueden imaginar que ocurre allí hasta que el secreto es revelado. Todos los alumnos de Hailsham deben realizar donaciones. Son criados y educados para eso, para donar, para salvar a una clase noble.
Kathy, Tommy y Ruth son los protagonistas de esta distopia o antiutopia. Donde parece que se conforman con su rol dentro de esa sociedad limitada y gobernada por las clases sociales pudientes. Solo se aferran al amor y a la amistad.
Y de eso va en realidad la película: de la capacidad de amar. De amar, aunque sea casi  imposible e inutil amar. Es devastadora y conmovedora. Realmente el mundo y la sociedad son así de egoistas.
Da miedo pensar que los personajes no luchan, pero esa es la metáfora y ahí es donde quiere llegar Ishiguro, el ser humano debe seguir una linea y la mayoría de las veces es obligada seguirla.
Ishiguro es el autor de la novela "Nunca me abandones", el nombre de una canción encerrada en una cassette, autor conocido y de renombre ("Lo que queda del día). Ayudado en el guión por Alex Garland ("28 días después" y en la dirección por el sorprendente Mark Romanek. Se nota la mano videoclipera de Mark, pero es ténue, dulce, sin forzar nada, con una fotografía y unos planos verdaderamente hermosos. Puede que a veces peque de fría pero la historia es fria y caliente a partes iguales.
Buena adaptación de un libro aclamado. El guión se desliza poco a poco, va contando lo que aparece en el libro pero sin forzar ni inventar nada (que yo recuerde).
Bonito y triste final de una historia de tres chicos que solamente buscaban amarse antes de cumplir o de irse.
Increible las interpretaciones de Carey Mulligan ("Drive", "Shame") y Andrew Garfield ("La red social") y una normal y aceptable Keira Knightley (en su papel). También mencionar la aparición de Charlotte Rampling y la notable BSO de Rachel Portman. Para amantes del cine en general.

"Men in black III", Barry Sonnenfeld, 2012.

Vienen de nuevo los hombres de negro y en esta ocasión el agente J (Will Smith) viajará en el tiempo  como si fuera Marty McFly  y viajará más concretamente al convulso año 1969, en donde aparecen hippies, música pop (Velvet) y detalles curiosos de esa cultura sesentera americana (estar atentos).
El agente J viaja a 1969 para intentar salvar de nuevo al mundo y de paso salvar al jóven agente K interpretado por un seco Josh Brolin (claro que debe hacer del agente K). En esta ocasión y como en las anteriores películas se enfrenta a un malo, un extraterrestrre boridiano llamado Boris el Animal (Jemaine Clement) escapado de una prisión que se encuentra en la luna y que se irá al pasado para arreglar algunos asuntillos. Por eso el agente J viaja a 1969.
De nuevo el humor un tanto surrealista y extraño se encuentran en esta peli, donde los gags a veces funcionan y otras no. Lo bueno es que esta vez el peso de la película no recae en los extraños seres o extraterrestres creados por el gran Rick Baker sino en la nueva pareja formada por el agente J y el agente K más jovencito.
Una película cuidada en la estética, se nota la mano de Sonnenfeld (La familia Addams) sobre todo en las secuencias donde aparecen habitaciones con esos decorados hiper poperos y rozando el barroquismo. Pero la peli  baja el listón debido a ese humor un tanto extraño o fallido o porque le falta consistencia en algunas tramas, cosa que le ha pasado casi siempre en esta saga.
Pero estamos ante la peli más divertida de la saga. Proporciona lo que nos quiere dar; chistes de Will Smith (algunos muy buenos), algunas secuencias surrealistas, unos cuantos bichitos (me gustaría que aparecieran más) y un final feliz. En este caso quizás un poco más dulce de lo normal.
En esta Tommy Lee Jones está de vacaciones ya que aparece más bien poquito, dándole el relevo a Josh Brolin.
Puede que la historieta creada por Lowell Cunningham le quede más bien poco y den finalizada la saga. Pero todo apunta a que se realicen más. Solamente habrá que esperar a ver como reacciona ante el nuevo público adolescente ya que tampoco han cambiado demasiadas cosas en la saga. Diría que demasiado normal para los tiempos que corren entre el público adolescente.
De la peli me ha llamado la atención el señor malo llamado Boris el animal interpretado por un irreconocible Jemaine Clement (the flight of the conchords) y la aparición de la ultraocupada Emma Thompson que aparece en todas las sagas. Lo peor que a veces olvidan un poco la mala leche proporcionando una dosis elevada de azucar o ñoñeria.
¡Ah! atención a Andy Warhol y Lady Gaga....Y a Mick Jagger...

"Paranormal activity 2", Todd Williams, 2010.

La saga "Paranormal activity" puede que se convierta en una interminable saga a lo "Saw" por poner un ejemplo. Ya van tres. Son películas atractivas para las productoras ya que no necesitan demasiado dinero para realizarlas y encima casi siempre arrasan en el primer fin de semana (que es lo que ahora importa) porque los adolescentes y fanes de los espíritus van en masa a verla (sobre todo en los EEUU) como si fuera la última película de espiritus malignos.
Llama la atención que Oren Peli el creador de la idea además de ser el realizador de la primera peli no fuera invitado a participar en las siguientes, llamando siempre a diferentes realizadores, en esta ocasión dirige Todd Williams que ni siquiera es un especialista en este tipo de pelis.
Las pelis se siguen por un fino hilo argumental, se van convirtiendo en un pequeño puzzle y así hasta ad infinitum, ya que la familia Rey que es la protagonista de la segunda parte aparece en la tercera también. Esta ocurre en el mes de Agosto de 2006 y la familia Rey es visitada por un espiritu maligno que quiere llevarse a un miembro de la familia (no diré cual). Ese es el argumento de la peli y como no, siempre ataca a una familia feliz, una familia con hijos (lo normal), pero en esta ocasión hasta tenemos perro, un perro que defiende a la familia, hasta siente a los espíritus.
Las dos ultimas pelis de Paranormal me recuerdan más a las pelis de espiritus tipo "Insidious" (2010) o "El último exorcismo" (2010) que a la primera parte de Paranormal, eso sí juega de nuevo con las cámaras y con el punto de vista subjetivo y ese recurso a veces se vuelve más una lacra que algo nuevo como fue la primera. La primera nos recordaba a "El proyecto de la bruja de Blair" (1999) por su novedad o falso documental ya visto tanto en los últimos tiempos.
Todas las pelis empiezan, transcurren y casi terminan igual, excepto la primera. Presentación de la familia, presentación del espiritu y final que suele ser como ya sabemos: fatídico. Es algo normal en este tipo de pelis que ninguna termine bien. En esta ocasión la segunda y la tercera se siguen aunque se pueden ver en distinto orden (se entienden) el orden no altera el producto en esta ocasión.
Pero lo que antes te atraía o te asustaba ahora se vuelve más normal y casi paródico ya que los personajes estan etiquetados y se comportan siempre de la misma manera. ver 2 y 3 y os dareis cuenta. O ver las demás películas de espíritus de los últimos años. Los finales suelen ser finales exagerados o con aparición de sectas la mayoría de las veces. En esta ocasión no diré quien aparece o quien es "el malo".
La podéis ver sobre las 00:00 de la noche y pasar un poquitín de miedo. Para fanes de la saga.